“Museo”, ¿consolidación de un cine de autor irónico?

Cinetiketas | Por Jaime López | 

TW: @JaimeComunidad3

Quien haya visto el largometraje debut de Alonso Ruizpalacios, "Güeros", sabrá que la ironía fue uno de los instrumentos principales para contar esa historia, para retratar la huelga estudiantil de la UNAM suscitada a finales de los años 90 y principios del nuevo milenio.

Sí, efectivamente: su visión chacotera y parcial (incluso, reduccionista para unos) sobre aquel suceso le produjo una serie de críticas negativas y varios detractores, pero también un sinfín de seguidores, que provocó que el también orquestador de videos musicales y obras de teatro fuera considerado el nuevo enfant terrible del celuloide tricolor.

Cuatro años después, y con una madurez perceptible en su humor (aunque quizá esto último se deba a un comportamiento más precavido del realizador), Ruizpalacios está de regreso con un argumento que también aborda un acontecimiento de la historia contemporánea tricolor: el robo de aproximadamemte un centenar de piezas del Museo Nacional de Antropología, perpetrado por un par de estudiantes de Veterinaria radicados en Ciudad Satélite.

Un diálogo donde se pronuncia la frase "No hay preservación sin saqueo", aunado a una libre reinterpretación de los hechos, así como a una escena introductoria con imágenes de archivo en donde se da cuenta de cómo varias de las piezas arqueológicas transferidas a ese recinto fueron extraídas de las comunidades originarias sin el permiso de sus habitantes, son algunos de los elementos que confirman la intención de Ruizpalacios de nuevamente ironizar con el material que tiene entre sus manos.

Solamente que ahora el protagónico con actitudes pubertas o infantiles de sus "Güeros" ha adoptado otros matices, se llama "Juan", y tiene el rostro de un actor famoso de México: Gael García Bernal. 

Mientras que la lente de Damián García sigue logrando encuadres de infarto. Basta con revisar los tiros que hace dicho artista con base en las siluetas de sus estelares, o esa secuencia (muy a la "ola francesa") grabada en un bar de mala muerte.

"Museo", ese es el nombre anticlimático pero oportuno con el que Ruizpalacios y su coguionista, Manuel Alcalá, han bautizado su nueva creación, misma que destaca por dos aspectos fundamentales: haber rescatado un sui géneris capítulo de la historia mexicana y tratar de reinventar el género del heist movie, quizá uno de los menos explorados por la industria de este país (al momento de escribir este texto me vienen a la mente pocos ejemplos: "La extinción de los dinosaurios", "Mexican Gangster" y "Todo mal").

Con una primera mitad ágil y bastante divertida, "Museo" demuestra cómo se pueden relatar premisas atípicas en la pantalla grande y cómo el séptimo arte es un constante universo de reinterpretaciones, pues es sabido que varias de las escenas creadas para la película están sustentadas en la imaginación de su realizador, quien ha subrayado la manera en que mezcla la historia con la ficción.

Sumado a lo anterior, el cineasta se las arregla para incluir en su universo una peculiar crítica a la familia y la amistad, de la cual sale bien librado.

Y qué decir del histrión secundario con el que cuenta la cinta en turno: Leonardo Ortizgris, que en varios momentos se roba los reflectores con su "Wilson", el leal compiche del protagonista, que pese a ser sobajado nunca cae en la traición. 

¿Es "Museo" una propuesta superior a la ópera prima de Ruizpalacios? Solo el tiempo lo dirá. Lo cierto es que se trata de un producto más maduro en términos estéticos y narrativos, que si bien decae a mitad de la historia, divierte y se siente como algo diferente a lo que habitualmente estrenan las cadenas comerciales.

A continuación, recordamos parte de la cobertura que hizo Sputnik en la rueda de prensa y alfombra roja de "Museo" (Para algunos dispositivos móviles se requieren audífonos): 

“Tamara y la Catarina”, mujeres solidarias rompiendo el olvido

Cinetiketas | Por Jaime López | 

TW: @JaimeComunidad3 

¿Qué tienen en común una mujer que posee una discapacidad, una adulta mayor de escasos recursos y una bebé extraviada por error o descuido en un lugar público? Pues que representan a algunos de los sectores más marginados e invisibilizados tanto por la sociedad como por las autoridades.

Sin embargo, para Lucía Carreras, directora de "Nos vemos papá" y coguionista de "La jaula de oro", aquellas figuras condenadas al olvido son el pretexto adecuado para hablar en su nueva obra sobre un concepto minimizado por el mundo occidental contemporáneo: la solidaridad humana.

Dicha noción representa la columna vertebral de "Tamara y la Catarina", propuesta fílmica con la que Carreras erige una carta de amor hacia los menospreciados, a los que día a día son ignorados por sus semejantes, pese a compartir el mismo espacio físico, mismos que también han sido exiliados de la pantalla grande.

"Las historias surgen como una necesidad personal de hablar de algo, y en el camino de la construcción de esta historia surgieron tres personajes maravillosos: Tamara, Doña Meche y la pequeña Catarina", señaló la realizadora durante una entrevista concedida a esta casa editorial

"Conforme fui construyendo la historia, para mí era importante hablar de personajes segregados socialmente, de parias, de gente invisible", abundó.

Acompañada de su actriz protagonista (con la que prepara una nueva producción denominada "Nudo mixteco"), Carreras precisó que "Tamara y la Catarina" se volvió un vehículo para visibilizar a ciertas personas (cabe recordar que dicho filme sigue a una mujer codependiente de su hermano). No obstante, rechazó que su objetivo como cuentahistorias sea lanzar un mensaje o educar a la gente.

Reconoció que era mínimo su conocimiento sobre personas con alguna dicapacidad, y mencionó que "Tamara" le enseñó a ver distinto a la gente.

"Tamara nos enseñó mucho a todos: a ver distinto a la gente en general, no solo a personas con capacidades diferentes. A mí me enseñó que debes entender y respetar las historias de los demás".

Por su parte, la intérpete que da vida a la "Tamara" del título, Ángeles Cruz, dijo que su rol significó un enorme desafío, porque podía caer en la banalidad. En este sentido, detalló que lo construyó paulatinamente e interactuando con un ser cercano que tiene capacidades diferentes.

Agregó que "Tamara" es un papel con varias capas, el cual la hizo indagar en su sensibilidad. 

Las entrevistadas coincidieron en que la mayoría de los roles femeninos impactantes del séptimo arte parecen emanar de creativos mujeres. Sin embargo, y sin afán de caer en polémicas innecesarias, consideraron que se trata de algo natural, pues las escritoras hablan sobre lo que saben.

"No lo sé, supongo que son las historias que queremos contar, como contadora de historias queremos que sean mujeres las que nos representan. Supongo que algunos hombres rompen estereotipos, pero sí, en general, son las mujeres quienes ponen mujeres como protagonistas", expuso Ángeles. 

Relataron que tuvieron la fortuna de trabajar con una estupenda actriz infantil, así como con un crew profesional, que realizó adecuadamene sus funciones en torno a la bebé que aparece en pantalla.

*Se recomienda usar audífonos en algunos dispositivos móviles para escuchar esta entrevista.

¿Y cómo está la película? 

"Tamara y la Catarina" se estrena este 26 de octubre con la expectativa de cautivar a los cinéfilos nacionales. Y seguramente lo logrará, pues es una historia que presenta un tríptico de encantadoras personalidades, y el cual va entretejiéndose orgánicamente, sin maníqueos argumentales ni resoluciones fáciles.

En cuanto a su manufactura técnica, dicha cinta sorprende en su diseño de arte, pues basta indagar un poco en el detrás de cámaras para descubrir que el interior de la casa donde habita "Tamara" fue recreado cuidadosamente en un foro con green screen.

Asimismo, el guion de Carreras sobresale por los matices con los que salpica a todos sus personajes, incluyendo los roles secundarios, además de que se las arregla para esbozar las injusticias o circunstancias adversas que enfrentan otros grupos marginados (ojo a esa secuencia desarrollada en una delegación).

Finalmente, las actuaciones del trío protagónico son magistrales e inolvidables: no tienen diálogos o gestos fuera de lugar o sobreactuados. Al contrario, se sienten honestos o transparentes, muy ad hoc con la historia que se narra. 

Eso sí, la película en turno se torna más dinámica cuando comienzan a interactuar las dos mujeres maduras, pues se manifiesta una especie de complicidad histriónica y artística rara vez disfrutada en pantalla grande. Se llama solidaridad, muy a tono con el leitmotiv de "Tamara y la Catarina".

Conoce todas las actividades del Festival de Calaveras 2018

Uno de los eventos más importantes de Aguascalientes es el Festival de Calaveras que se reliza año con año entre octubre y noviembre, en donde toda la ciudad se convierte en un altar viviente de celebración a los difuntos.

El marco del festival sirve también para rendir homenaje a José Guadalupe Posada, uno de los personajes más emblemáticos de la región, creador de la famosa "Calavera Garbancera", mejor conocida como La Catrina, que cada año es la anfitriona principal de las festividades mortuorias.

Se llevará a cabo del 26 de octubre al 4 de noviembre de 2018 en Aguascalientes.

Exposiciones, artesanías, gastronomía, teatro callejero, muestras cine, eventos deportivos y recreativos, altares gigantes, pan de muerto, recorridos de ultratumba, un gran desfile y una oferta musical muy nutrida son los elementos que hacen del Festival de Calaveras un acontecimiento único en su tipo.

Puedes descargar y consultar todas las actividades del Festival de Calaveras en el siguiente enlace:

PROGRAMA OFICIAL FESTIVAL DEL CALAVERAS 2018

Ismael Serrano en Aguascalientes

Por Sergio Martínez 

Ismael Serrano inicia su gira mexicana 2018 en Aguascalientes. Después de 15 años, el cantautor español vuelve a pisar tierra hidrocálida celebrando 20 años de la edición de su primer disco: Atrapados en azul y del oficio de cantar. Alumno avezado de Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute, Silvio Rodríguez, Víctor Jara y Joan Manuel Serrat entre otros; suma 14 discos editados en su carrera en los que a través de sus canciones reivindica la vigencia del género de la canción de autor y ha establecido una voz propia que lo ha llevado a colgar el cartel de localidades agotadas en España y las principales capitales de América Latina. 

Llamado por el periodista español Víctor Lenore: “el artista de mayor éxito de una generación olvidada y la voz de una generación sin relato”, Ismael trae bajo el brazo su más reciente trabajo 20 Años. Hoy Es Siempre; donde hace un recorrido por la geografía de sus discos anteriores y nos regala sus versiones personales de canciones de algunos de sus más admirados cantautores para subrayar "lo vivido, lo aprendido y lo encontrado”.

Ismael Serrano se presenta el 25 de octubre en el Patio Outdoor Disco a las 21:30 horas. Más información AQUÍ.

Continuará su gira por Morelia, Guadalajara, Torreón, Monterrey, Hermosillo, CDMX y Puebla. Pasen lista de presentes.


ACTUALIZACIÓN: POR RAZONES PERSONALES DE ISMAEL LA FECHA DE AGUASCALIENTES HA SIDO CANCELADA :(

“Rush hour”, dinámico cine que retrata la movilidad fallida

Cinetiketas | Por Jaime López | 

TW: @JaimeComunidad3 

Si alguien pensaba que la mala planeación urbana de las grandes metrópolis era un problema exclusivo de los países en eternas vías de desarrollo (por ejemplo, México), el nuevo legado fílmico de Luciana Kaplan demuestra que ello no es cierto.

Y es que la responsable de dirigir “La revolución de los alcatraces” sigue en su reciente obra (titulada “Rush hour”) a algunos habitantes de las tres ciudades con mayor tráfico del mundo (Estambul, Los Ángeles y la CDMX), para evidenciar la manera en cómo desperdician su vida con motivo de sus largos traslados a sus trabajos.

“Como habitante de la Ciudad de México, me siento muy identificada con el tema, por eso sentí las ganas de profundizar en la experiencia que implica vivir en las grandes ciudades, y todo el tiempo que estamos perdiendo solamente para movernos de un lugar a otro”, señaló.

Durante una entrevista para esta casa editorial, la también catedrática del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) resaltó que la fallida movilidad en las grandes urbes les quita a las personas la oportunidad no solamente de convivir con sus parejas y demás seres queridos, sino también de hacer otro tipo de actividades.

Abundó que la mala planeación urbana es una problemática que no respeta género, ni tampoco estratos sociales o económicos. De este modo, quien vea su nuevo documental podrá descubrir el conflicto emocional con el que debe lidiar una mujer de escasos recursos que labora en una estética, así como una progenitora turca de clase media, o un hombre estancado en las imbricadas vialidades de Estados Unidos, pese a contar con su propio automóvil.

“Están todos metidos en el mismo embrollo, pese a que son de diferentes países, diferentes estatus, diferentes nacionalidades. Son personajes que viajan seis horas al día. Eso es un poco lo que los une”, dijo. 

Por otra parte, la realizadora indicó que “Rush hour” retrata otro tipo de dificultades, por ejemplo, la inseguridad y violencia de género a la cual está expuesta su protagonista que labora en la Ciudad de México. 

La búsqueda para encontrar al trío protagonista tardó un año, comentó la creadora audiovisual, quien agregó que “Rush hour” es una producción “compleja”, la cual requirió la colaboración de dos casas productoras: Cactus y La Sombra del Guayabo, esta última comandada por el también documentalista Carlos Hagerman. 

Gabriel Serra (director de fotografía y responsable del laureado cortometraje “La Parka”), la productora Martha Sosa, así como el editor Yibran Assaud (con el que Kaplan ya había colaborado en su ópera prima), son otros de los talentos que forman parte del equipo de “Rush hour”. 

En otro orden de ideas, la directora manifestó su deseo de que la promoción y distribución de los documentales mexicanos mejore con la entrada de la nueva administración federal, pues expuso que los integrantes de esta parecen tener una visión más proteccionista del celuloide tricolor.

“En ese sentido, sí tenemos esperanza de que cambien las cosas, en especial para el documental, que también es una película, que merecen la misma promoción, y que no es un producto clase B como lo consideran”.

Sin embargo, destacó que hay ciertos acuerdos con las distribuidoras estadounidenses (plasmados en el Tratado de Libre Comercio recién renegociado) “que no se pueden romper”.

“Rush hour” debuta este 12 de octubre con 24 copias distribuidas entre Cinépolis, Cinemex y la Cineteca Nacional. Posteriormente, tendrá exhibición en otros circuitos culturales, mientras que en Puebla se podrá disfrutar en Cinépolis Angelópolis.

‘A Star is Born’: el exitoso remake que todos deberíamos ver

Call me old fashioned… please! | Por Mónica Castro Lara |

Hace un par de meses, en una dinámica de clase, los alumnos de mi hermana me entrevistaron e hicieron varias preguntas en relación a varios temas, entre ellos esta columna que tanto adoro, mis comienzos en Sputnik y por qué mis ansias e interés por escribir sobre lo ‘antiguo’ muy por encima de lo nuevo. Hubo por supuesto muchas preguntas interesantes y creativas pero, una en particular me puso a pensar por varios segundos y sin dudarlo, di una respuesta que me enorgullece; la pregunta fue qué artista contemporáneo considero que puede prevalecer en el tiempo y convertirse en leyenda, así como otros grandes artistas y bandas que han liderado la industria musical por décadas y mi respuesta fue bastante simple: Lady Gaga. ¿Por qué Lady Gaga? Porque me parece que es una artista que constantemente se encuentra en evolución junto con su arte y no todos se atreven o tienen la oportunidad de hacerlo; porque admitámoslo, no sólo canta increíblemente bien, también baila, actúa, escribe sus propias letras, compone su música, toca el piano, la guitarra y su estilo ha sido siempre excéntrico obligándonos casi a tener una opinión radical al respecto, por lo que ni siquiera podemos encasillarla en la categoría triple threat; ha roto récords de conciertos, de álbumes vendidos y de éxitos en las listas de popularidad, dejando en el mundo del pop, varios éxitos que todos hemos entonado y hasta bailado en más de una ocasión. Además ha colaborado con Tony Bennett y para mí, ya le suma todos los puntos necesarios para su consolidación en el medio. Y bueno, lo último que ha hecho ‘Gaga’ –que no es cosa menor a todo lo que ha hecho anteriormente- es protagonizar la película ‘A Star Is Born’ al lado del guapísimo Bradley Cooper y las alarmas de todos los premios de cine, créanme, están activadas.

‘A Star Is Born’, es una película que goza de 4 remakes exitosos, es decir, se ha producido ya cuatro veces desde 1937. La película original fue escrita y dirigida por William A. Wellman y obtuvo siete nominaciones a los premios Óscar, ganando únicamente una estatuilla por Mejor Guion Original. Básicamente la historia trata sobre la vida de una chica de campo cuyo anhelo es convertirse en actriz y tras superar varias vicisitudes, llega a Hollywood y conoce a uno de sus actores favoritos cuyo alcoholismo está llevando su carrera al descenso; ambos se enamoran y trabajan de la mano hasta que la carrera de ella eclipsa la de él y bueno… el final no es nada nadita de color rosa. Esta primera versión de ‘A Star Is Born’, fue protagonizada por Janet Gaynor y Fedric March, consolidándolos como una pareja hollywoodense de éxito. La segunda versión, filmada en 1954 y dirigida por George Cukor, fue protagonizada por la grandiosa Judy Garland y por James Mason. La película tuvo un costo de 5 millones de dólares, haciéndola una de las más costosas de la década de los 50s; obtuvo gran éxito y gran aprobación entre la crítica. Obviamente, al estar situada en plena década de los musicales hollywoodenses, fue reescrita por Moss Hart para darle ese esplendor que nos regalan las películas musicales de dicha época y por ende está plagada de grandes coreografías, vestuarios brillosos y despampanantes y la voz inconfundible de mi Judy.

 

La tercera versión de ‘A Star Is Born’ (hasta ahora mi favorita), fue estrenada en 1976 con nada más y nada menos que Barbra Streisand en el papel de Esther Hoffman y Kris Kristofferson como John Norman. Es básicamente el mismo hilo conductor pero, ahora en vez de actores y actrices, son estrellas de rock. La película tuvo buena aceptación con el público en general, sin embargo la crítica la detestó, insistiendo en que el entonces novio de la Streisand tenía mucho que ver con la megalomanía de la actriz y que su personaje se vuelve por momentos insufrible, aunque elogian totalmente la actuación de Kristofferson que de verdad hace un trabajo increíble, una especie de radiografía de Jim Morrison, si me lo preguntan. La película tiene sus diálogos dramáticos inolvidables y la canción ‘Evergreen’ ganó el Óscar a Mejor Canción Original. Como dato curioso, los productores (uno de ellos la mismísima Barbra) querían a Elvis Presley en el papel de Norman tanto así que Presley llegó a leer la película y estuvo bastante interesado en participar creyendo que podría revivir su carrera, pero su manager, el temido Coronel Parker exigía una cantidad de dinero exorbitante ya que el actuar de un cantante alcohólico en decadencia, podría afectar seriamente su imagen. ARE YOU FUCKING KIDDING ME, MAN?!

Pues déjenme decirles que la última versión de ‘A Star Is Born’, es claramente ya una favorita entre la crítica y el público que hemos esperado con ansias para verla. Es el debut como director –y como cantante- de Bradley Cooper a quien no sólo le bastó dirigirla, sino que también la produjo y escribió junto con Eric Roth y Will Fetters; la visión que tuvieron estos tres caballeros es una clara oda a las versiones anteriores que, junto con excelentes actuaciones y una fotografía que me parece maravillosa, nos narra lo glorioso y trágico de la fama, del amor y de la vida en sí.  Se ha elogiado constantemente la química tan natural y apasionante que emanan Bradley y Gaga en pantalla, así como el soundtrack que se creó específicamente para la película, un trabajo creativo de varios meses que dio como resultado 19 canciones de distintos estilos musicales producto de la colaboración entre Lady Gaga y Lukas Nelson (hijo del famoso Willie Nelson).

Este primer fin de semana de octubre, ‘A Star Is Born’ se estrenó en la mayoría de salas de cine de la república; estoy segura que muchos correremos a verla, cantaremos y obviamente lloraremos o de la emoción o de tristeza. Mientras ese momento llega, les recomiendo irse familiarizando con ‘Shallow’, canción que traigo en la cabeza desde hace días.

“Hotel de criminales", ¿Jodie Foster fracasa en su regreso actoral?

Cinetiketas | Por Jaime López | 

TW: @JaimeComunidad3 

No cabe duda que hablar de Jodie Foster es referirse a una de las intérpretes más respetadas y comprometidas del cine hollywoodense contemporáneo, misma que, cuando tiene un buen personaje entre manos, le sabe sacar provecho al máximo. 

Quién no recuerda su valiente y desgarradora actuación en "Acusados" (1988), en donde la también realizadora se puso en la piel de una mujer víctima de una violación multitudinaria, o aquel rol cautivador en "Nell" (1994), el cual le valió un premio del sindicato de actores, por haber transmitido diversas emociones solamente con la mirada y lenguaje corporal. 

Por ello, su retorno frente a las cámaras, después de un lustro de ausencia, sonaba sumamente emocionante para sus seguidores, en especial por tratarse de un filme de ciencia ficción cuya premisa y personajes lucían muy prometedores: "Hotel de criminales".

En dicha producción, Foster da vida a "La enfermera", una exmédica con deteriorado aspecto físico, que se dedica a regentear el único lugar en Los Ángeles donde los sicarios, ladrones y otros malhechores de poca monta pueden curar sus heridas sin que nadie les pregunte al respecto.

Pese a que la otrora estelar de "Contacto" y "Valiente" pone todo su empeño para darle una mayor profundidad a su caracter, el ritmo y narrativa de la película dejan mucho que desear. 

Así, el corroído o carcomido rostro de Foster, la agorafobia de la cual es presa su rol, al igual que las secuencias en las que llora convincentemente la pérdida de un ser querido, son opacados por la falta de fuerza en la dirección y el argumento.

Y es que la "ópera prima" de Drew Pearce, responsable de coescribir el guion de "Misión Imposible: Nación Secreta", no sabe aprovechar todos los elementos que tiene a su favor para entregar un mejor producto, por ejemplo, un trío de carismáticos y buenos actores (Sterling K. Brown, Jeff Goldblum y la ya mencionada Jodie Foster), un estupendo cinefotógrafo (el surcoreano Chung-hoon Chung) y una impecable dirección de arte (cortesía de Samantha Avila y Jonathan Carlos). 

Tampoco logra eregir una punzante reflexión social, ni construye una buena historia con pocos recursos. Y es que tener limitado presupuesto para los efectos especiales no es sinónimo de conformarse con algo plano o anticlimático.

Ahi está "Ex Machina", que costó lo mismo que la cinta en turno (15 millones de dólares), con un resultado final mucho más redondo.

Al respecto, algunos cinéfilos atribuyen la fallida ejecución de "Hotel de criminales" a su realizador, a quien también recuerdan (y culpan) por haber arruinado la trilogía de "Iron man", pues fue Pearce el encargado de escribir la última película del héroe de Marvel.

Sean peras o sean manzanas, "Hotel Artemis" (por su título en inglés) no es un buen incentivo para que las nuevas generaciones de espectadores conozcan el legado artístico de Foster, quien es lo mejor que tiene dicho filme. 

Lástima por una actriz que merece todos los reflectores del mundo, así como buenas críticas, porque está probada su capacidad para apropiarse de los papeles que le ponen enfrente.

Llega a México "La gran promesa", el filme grabado en 4 países

Cinetiketas | Por Jaime López | 

TW: @JaimeComunidad3 

El nuevo proyecto fílmico de Jorge Ramírez-Suárez, director que conmovió a propios y extraños con “Guten Tag, Ramón”, por fin arribará a las pantallas grandes de nuestro país. Se trata de “La gran promesa”, una propuesta sumamente ambiciosa, pues fue grabada en cuatro países: México, Estados Unidos, Alemania, y Bosnia-Herzegovina.

El estreno de dicho filme se llevará a cabo este 5 de octubre, a cuatro años del debut de su anterior cinta, misma que fue estelarizada por Kristyan Ferrer y la germana Ingeborg Schöner.

Justamente, el haber sido filmada en cuatro diferentes partes del mundo, aunado a que una quinta nación (perteneciente al continente africano) fue recreada totalmente en Durango, hacen de “La gran promesa” una historia que no se debe pasar por alto, al menos no en lo referente al diseño de producción, un apartado poco apreciado por el grueso de los espectadores.

El encargado de supervisar dichas área fue Florent Vitse, artista que ha trabajado con respetados miembros del gremio fílmico mundial, por ejemplo, Richard Linklater.

Vitse logra que todas las locaciones utilizadas para el argumento de “La gran promesa” no se sientan fuera de tono, es decir, le da autenticidad a la nueva propuesta de Ramírez-Suárez.

Así, se sienten creíbles la tienda fotográfica en donde se refugia el protagonista, el juzgado donde transcurre una parte medular de la trama, las estaciones de metro localizadas en Europa o el departamento en el que reside uno de los personajes principales. Y qué decir de esa secuencia inicial, que logra recrear una guerra civil africana sin escenarios acartonados o ridículos.

Por otro lado, resulta muy atractivo ver a Juan Manuel Bernal y Sofía Espinosa compartir pantalla, pues son dos de los más representativos intérpretes del actual séptimo arte tricolor, mismos que han sido galardonados con el máximo galardón de la industria nacional: el Ariel. El primero lo consiguió por su intervención en “Obediencia perfecta”, mientras que la segunda se lo llevó gracias a su portentosa actuación en “Gloria”.

Básicamente, “La gran promesa” cuenta la historia de un fotógrafo mexicano que debe abandonar a su única hija (y, de paso, sus sueños) porque el esposo de su mujer le quiere quitar con artimañas la custodia de aquella. A varios años de su alejamiento, el artista visual busca regresar a la vida de su unigénita por ciertas circunstancias. Su periplo estará lleno de aventuras, incluida el encuentro con una arrebatada pero solidaria joven.

¿Y cómo está la cinta?

No es el mejor trabajo del otrora orquestador de “Conejo en la luna”, pero se defiende en diversos aspectos, tal es el caso del ya mencionado diseño de producción, además de la fotografía y la actuación de quienes dan vida a los padres adoptivos de la hija abandonada (Gastón Yanes y Alejandra Ambrosi).

Igualmente, la manera en que el director le rinde homenaje al oficio de la fotografía resulta poco efectivo, como un elemento metido a calzador. Es aquí en donde Ramírez-Suárez no logra equilibrar adecuadamente los diferentes géneros de los que echa mano: drama familiar, thriller y crítica social (el arte como vehículo para cambiar el mundo).

Sin embargo, se agradece la intención del director por alejarse de la comedia chafa que predomina en el cine comercial mexicano contemporáneo, así como por arriesgarse a presentar una producción más ambiciosa que su anterior película.