Frank “the voice” Sinatra

Call me old fashioned... please! | Por Mónica Castro Lara |

“You haven’t really fallen in love

until you have danced a Sinatra song”

-Mónica Castro Lara

(Sí, una frase de mi autoría)

“¡Al diablo! escribiré sobre Sinatra" fue mi primer pensamiento a finales del mes pasado sin darme cuenta que, en realidad, escribir sobre Frank es mucho más complicado de lo que pensé. Cuando le platiqué a mi papá un poco sobre su biografía lo primero que le dije fue: "hay quienes deciden tener una vida mucho más lineal, más tranquila, pero no Sinatra… él todo lo contrario”. Fue uno de los artistas más versátiles que han existido tanto en lo personal como en lo profesional; infinidad de altibajos, múltiples personalidades, escándalos por todos lados, incongruencias sumamente notorias y aun así sigue siendo LA voz del Siglo XX.

Acabo de cometer el pequeño error de pedirle a mi mamá que ponga el disco de Sinatra para inspirarme; simplemente no logro concentrarme para empezar a escribir el artículo… no porque no sepa qué escribir, sino porque no paro de cantar y tararear todas y cada una de las canciones. Creo que es uno de los tantos dones que tuvo Sinatra, que su voz es una especie de hechizo al que sencillamente no puedes dejar de escuchar. En fin. Para mí es un verdadero honor escribir sobre Frank en este, mi último artículo del 2015 al lado de la Revista Sputnik, no sólo porque obviamente es uno de mis artistas favoritos, sino también porque recientemente celebramos su “cumpleaños” número 100 y vaya que había que festejar. Miles y miles de artículos han sido publicados en estos días y, debido a ello, no quisiera ser tan repetitiva y escribir sobre lo mismo que han escrito otras personas. Decidí cambiar un poco mi estilo de redacción y mejor contarles las 10 cosas que más me impactaron sobre la vida de Sinatra, porque era de esperarse que en un fin de semana, mi mente se saturara de información, vídeos y canciones de tan prestigioso artista. Al mismo tiempo que les platico, les iré recomendando algunas de mis canciones favoritas de Frank mientras las escucho.

Cuando Frank conoció a Gardel. Es una anécdota bastante legendaria diría yo, en donde por ahí de 1934, el tanguero por excelencia Carlos Gardel se encontraba en Nueva York filmando unas películas y en sus descansos, asistía a las estaciones de radio para dar algunos pequeños conciertos en vivo. La novia de Sinatra en ese entonces (que resultó también ser su primera esposa) Nancy, lo llevó a uno de esos conciertos en donde Frank quedó bastante impactado con el artista argentino. Una vez terminado el concierto, ambos se acercaron a Gardel para expresarle su gratitud y asombro por tan extraordinarias interpretaciones; entre español, inglés e italiano, se da una pequeña conversación en la que Gardel le pregunta a Frank a qué se dedica, Nancy le responde que tiene una maravillosa voz y que bien podría ser cantante, pero que prefiere perder el tiempo en trabajos inútiles y en meterse en problemas, por lo que Gardel le propone inscribirse al "Major Bowes Amateur Hour”, un concurso de cantantes auspiciado por la estación de radio donde se encontraban. Sinatra lo hace, gana el primer lugar y comienza una gira nacional junto con otros tres chicos a los que la emisora llamó "Koboken Four" ya que provenían de Nueva Jersey. Es en este momento cuando la carrera de Frank como cantante despunta, por lo que en 1981, viaja hasta Argentina no sólo para ofrecer un concierto, sino también para ir a la casa de Abasto donde vivía Gardel y simbólicamente, dejar un par de boletos bajo la puerta a manera de agradecimiento. ¿Se les enchinó la piel? A mí también, más porque en estos momentos estoy escuchando “Fly me to the moon”.

Cuando bailó tap. Si quieren tener una prueba fehaciente de la versatilidad de Sinatra, les recomiendo que corran (o caminen, como gusten) a YouTube y busquen la canción “I begged her” de la película “Anchors Aweigh” que protagonizó en 1945 al lado de otro de mis favoritos: Gene Kelly. ¿Ustedes sabían que Frank podía bailar así? Digo, la voz la tenía (y afortunadamente le fue mejorando con el paso de los años), pero tanto así que fuera una estrella de los musicales, sinceramente creo que pocas personas en la actualidad lo saben. Claro que al lado de Kelly, se queda bastaaaaante corto, pero por ahí se dice que el mismísimo Gene le dijo que tendría que trabajar y esforzarse muchísimo para ese papel, porque si bien ya comenzaba a hacer sus pininos en la industria, no todo el mundo sabía quién demonios era Frank Sinatra y tenía que demostrarlo. La película fue un éxito y recibió varias nominaciones a los Premios Óscar, incluyendo Mejor Canción por "I fall in love too easily", interpretada por Frank dentro de la película. Sobra decirles que es una maravillosa y cortita canción, cuya letra hace que, valga la redundancia, nos enamoremos rápidamente de Frank, de ese par de ojos azules y de ese traje de marinero que se cargaba. Ahora suena “I’ve got you under my skin” y hasta la fecha, no he conocido a una sola persona a la que no le guste dicha canción. Es una preciosura.

Cuando el micrófono fue su mejor aliado. Durante toda su carrera, Frank supo cómo usar correctamente el micrófono y beneficiarse de ello. Ya fuera para sobresalir de una orquesta o en las largas horas de grabación, el micrófono siempre fue un fiel aliado. Tan sólo miren algunos conciertos y se darán cuenta de ello. Se le conoce como uno de los primeros artistas en realmente explorar varias técnicas en los estudios de grabación: estar cerca del micrófono y rodearlo, la ecualización y reverberación fueron tan sólo algunas de ellas. Canciones como “New York, New York”, “Only the lonely” o “Summer Wind”, pueden ser muestra de ello.

Cuando se casó cuatro veces. Ahora sí no es ninguna coincidencia que esté escuchando “Strangers in the night”, la puse con toda ventaja y alevosía y créanme cuando les digo que puedo escucharla miles de veces seguidas; es una de mis canciones favoritas en general y me trae muy gratos recuerdos (obviamente no pienso contárselos). Cambiando de tema, era bastante obvio que Frank, un mujeriego con experiencia, podía tener a la mujer que él quisiera, cuando quisiera y en donde quisiera. Todas querían estar con él y pretender que alguna de las canciones que interpretaba, estaba dedicada específicamente a ellas, como por ejemplo “Strangers in the night”. Como ya dije, estuvo casado cuatro veces y tuvo muchísimas amantes. En alguna ocasión mencionó que, cuando hacía shows en Las Vegas, las mujeres simplemente se le acercaban a entregarle las llaves de sus respectivos cuartos de hotel. Sí, la cosa era así de fácil. Si uno reflexiona acerca de cuál era su tipo de mujer, me queda claro que sólo Frank lo sabía porque entre Nancy Sinatra, Ava Gardner, Mia Farrow y Barbara Marx no hay muchas similitudes que digamos. Con Nancy tuvo 3 hijos, con Ava iba a tener dos pero ella decidió abortarlos, con Mia no tuvo ninguno pero prácticamente la trataba como a una debido a la gran diferencia de edad y con Barbara tampoco tuvo ninguno, solamente que era la esposa de uno de sus amigos y ya. Ahora escucho “The way you look tonight” que si bien también me gusta bastante, prefiero la versión de mi querido Tony Bennett.

Cuando su carrera revivió. *empezó a sonar “Something Stupid” ¡qué buen playlist tengo!* Es difícil imaginar que en alguna ocasión Frank Sinatra tuvo problemas con su carrera: pasó desapercibido, escogía malas canciones para grabar, no lo contrataban en ninguna película, sus discos eran un fracaso, no tenía conciertos agendados, su alcoholismo se agravó y para colmo, le ponían el cuerno en Europa (sí, Ava Gardner lo trató peor de lo que se imaginan y sinceramente creo que se lo merecía). Luego llega la oportunidad de actuar en la película “From here to eternity” en 1953 y, después de luchar arduamente para obtener el papel de Angelo Maggio, se gana el Óscar a Mejor Actor de Reparto y bueno, su carrera en pocas palabras renace. Yo creo que por eso la canción “That’s life” es taaan Sinatra, porque justamente habla de esos altibajos que tenemos durante nuestras vidas.

Cuando luchó contra el racismo. Al mismo tiempo que escucho “For once in my life”, les comento que Frank fue uno de los primeros artistas en luchar contra el racismo; él fue testigo de todas las enormes injusticias por las que pasaban los afroamericanos de la época, ya que trabajaba con músicos y arreglistas negros a los que ni siquiera dejaban pasar por las puertas principales de los salones de bailes o teatros en donde tocaban. A Sinatra la molestaba muchísimo y con sus acciones diarias y la película “The house I live in” lo dejó muy en claro. También aportó bastante a la carrera de Sammy Davis Jr., aunque luego el muy o.g.t, junto con Dean Martin, le hacían bromas bastante pesadas en pleno escenario. Por eso les digo que también era bastante incongruente. Entre algunos de sus amigos y colegas negros más queridos están Ella Fitzgerald, Nat King Cole, Louis Armstrong y Duke Ellington; ustedes y yo ya los conocemos bastante bien.

Cuando cantó con Elvis. A pesar de ser Mr. Sinatra, Frank tenía que hacer muchos esfuerzos por permanecer en la escena musical como uno de los artistas más famosos y prometedores, pero cuando surge el rock and roll (el cual odiaba), tuvo que encontrar la estrategia perfecta para hacerlo. Y gracias ello, surge uno de los momentos más legendarios en la televisión estadounidense: una entrevista/dueto con nada más y nada menos que un guapísimo Elvis Presley (que a mi parecer luce bastante desubicado, pero se lo perdono) e interpretan un increíble mash-up entre “Love me tender” y “Witchcraft”. Cuando puedan, vean el video, les aseguro que se pondrán a reír como adolescentes nerviosas viendo a sus ídolos por primera vez.  Dato random: escuchen “I won’t dance”, es buenísima, yo lo estoy haciendo y me encanta cómo Frank dice con toda su desfachatez que no piensa bailar por ningún motivo.

Cuando sus amigos eran mafiosos. Cuentan por ahí, y seguramente ustedes también lo saben, que el papel de Johnny Fontane en la película “El Padrino”, está inspirado en Sinatra y supuestamente eso pasó en realidad, aunque Frank se encargó de desmentirlo varias veces. El FBI y la CIA, espiaron a Sinatra hasta el último día de su vida y su expediente es de más de 2 mil páginas. Se le fotografió muchas veces con mafiosos, se sabía que cantaba en conciertos privados para ellos y también se supo que él fue quien gestionó la ayuda de los mafiosos a la exitosa campaña de John F. Kennedy a la presidencia. Luego ambas partes le hicieron el feo y se sintió bastante traicionado. Ahora estoy escuchando la tranquila “The girl from Ipanema”.

Cuando fue el auge del Rat Pack. El líder o fundador del famoso “squad” fue de hecho Humphrey Bogart, pero cuando falleció, Sinatra tomó la batuta y junto a Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop, fueron los encargados de darle vida a Las Vegas y convertirla en lo que es actualmente. Todo mundo quería estar ahí y vivir la vida que llevaban estos cinco hombres. Era el clan perfecto que hacía y deshacía a su entero antojo el Sands Hotel. Actuaron juntos en películas como “Ocean’s 11”, “Sergeants 3” y “Robin and the 7 Hoods”. Y se dice por ahí que también eran parte del grupo –o más bien una extensión de él- Lauren Bacall, Judy Garland, Shirley MacLaine y Marilyn Monroe. A mi parecer no puede haber una mejor canción que “Witchcraft” para recordar al talentoso Rat Pack, no porque la letra tenga algo que ver, sino por la música. Es muy típica de ellos y la época y la estoy escuchando en este preciso instante.

Cuando le dio un plus a las portadas de discos. Frank hacía muy buen uso del departamento de arte de las disqueras donde trabajó y en la suya propia, ya que siempre les pedía que diseñaran portadas originales y no la típica foto del artista con su lista de canciones a un lado. Ya fuera recargado en un farol en plena calle, sonriendo en un aeropuerto o viendo bailar a una pareja, los discos de Sinatra se caracterizaron por ser diferentes hasta en lo visual.

Hablar de Frank Sinatra es hablar sobre uno de los grandes artistas que ha dado el mundo y cuya influencia es bastante notoria en la industria de la música, incluso actualmente. Un artículo largo lo sé, pero tenía que cerrar con broche de oro este magnífico 2015 al lado de Sputnik, en donde no sólo ustedes conocieron a muchos de mis artistas favoritos, sino que también yo me di la oportunidad de hacerlo. Gracias a todos los que han leído mis artículos y espero seguir con sus fieles lecturas el próximo año. Les mando un beso y un abrazo fortísimo. ¡Ah! Y como es Fin de Año, les recomiendo que escuchen “My way” a todo volumen.

 _________________________________________________________________________________________________________________
La Autora: Publirrelacionista de risa escandalosa. Descubrió el mundo del Social Media Management por cuenta propia. Gusta de pintar mandalas y leer. Ácida y medio lépera. Obsesionada con la era del jazz. Llámenme anticuada… ¡por favor!

   

33 preguntas urgentes sobre Star Wars: The Force Awakens

Por Germain Lussier | Vía Gizmodo |

Han pasado ya algunos días desde el estreno de Star Wars: The Force Awakens pero nuestras mentes continúan inquietas urdiendo y conjeturando. La película añade muchísimo material al universo Star Wars, abriendo camino a nuevos misterios. Aquí van algunos de ellos.

Algunas de estas preguntas en realidad sí tienen respuesta, pocas, y suelen ser vagas. La mayoría son un completo misterio. Dicho eso, y en relación a este último caso, intentaremos al menos proveer de un par de teorías o dos para cada una.

Aviso: absolutamente todo lo que leas a continuación es un spoiler si no has visto Star Wars: The Force Awakens. Así que si es el caso evita leer después de estas líneas y anda a ver la película, que la Fuerza te acompañe.

¿Quiénes son los padres de Rey?

Casi todo lo que ocurre con Rey se deja abierto al misterio de manera intencional. La película apunta con fuerza a que tiene algún grado de parentesco con lo que hasta ahora eran los personajes principales y puesto que Leia apenas reacciona cuando coinciden en escena, muchos piensan que ese personaje es en efecto Luke. Para echar más leña al fuego cuando Kylo Ren le lee la mente, ve una isla con agua. Eso es una pista inmensa. ¿Está viendo el futuro de Rey, el que aparece al final de la película, o de su pasado, porque ya había estado con Luke?

¿Cuál es la historia de Rey?

De nuevo, incierta. Sólo sabemos que la Fuerza es muy fuerte en ella. En un flashback, vemos a una joven Rey abandonada en Jakku por alguien con una voz siniestra. Es posible que la dejase en Jakku por una cuestión de seguridad, algo parecido a lo que pasa con Luke en el comienzo de Una Nueva Esperanza. Otra teoría es que era una de las estudiantes de Luke, su hija o no, que tuvo la suerte de alejarse antes de que Kylo Ren matase a todo el mundo. Es un personaje que está ahí como “nueva esperanza”.

¿Por qué llama el sable de Luke a Rey?

¿Porque es su hija? Podría ser. Antes pensábamos que los sables láser eran solo objetos inanimados pero ya en las series animadas de Star Wars se dejó claro que los cristales que se encuentran dentro de ellos son mucho más que eso. Aun así nunca hemos visto en la saga nada como eso ocurrir hasta ahora, y parece, sin más, una pregunta que será respondida en el futuro. Quizá es el resultado de algo que Luke le hizo a Rey antes de que la mandasen a Jakku. Y todo eso contando, claro, con que ya se han visto antes.

¿Por qué se convirtió Ben Solo en Kylo Ren?

Sabemos que Ben Solo, el hijo de Han Solo y Leia Organa, era uno de los pupilos de Luke hasta que el Líder Supremo Snoke lo convirtió al Lado Oscuro y asesinó a sus compañeros estudiantes. Pero ¿Por qué? ¿Qué le dijo o hizo Snoke para convencerlo? ¿Por qué Ben desconfiaba tanto de Luke, sus padres y del Lado Luminoso? Esas preguntas probablemente se conviertan en la clave de las siguientes películas.

¿Quién demonios es el Líder Supremo Snoke? ¿Cómo consiguió tanto poder? ¿Cuáles son sus poderes y cómo de grandes son?

The Force Awakens sólo muestra a Snoke como líder de First Order. No sabemos cómo ocurrió eso. Sabemos que, simplemente, ocurrió. Tampoco sabemos cuáles son sus poderes, excepto que la Fuerza es fuerte en él y que pudo manipular a Kylo Ren y al resto de Primera Orden. Pero no sabemos mucho acerca de dónde vino, qué es, si es un Sith o no, cómo aprendió la Fuerza... nada de eso. Ni siquiera sabemos cómo de grande es en realidad. El holograma que ve Kylo es obviamente muy grande, pero también lo era el holograma del Emperador la primera vez que lo vimos en la trilogía original. Las posibilidades pasan porque haya algo raro con su tamaño o forma, sobre todo teniendo en cuenta que Andy Serkis (el actor le pone voz, también a Gollum en su momento) dijo que el personaje era imposible realizar por el lado práctico.

Para saber más de Snoke, en esta entrada de Star Wars Database se dice que “Líder Supremo de la Primera Orden, el misterioso Snoke no tiene base permanente de operaciones y prefiere contar con sus aliados para un puesto de mando móvil. Snoke es poderoso en el Lado Oscuro de la Fuerza y seduce a Kylo Ren para abandonar el camino Jedi y ser su aprendiz. Snoke también tiene poder sobre el General Hux y la máquina de guerra tecnológica que la Primera Orden ha creado para destruir la Nueva República y la Resistencia de Leia Organa”.

¿Quién es Finn?

Sabemos que Finn fue criado desde su nacimiento para ser un stormtrooper: FN-2187, si somos precisos. Pero más allá de eso, su pasado es muy misterioso. ¿Tendrá algún tipo de linaje famoso? ¿Sabremos algo más de su amigo stormtrooper que muere en Jakku? ¿O simplemente pasará a las siguientes películas como el stormtrooper que “hizo lo correcto”? Los siguientes episodios probablemente lo aclaren.

¿Quién es Lor San Tekka?

Es el personaje, al que da vida Max Von Sydow, asesinado por Kylo Ren justo al principio de la cinta. Lor San Tekka es un antiguo aliado de la Nueva República y de la Resistencia. Lo que sabemos es que Leia confía en él, que sabe quién es realmente Kylo Ren y que Ren también lo conoce a él. También tiene, de algún modo, una pieza del mapa de Luke. No es mucho, pero sin duda importante.

La Star Wars Database amplía: “Un legendario explorador y viajero, Lor San Tekka es un aliado desde hace muchos años de la Nueva República y la Resistencia. Después de la Batalla de Endor, San Tekka ayuda a Luke Skywalker a recuperar una pieza tradicional del saber Jedi que el Imperio había querido borrar durante años, y Leia Organa espera que pueda ayudar a encontrar a su hermano. Después de décadas de aventuras, San Tekka se retira a vivir con sencillez en Jakku, donde sigue los dictados de la ya olvidada Iglesia de la Fuerza” ¿Habrá más pistas en Star Wars: Rogue One?

¿Cómo completará su entrenamiento Kylo Ren?

Al final de la película, Snoke dice que necesita que Kylo Ren complete su entrenamiento. ¿No se supone que lo había conseguido asesinando a su padre? Ese parecía ser el modo de Kylo de terminar de una vez por todas con sus esfuerzos por ir hacia el Lado Luminoso o al Lado Oscuro. Sin mencionar, claro, que derrotando a su padre es como Luke completó su propio entrenamiento. Dicho eso, todavía queda por contar, parece que Snoke tiene guardado más de un as oscuro en las mangas.

¿Qué es la Resistencia con respecto a la Nueva República?

La película anda todo el rato de puntillas con todo lo que tiene que ver con este tema pero algo sabemos. La Primera Orden está haciéndose con más y más poder. La Nueva República, establecida después de El Retorno del Jedi, no quiere que nadie sepa sobre ella. Pero, debido a sus intereses personales en el asunto, han proporcionado a la antigua princesa, ahora General Leia, de un buen presupuesto para formar una banda pequeña aunque potente, la Resistencia, que combate contra Primera Orden.

¿Qué está haciendo Luke mientras está ausente?

Probablemente sea de las primeras cosas que averigüemos en Star Wars Episodio VIII, pero lo más probable es que haya estado meditando, haciéndose más fuerte con la Fuerza, y quizá hablando con Obi-Wan, Yoda y Anakin, vistos por última vez como fantasmas a su lado. Estaba esperando, sin duda, para volver a escena en el momento adecuado y la muerte de Han, así como el despertar de Rey en la Fuerza, parece a todas luces el momento adecuado.

¿Activó Luke Skywalker a R2-D2?

Muchos piensan eso, pero no. R2 ha estado en modo de ahorro de energía desde que Luke se ausentó y de pronto, aparentemente sin venir a cuento y al final de la película, se enciende. El momento en el que lo hace parece increíblemente oportunista, a menos que Luke lo activase remotamente cuando sintió la muerte de Han o a Rey usando la Fuerza. No es el caso.Según J.J. Abrams lo que lo despierta es la presencia de BB-8 con la pieza que falta en el mapa pero R2 es ya viejo y le lleva un buen rato salir del modo de ahorro de energía una vez BB-8 ha entrado en contacto con él.

Si Luke Skywalker no quería ser encontrado ¿Por qué dejó un mapa? ¿Lo hizo, realmente?

Lo que sabemos es que Luke Skywalker se desvaneció después de que Kylo Ren matase a sus estudiantes. Pero, por alguna razón, hay un mapa con su ubicación. Eso parece ir en contra de la noción de alguien que no quiere ser encontrado, a menos no por las personas equivocadas. Si Luke en persona dejó el mapa, obviamente quería ser encontrado en algún punto de la historia. Por el contrario, si no dejó el mapa ¿De dónde vino este? Además, desde un punto de vista meramente logístico ¿Por qué tiene el mapa como 15 puntos diferentes marcados? De acuerdo con el guionista Michael Arndt, y según la misma entrevista que mencionábamos, los puntos muestran la localización de todos los templos Jedi, extraídos por R2-D2 cuando accedió al ordenador de la Estrella de la Muerte décadas atrás, detalle que nos lleva al siguiente punto:

¿Cómo acabó la Primera Orden con piezas del mapa?

Kylo Ren afirma que la Primera Orden obtuvo la mayor parte del mapa de los archivos del Imperio, algo que concuerda con la versión de R2-D2. Sin embargo, el Imperio está fuera de combate, y ha sido reemplazado por Primera Orden. Así que o Ren miente, o Luke no puso mucho interés, o el Imperio ya estaba en búsqueda y captura de Luke mucho antes de que Ben Solo se transformase en Kylo Ren, el evento que hizo que Luke se marchase.

¿Es Coruscant el planeta que destruye la Primera Orden?

Aquí hay una que sí podemos responder con certeza. No. Aunque el planeta que vemos ser destruido se parece mucho, la película menciona de manera específica el sistema Hosniano. Ese es hogar de la Nueva República, lugar que ha ido a ocupar tras Chandrila, el planeta donde la Nueva República fue fundada después de El Regreso del Jedi. No sabemos por qué está dónde está, pero sí que el Senado ya no existe como tal.

¿A quién espera Rey en Jakku?

“A mi familia” dice una Rey que quien piensa que vio alejarse volando a su familia según se nos revela un flashback. Pero puesto que ya hemos dejado claro que no tenemos ni idea de quién es su familia, parece probable que esos familiares sean otros Jedi. O gente que ella cree que son familia, empleados por los Jedi. Como todo lo que rodea al personaje, de momento es un misterio. Dicho eso parece, al menos por lo que se ve al final de la película, que alguien estaba esperándola.

¿Por qué Poe Dameron abandona Jakku?

Poe Dameron tenía una misión: encontrar el mapa que lleva a Luke Skywalker. Se ve obligado a abandonar su misión una vez la Primera Orden llega a Jakku y es capturado. Más tarde Finn escapa con él y Poe acaba de nuevo en Jakku donde está el mapa, con BB-8. La cuestión es que después de sobrevivir el choque, en lugar de ir tras BB-8, le dice a Finn que simplemente “se fue”. Poe no tenía ningún motivo para saber que su misión había terminado así que ¿Por qué irse? No lo sabemos.

¿Por qué puede Rey usar la Fuerza si nunca ha sido entrenada para ello?

A Luke Skywalker le lleva un tiempo hasta que aprende a usar la Fuerza, no digamos usar algún truco mental Jedi en alguien. Pero Rey lo hace, básicamente, en su primer día. Parece extraño a menos que tengamos en cuenta dos cosas. Por un lado que la Fuerza es mucho más potente ahora, después de haber estado “durmiente” durante un tiempo (ver ¿Qué tan fuerte es Kylo Ren con la Fuerza? más abajo) o que bien sí tenía entrenamiento previo que no recordaba (la teoría de ser alumna de Luke).

¿En qué parte aparece Constable Zuvio?

Esta es divertida. Si has echado un ojo a los juguetes de Star Wars, habrás visto a este alien de aspecto sospechoso. Incluso hay una escena promocional de él en la película. Sin embargo, no, no aparece en ella. Algunos piensan que sale brevemente en el flashback de Rey, pero no es él. Aparentemente, estaba en el lugar de rodaje que recrea el mercado de Jakku, pero tampoco aparece en ese momento de la película. Parece que, simplemente, la figura de acción se mandó realizar demasiado pronto sin tener en cuenta la versión final de la película que llegaría a cines.

¿Dónde está, exactamente, Luke?

En la película, Han dice que la última vez que supo de él, Luke se fue a encontrar el primer templo Jedi de todos. Si es así ¿Dónde se ubica este al final de la película? ¿Es simplemente una isla aleatoria? Sabemos que el rodaje se realizó en Skellig Michael en Irlanda y que Rian Johnson volvió al lugar para filmar ciertas partes del Episodio VIII.

¿Por qué Leia no trata de salvar ella misma a Kylo Ren?

Los hijos casi siempre tienen una mayor conexión con sus madres. Entonces, ¿Por qué Leia, una General del ejército de la Resistencia, no va detrás de su hijo para salvarlo, en vez de mandar a su padre? Más aún sabiendo que Kylo no tenía mucho aprecio por Han. No lo sabemos. La respuesta puede ser tan sencilla como que Han Solo debía morir en esta película, y que Leia va a regresar en la siguiente.

¿Por qué Rey es tan buena reparando máquinas?

No estamos seguros, pero es posible que sea porque desde muy niña se vio forzada a buscar chatarra en un planeta desértico y desolado. Siempre ha trabajado como chatarrera, ha extraído partes de naves espaciales averiadas y caídas en combate y quizás aprendió varias cosas durante esos días. Además, no olvidemos a otros dos personajes también eran muy buenos reparando cosas cuando eran niños, y también crecieron en planetas casi desérticos y abandonados: Luke y Anakin Skywalker, las estrellas Jedi de las dos trilogías anteriores. Parece que está en el ADN de Rey, sin más.

¿Quiénes son los Caballeros de Ren?

Escuchamos la frase “Caballeros de Ren” meses antes de que se estrenara The Force Awakens. Sin embargo, en la película, solo obtenemos un breve vistazo de ellos, que es la imagen que ves sobre estas líneas, y el Líder Supremo Snoke dice que Kylo es el Maestro de estos Caballeros. ¿Quiénes son estos personajes misteriosos y malvados, y dónde están? Ojalá conozcamos la respuesta a esto pronto.

¿Qué tan fuerte es Kylo Ren usando la Fuerza?

En esta película vemos a Kylo Ren hacer cosas sorprendentes usando la fuerza, incluyendo detener un rayo de bláster en medio del aire. También puede leer la mente de las personas y sacar de allí información, algo que ni siquiera Darth Vader podía (de haber podido, A New Hope habría sido una película completamente distinta). Entonces lo que queda es la posibilidad de que Snoke le enseñase formas sorprendentes de usar la Fuerza, o que como hay pocas personas usando la Fuerza actualmente, esto la hace más potente. No sabemos la respuesta, pero es algo muy interesante en lo que pensar.

¿Por qué están los actores de la película The Raid en The Force Awakens, pero no hacen nada interesante?

Cuando Finn y Rey conocen a Han Solo y Chewie, la nave de Han es abordada por dos grupos de piratas. Uno de ellos, los “Kanjiklub”, es liderado por un hombre llamado Tasu Leech, el cual es interpretado por el actor Yayan Ruhian, quien está acompañado por un personaje secundario que es interpretado por el actor Iko Uwais.

Quizás estos nombres no te suenen familiares, pero ellos son las estrellas y coordinadores de peleas de las películas de acción The Raid y The Raid 2, muy famosas en Indonesia. La pregunta es, ¿Por qué contratar a dos actores y expertos en escenas de peleas como ellos y no dejarlos dar ni un puñetazo en la película? Posiblemente Abrams se vio obligado a eliminar estas escenas, para hacer la película más corta y fluida.

¿Quién podría querer esos “rathrats” que transportaba Han Solo?

Cuando Han aparece por primera vez en la película, estaba transportando a estas extrañas y asquerosas cosas con forma de pulpo que se llaman “rathrats” porque un hombre llamado “El Rey Prunna” (o algo así) lo había contratado para ello. ¿De verdad hay alguien tan malvado como para querer estas criaturas? ¿Acaso es este Rey Prunna el nuevo Jabba the Hutt?

¿Cómo obtuvo Maz Kanata el sable láser de Luke?

Maz dice que esa historia es para otra ocasión, lo que quiere decir que quizás conozcamos la respuesta algún día. Pero por ahora esto es lo que sabemos: El sable fue visto por última vez en Bespin, después de que Darth Vader lo separara de su dueño al cortar la mano de Luke. Cayó por unas tuberías de ventilación y probablemente terminó en algún basurero. ¿Acaso alguien se dedicó específicamente a buscarlo? ¿Y por qué esa persona se lo daría a Maz? La respuesta a estas preguntas parece una pieza clave en el rompecabezas del universo de Star Wars.

¿Maz Kanata está muerta?

Aunque la Primera Orden destruyó su bar cuando invadieron Takodana, es bastante posible de que esta alienígena extraña que ha vivido por más de mil años aún siga por allí, viva.

¿Por qué Phasma obedeció a Finn?

Ya sabíamos que la Capitán Phasma no iba a tener un papel muy importante en The Force Awakens,y que regresará para Episodio VIII, pero aún así es bastante extraño que simplemente obedezca a Finn cuando le ordena apagar los escudos de la Base. ¡Se supone que es la jefa, que es ruda y además leal a la Primera Orden! No solo eso, Phasma evalúa a Finn al principio de la película y ya sabe que él no es capaz de matar a sangre fría, por lo que resulta bastante sospechoso que simplemente cooperara sin más.

¿Cómo es posible que Phasma esté viva?

Después de que Phasma entregara por completo su flota cuando Finn se lo pide amablemente, Han, Finn y Chewie se supone que la lanzan a un contenedor de basura con un triturador (así como el de A New Hope). Poco tiempo después el planeta explota por completo. Si es verdad eso de que estará en Episodio VIII, tiene que haber una historia (y una interesante) acerca de cómo escapó.

¿Qué le dice BB-8 a Rey al final de la película?

Las últimas líneas que escuchamos en la película, además de la clásica “Que la Fuerza te acompañe”, las dice BB-8. El droide le dice algo a Rey, ella asiente con su cabeza, y se dirige al Halcón Milenario para comenzar su viaje hacia la isla de Luke. Aunque puede que haya sido solo una despedida, sería muy extraño que BB-8 solamente le haya dicho “adiós”, sobre todo si tenemos en cuenta que esto sucede exactamente después de que alguien, por primera y única vez en la película, diga la frase más mítica de toda la saga. Eso, además de la mirada de Rey, sugiere que BB-8 dijo algo importante.

¿El que se escucha al final de la visión de Rey es Obi-Wan Kenobi?

Sí, y las voces pertenecen a los dos actores que interpretaron el papel. J.J. Abrams confirmó que tanto Ewan McGregor como Alec Guinness dieron la voz a estas líneas en el “flashback” de Rey. La voz de Guinness, quien falleció hace años, la obtuvieron mediante edición, al modificar una palabra que dice en la vieja saga para que suene a “Rey”. Ah, y Frank Oz también estuvo, dando la voz a Yoda.

¿Qué significa “El Despertar de la Fuerza”?

La mayoría de los títulos de películas de Star Wars no son nada literales ni específicos, y El Despertar de la Fuerza no es la excepción. Pero posiblemente se refiere al hecho de que Rey descubre sus poderes, al igual que Kylo utiliza los suyos.

¿Qué es lo que sigue?

¿Entrenará Rey con Luke para convertirse en una Jedi? ¿Finn se unirá a la Resistencia? ¿Es Leia lo suficientemente fuerte para matar a su propio hijo? ¿Se unirá Luke de nuevo a la batalla? Hay demasiadas preguntas. Afortunadamente, vamos a ver Star Wars: Episodio VIII en apenas 17 meses.

Goodnight Mommy: El miedo a la naturaleza humana

Por David Hernández | 

El miedo es parte de nuestra cotidianidad, nos acompaña como una sombra indisociable toda la vida, es tan vital como la vida misma. Sin embargo el cine de terror se ha dedicado a explorar situaciones poco comunes, aquellas en las que la violencia explícita es protagonista; asesinos seriales, fenómenos sobrenaturales, sociedades secretas etcétera y solo un puñado de películas se han dedicado a explorar los miedos cotidianos, que muchas veces son más cercanos a nosotros.

Goodnight mommy es la historia de una madre que vive con sus dos hijos en una casa apartada del bullicio citadino, dedicados a existir entre la naturaleza, la trama parece ser la relación que ellos tejen día a día, los juegos de los niños, el viento sonando en la ventana, los llamados a comer, las noches en pijama, todo esto, mientras la mamá pasa la mayor parte de su tiempo preocupada por su aspecto físico, particularmente en una cicatriz de la que no sabemos nada, las días transcurren y la relación de la madre con sus hijos parece complicarse cada vez más. 

Sin saber cuál es el problema de la historia, la fotografía nos va sumergiendo en una belleza tranquilizadora e inquietante, la naturaleza es retratada de dos maneras: dentro y fuera de ella. Afuera se encuentra: el viento, el lago, la hierba, los animales, la lluvia, su ruido, adentro: la madre y sus dos hijos parecen tener cierta complicidad con el comportamiento de la naturaleza de afuera, parecen obedecer los comportamientos instintivos de los animales, pero complicados por el concepto de familia. Los niños pasan la mayor parte del día afuera entre la naturaleza, tal vez sean la parte más salvaje de la humanidad. 

Todo parece estar en calma y en equilibrio hasta que la relación de la madre con los hijos comienza a enrarecerse, sin entender lo que sucede comenzamos a caer en la trampa que la película nos ha tendido, más que pensar, comenzamos a sentir cosas que nos alterar, que nos confunden y nos hacen sentir que estamos perdidos, en esa casa solitaria en medio de la nada.

Es en este punto en que la película funciona, porque las situaciones que nos son planteadas, son de alguna manera conocidas, tienen que ver con la naturaleza del ser humano. Sentimos empatía por la madre que está lastimada, y a la vez sentimos simpatía por los niños que solo juegan y reinventan sus propios mundos y sus reglas.

Las herramientas que utilizan los directores: Severin Fiala y Veronika Franz están muy bien planteadas y logradas, el contraste que existe entre la pasividad de la naturaleza con la relación intensa entre los personajes es inquietante. La fotografía es de una belleza inaudita, la música es muy discreta en su énfasis que parece como salida de la misma naturaleza. El cuerpo actoral está muy bien dirigido, las actuaciones son sobrias y naturales y en el contexto en el que se presentan resultan completamente creíbles y aterradoras.

Goodnight Mommy nos va tejiendo una telaraña cinematográfica, en la que poco a poco vamos cayendo, nos vamos enredado sin saberlo y cuando tomamos conciencia de lo que está pasando ya es demasiado tarde, la historia ha llegado a un punto en el que los acontecimientos son inevitables, una sensación de impotencia invade nuestros cuerpos, una serie de sensaciones comienzan un andar sin freno, el terror ha llegado a la puerta de la casa.

Sin temor a exagerar esta cinta aprendió de los elementos que forman a “The Shining” de Stanley Kubrick, los ha deconstruido y se ha apropiado de ellos para colocarlos encima de la tradición de cine europeo, tratando temas de la condición humana como Michael Haneke y a manera naturalista como Ulrich Seidl, quien es parte de la producción de esta película. 

Como buena película de terror, no solo nos hace sentir emociones intensas y desagradables, sino que al salir de la sala nos vamos con una sensación triste y reflexiva a cerca de las relaciones humanas, en este caso las que tenemos con nuestra madre o nuestros hijos, sobre nuestras capacidades para sobreponernos a accidentes trágicos e inesperados, que ponen a prueba nuestra capacidad de entendimiento. Pero quizá lo que nos perturba más es no poder explicar a los niños cómo funciona la naturaleza humana.

Dulces sueños mamá

(Goodnight Mommy, Austria, 2014)

Dirige: Severin Fiala, Veronika Franz

Actúan: Susanne Wuest, Elias Schwarz, Lukas Schwarz, Elfriede Schatz

Guión: Veronika Franz, Severin Fiala

Fotografía: Martin Gschlacht

Duración: 99 min.

A la memoria de Scott Weiland

Venga y le cuento | Por Tuto Flórez |  

Una reducción simplista sobre una creación artística ajena, sería decir que trata de esto o aquello, pero al margen de la interpretación subjetiva sobre contenidos objetivos; hay que reconocer la existencia, como diría Carl Jung, de un inconsciente colectivo que nos atraviesa, que cruza y conecta a toda la humanidad en tanto que especie por igual.

Ha muerto un músico, que al margen del mainstream, desarrolló un estilo particular, que ya hacia los años 90, sonaba peculiar, que producía cierto desgarro en el alma, al comprender más allá de las letras y melodías, que se trataba de un canto a la vida, de un canto por recuperar, aquello que se había perdido en el tiempo.

Scott Weiland fallece, pero su música, su voz, queda grabada, queda impregnada no sólo para futuras generaciones y melómanos consumados. Su composición, su creación perdurará, como afirman los místicos, más allá de los entramados analógicos o digitales, en dimensiones desconocidas para los mortales. Se conecta Weiland, a esa tropa de músicos que parten al otro lado, pero que establecen un puente o punto de conexión entre el mundo de los que viven y de aquellos que se han ido. 

Weiland no sonaba melancólico, sus letras no reflejaban necesariamente el estado de su alma, el sólo pedía comprender a través de su música, la posibilidad de conectarnos a algo más real e imperecedero, música, con sonidos vibrantes, equiparados de una voz única, se fundían para crear el efecto del llamado. Un llamado para volcar nuestros pasados sobre una memoria que ha caído en el olvido, de saber que somos y hacia dónde vamos. Sus letras, sus sonidos y su voz, se amalgaman ahora, en un registro que es etéreo o más bien invisible al ojo humano, pero que está ahí, presente y atento, para quien lo quiera disfrutar. Su trabajo se ha inmortalizado a través de los múltiples pliegues que contienen este espacio que habitamos y este tiempo que vivimos.

Dos canciones, con dos formatos muy distintos, pero que remiten un mismo horizonte:

The Last Fight

Fall To Pieces

Tal como lo narraba líricamente, el propio Weiland, cada vez que interpretaba The Last Figth: 

“Everyone is sick of caring
No silver lining on the cloud that covers you
Let it pour and soak you through
No hunted desperation
so sit and wait for death
And play it takes you soon
The addiction's taking you” 

_____________________________________________________________________________________________

El autor: Tuto Flórez, nacido en el departamento de Santander, en la caótica y convulsionada, pero hermosa tierra del suramericano país llamado Colombia. Melómano consumado, amante del rock, de la música hecha con sentido, sobre todo de los años noventa y la cultura underground. Cinéfilo por convicción. Crecí entre los textos, de Henry Miller, Charles Bukowski, Allan Stewart Königsberg más conocido como Woody Allen, H. P: Lovecraft y Allen Ginsberg. tuto201333

Una vuelta al Post-Punk Revival

Lost Sounds from Europe | Por José Alberto García |

@JoseAlberto_GP


Hoy vamos a repasar uno de mis géneros (o movimientos o etapas) preferido, el Post-Punk Revival. Es relativamente nuevo (se desarrolló en la década de los 2000), pero ya contamos con la suficiente perspectiva temporal como para analizar qué ocurrió, por qué ocurrió y qué fue de los grupos que le dieron vida.

El año pasado, Franz Ferdinand dieron un concierto en un festival de mi ciudad (Málaga, España). Al llegar, descubrí que riadas de jóvenes salían del recinto tras el concierto anterior. Andaba extrañado y cuando comenzó el concierto, miré a mi alrededor y todos los que habían quedado rondaban o superaban los treinta años, de hecho diría que yo era el más joven hasta donde me alcazaba la vista. En ese preciso instante, además de sentirme viejo, comprendí que el Post-Punk Revival, el movimiento por mí tan venerado, era ya parte de un tiempo que había pasado.

Bueno expliquemos un poco más. El Post-Punk Revival, surge de la mezcla del Garage Rock, Punk y Post-Punk (60’s-70’s) junto con el rock alternativo de los 90’s e incluso, para muchos, se aproxima más al indie. Comienza a gestarse a finales de los 90 y principios de este siglo en Estados Unidos y Reino Unido, sobre todo. A menudo es un género un poco ecléctico y sirve de “cajón de sastre” para englobar bandas de la misma época pero con notables diferencias. De hecho, en muchos casos los sonidos más ‘punk’ quedan muy diluidos, siendo visto por muchos simplemente como Rock Alternativo.

En cuanto a la estética, se elimina el aspecto “sucio” del rock de los noventas o las ropas rotas de inicios del punk o los cortes de pelo tipo “Beatles”, pero tampoco se adoptan pelucas, maquillajes, brillantinas y demás. Es decir, un estilo bastante neutro. Son como punks después de una ducha y una compra de trajes. Por supuesto, hay algunas excepciones. El vocalista de Arctic Monkeys estuvo durante años con el pelo tipo Beatles y el de The Killers usa chaquetas con brillante y se maquilla. Dado que bandas de todo el mundo se unieron a este movimiento con diferentes referencias y estética, la unidad como género del Post Punk Revival ha sido muy disputada.

Repasemos las principales escenas:

Reino Unido

Una de las bandas que más destacadas es Franz Ferdinand. Su homónimo álbum debut publicado en 2004, es un antes y un después. Considerado por muchos el mejor álbum de la década y, desde luego, una de las joyas atemporales del género. Su rock popero, bailable y cargado de riffs se convirtió en un cóctel explosivo junto a la escandalosa ambigüedad sexual del vocalista, Alex Kapranos, escocés de origen griego que, tras estudiar nada menos que teología, fundó ya a sus treinta años esta banda que cambiaría tanto su vida.

Tras otro álbum en la misma línea, sorprendió a todos en 2009 (en plena decadencia del género) con un disco cargado de sintetizadores. Un buen disco que, sin embargo, fue recibido de forma dispar por la crítica. En 2013 volvieron a sus orígenes con otro álbum que demostraba que las bandas surgidas hace una década, podían todavía dar muy buenos materiales.

Algo así le pasó a Arctic Monkeys, otro gran exponente del género. Que tras alguna etapa en horas bajas, volvió también en 2013 con un discazo como ‘AM’. Aunque sus fans más puristas no dudan en clasificarlo como un intento desesperado de agradar a las masas, perdiendo algo de su esencia e imitando mucho a algunas otras bandas. ‘Whatever People Say I Am, That's What I'm Not’ (2006), fue el álbum debut más rápidamente vendido de la historia británica.

En otro grupo encontramos a Editors (con sonidos más dark), Kaiser Chiefs (más BritPop), Kasabian (al estilo Franz Ferdinand) o The Rakes (con letras hilarantes y ritmos divertidísimos).

The Fratellis y The Libertines forman otra rama del estilo. Sobre todo los últimos consiguieron crear un ‘shock’ en la escena musical, trayendo un punk actualizado que nadie esperaba.

Estados Unidos

Allí surgió, antes incluso que The Libertines, The Strokes. Su álbum debut ‘Is this it’ (2001), embrujó a la crítica, llegando a llamarles “Los salvadores del rock”.

Hubo un énfasis en la autenticidad del rock como respuesta a los fenómenos comerciales promovidos por la MTV como el Nu-Metal, el Hip Hop y bandas posteriores al Britpop algo blandas. “New rock revolution” o “Rock is back!” fueron otros titulares de la época cuando estas bandas comenzaban a despuntar desde las escenas locales hasta las lista de ventas.

The Killers consiguieron convertirse en una máquina de ‘hits’. Letras indagando en la ambigüedad sexual, riffs, estribillos potentes, sintetizadores… una mezcla explosiva.

Y, como todo lo que sube, baja, a partir de 2007 comenzó a desvanecerse todo. El rock cada vez va quedando más de lado y, a partir de 2010, se empezaron a imponer las bandas ‘Indie’. Pero todo esto es parte de otra historia de la que quizá podamos hablar dentro de diez años.

8 críticas breves de cine (o que pretendían serlo)

Cinetiketas | Por Jaime López Blanco |

Por medio de historias cortas, medianas y largas, el celuloide nos permite conocer las diversas maneras de concebir al mundo. A continuación, una lista de opiniones sobre largometrajes y cortos que un servidor ha podido atestiguar durante los últimos días.

1.- “El  principito”. Cine animado que adapta acertadamente uno de las obras literarias infantiles más populares a nivel mundial. La introducción es por demás interesante. Una familia mecanizada y una sociedad “atada” a sus mundanas rutinas, que nos evoca algo de la crítica social contenida en el clásico cinematográfico “Tiempos modernos”, de Charles Chaplin. Son pruebas de esto las maquetas y la dirección de arte que se hace de los cuadrantes del vecindario en donde vive la protagonista.

 

Por otro lado, se respeta la esencia general de la novela de Antoine de Saint-Exupéry, al recordarnos que seguimos insertos en un mundo donde el adulto ha olvidado las virtudes de la infancia, para perderse entre los vicios de la “madurez humana”: egoísmo, soledad, ambición material y búsqueda de la fama y del aplauso adulador e hipócrita. La animación es de primer nivel (colorida y al servicio de la historia), ya que mezcla sabiamente los diseños 2D con la técnica del stopmotion y la tecnología en tercera dimensión. Reconocimiento aparte merecen la decisión de haber ido más allá, de no quedarse únicamente en la estricta adaptación, lo cual se refleja en el mayor desarrollo de los personajes hombres con los que se “topa” el “Principito”, así como haber incluido en la banda sonora la melodía francesa titulada “Suis-moi” (¨”Soy yo”), interpretada por Camille. 

2.- “Los juegos del hambre: Sinsajo, Parte II”.  Episodio que marca el cierre de las adaptaciones a la gran pantalla de una de las sagas juveniles más exitosas de los últimos tiempos. Jennifer Lawrence  finiquita de manera convincente la interpretación de la valerosa arquera Katniss Everdeen (atención a una escena en la que el personaje mencionado interactúa con el gato de su hermana, misma que confirma su aguerrido carácter histriónico). Esta nueva entrega, también dirigida por Francis Lawrence, posee más acción que su predecesora (que recibió muchas críticas por ser más sobria), pero sin excederse, sólo la necesaria, sin caer en escenas repletas de explosiones y batallas gratuitas. Asimismo, existe un apunte interesante sobre la corrupción de algunos líderes mundiales, incluyendo los de las oposiciones. El diseño de producción y los efectos visuales son aceptables; ya no sorprenden del todo. Su error más perceptible es no ocultar adecudamente la digitalización del personaje de Philip Seymour Hoffman. Una cinta dominguera que entretiene; buena a secas. 

3.- “Un ilustre desconocido”. Séptimo arte de origen francés que nos trae una especie de thriller, una propuesta que reflexiona respecto a la búsqueda de una identidad y actividad que  en verdad llenen la vida inerte, gris de un tipo de edad madura. El monólogo inicial pregona “42 años de no existencia...”, en la voz de un agente inmobiliario desencantado de su camino vital. La premisa es por demás atractiva (¿Quién no ha querido alguna vez tener  la vida de otro?) y se intenta desarrollar ágilmente, aunque a veces cae en ciertas trampas (el guión deja algunos cabos sueltos, para que así pueda fluir en algunos aspectos hasta su conclusión). No mencionaré éstos por tratarse de spoilers. Eso sí, la actuación de Mathieu Kassovitz (“Amélie”) es espectacular y el  monólogo final del texto es sublime. No dudo que pronto tenga su remake hollywoodense. Esta película es dirigida por Matthieu Delaporte y fue exhibida en el 19o Tour de Cine Francés en nuestro país.

4.- “T-Rex”.  Ernesto Martínez Bucio dirige y escribe el relato de un hombre que se dedica al diseño de figuras de dinosaurios y que, por accidente, con una uña del pie, rasguña a su novia. Ésta se enoja y la “caja de pandora” se destapa. Cortometraje mexicano que, a primera vista, se percibe muy simple, pero que en el fondo se trata de una radiografía inteligente y concisa sobre el desgaste experimentado en una relación de pareja. La fotografía blanco y negro no es otra cosa que una acertada alegoría del estado  agónico en el que se encuentra la dupla protagonista; el “T-Rex” del título hace referencia a  una especie (la relación en cuestión) en peligro de extinción.

 5.- “Tome la pistola y empiece a despachar”.  Dirigido por Eduardo Sabugal y filmado en Puebla, el cortometraje en comento muestra a un vendedor de pirotecnia (Gustavo Sánchez Parra), quien durante la noche del 15 de septiembre se encuentra cargando gas, para su camioneta, en una solitaria estación. En cuestión de minutos, dicho vendedor se verá involucrado en un inesperado acto de violencia ocurrido al interior de una tienda de autoservicio. En un principio la historia genera buenas expectativas,  por su tono solemne y misterioso, pero al poco rato se percibe como una premisa anecdótica que hace mal uso del humor negro. ¿Violencia genera violencia? Lo más seguro es que sí,  pero esta crítica intrínseca en la propuesta de Sabugal se presenta de manera deficiente, sin solidez, no bien fundamentada, con una resolución que raya en lo ridículo. Algo falta y algunos actores están sobreactuados (el cajero y el asaltante). Lo más recomendable son los valores de producción (fotografía y el scouting de las locaciones) y la cumplidora actuación de Sánchez Parra.

6.- “Cuarto de hotel”. Alejandro Zuno escribe y dirige un argumento que versa sobre el encuentro entre dos personas que dialogan acerca de la identidad sexual. Oscar Olivares (mexicano, nominado por la serie “Capadocia” al Emmy internacional como Mejor Actor) coprotagoniza junto con Viviana Rojo este cortometraje exhibido en la décima novena edición del Tour de Cine Francés. En un año de propuestas de gran calado como “Carmín Tropical” y “Estrellas solitarias”, “Cuarto de hotel” no ofrece nada nuevo bajo el sol de la diversidad sexual. Quizá lo que lo distingue es la honestidad interpretativa de sus actores (palomita para una “Diana” que se confiesa más psicóloga que trabajadora sexual) y los admirables esfuerzos en seguir contando historias sobre las cuestiones transgénero y transexual.

7.- “Dulces sueños, mamá”. Se podría resumir como una mezcla entre “El sexto sentido”, de M. Night Shyamalan;  “El orfanato”, de Juan Antonio Bayona, y;  la violencia física de varias películas realizadas por el cineasta Michael Haneke. También se trata de una sofisticada historia de horror, proveniente de latitudes austriacas, que dignifica el género de suspenso y del terror piscológico. “Lukas” y “Elías” son dos gemelos que aguardan el regreso de su madre, quien acaba de realizarse una cirugía en su rostro. Ambos juegan en las periferias de su casa, rodeada de escenarios o locaciones que representan soledad y        agobio. Los consanguíneos en cuestión, preocupados por las actitudes de su mamá, intentan descubrir el misterio detrás del nuevo comportamiento de su progenitora. Lo que inicia como un sombrío estudio de personajes termina revelándose como una tenebrosa narración de tragedias familiares, aderezada con intensos momentos de violencia gore. Fotografía, actuaciones y dirección son impecables. Lástima de una escena poco creíble en la que se ven inmiscuidos unos señores de la  Cruz Roja.
    

8.- “En el corazón del mar”. Chris Hemsworth (el otrora “Thor”) protagoniza el cuento que, supuestamente, inspiró el mito de “Moby Dick”, novela escrita por el estadounidense Herman Melville (aquí interpretado por Ben Wishaw). El resultado es una entretenida cinta de acción y aventura, dirigida por el errático Ron Howard, la cual sobresale en sus aspectos técnicos. La mezcla de sonido es fastuosa: lluvia; olas del mar; la intensidad de las borrascas; las pisadas de los tripulantes sobre la tarima del barco ballenero “Essex” y; los amarres hechos a las cuerdas que sostienen las velas son combinadas, de forma pulcra y admirable, con los diálogos y la música (score). Los efectos visuales y el diseño de producción nos adentran en   vistosos ambientes marítimos, en donde los hombres son unos visitantes o húespedes rechazados por los dueños de la naturaleza naútica. El maquillaje es soberbio (probable nominación al premio Oscar). Quizá su principal falla radica en un guión poco arriesgado, el cual cae en algunos lugares comunes de películas de este tipo (“Life of Pi”, “Náufrago”, “Capitán de mar y guerra...”; por ejemplo) y que, muy en el estilo de “Rescatando al soldado Ryan”, coloca como cronista del relato a un testigo secundario que no pudo haber estado presente en todo lo contado. Sin embargo, se trata de un metraje que no pierde el interés del espectador;  se encuentra bien producido y tiene un par de escenas conmovedoras (cortesía del irlandés Brendan Gleeson y de la ballena blanca).                

“Amy”: Cuando el cine y la música se encuentran

Cinetiketas | Por Jaime López Blanco |

Ahí está ella, grabada en un video familiar casero junto con sus dos mejores amigas, sonríe, saborea despreocupadamente una paleta y entona una melodía, con su voz grave, sin imaginar que la música se convertiría en una de las partes determinantes de su existencia: su alfa y su omega; su vehículo de escape o catarsis; su éxito y su legado. La fama fue un desafortunado agregado, una “hermana bastarda” que envidiaba su talento y  que fue alimentada, primordialmente, por el periodismo amarillista. 

Con una narrativa eficaz, la cual utiliza un buen montaje del found footage, que se vuelve un exquisito elemento que otorga coherencia, buen ritmo y profundidad a su nuevo filme, “Amy”, el director británico de origen indio, Asif Kapadia (“Senna”), nos lleva a conocer a la cantante y compositora Amy Winehouse más allá de los reflectores y de la prensa sensacionalista. Se puede percibir a la fallecida intérprete en sus momentos más ordinarios, dando cuenta de sus anhelos, inseguridades y del amor-codependencia hacia sus dos verdugos.  

Con 8.4 millones de dólares obtenidos en la taquilla estadounidense-canadiense y otros 13 millones de “billetes verdes” provenientes del resto del mundo (más de 5 cortesía del Reino Unido), y al ser reconocido por la Asociación Internacional de Documentalistas (IDA) como de los mejores metrajes de no ficción del presente año, “Amy” se erige como uno de los documentales más exitosos de los últimos años

Kapadia tiene el buen tino de evitar, casi en su totalidad, las “caras parlantes”. De esta manera, se inclina por un relato basado en las voces omnipresentes de los padres, el esposo, los amigos, los managers y los conocidos de la contraalto británica; voces que acompaña con imágenes inéditas o poco conocidas propias de entrevistas, presentaciones menos famosas y conversaciones tras bambalinas de la otrora fan de Tony Bennett.

Es así que “Amy” genera una conexión inmediata con el espectador, debido a que se percibe como un testimonio de vida íntimo, honesto y cotidiano (obvio, su éxito no es algo que le ocurre a cualquiera, pero la gran mayoría sí hemos tenido que lidiar con problemas de familia y traiciones de pareja).

 We only said good-bye with words

I died a hundred times

You go back to her

And I go back to...

I go back to us

Otro plus de la película en comento consiste en la posibilidad de contemplar y comprender mejor el proceso creativo del arte de Winehouse. Esto nos permite descubrir las razones que germinaron las letras poderosas de canciones tales como “Stronger than me”, “Back to black” y “Rehab”, mismas que nos revelan el universo emocional  de la artista inglesa (padres divorciados e indiferentes ante el actuar de su retoño; un progenitor que niega los problemas de adicción de su hija y; un marido oportunista y autodestructivo).

Luego entonces, “Amy” se afianza como una pieza digna e imperdible de verse... y de escucharse. Ella no dijo adiós. Ella no ha muerto cientos de veces. Ella sigue viva y cantando a través de millones. Ella se reencontró consigo misma... y se quedó para siempre entre la fuerza del soul y el prodigio de su voz epidérmica.
       

Dover: el salto mortal del grunge al electro pop

Lost Sounds from Europe | Por José Alberto García |

@JoseAlberto_GP

¿Quiénes son?

Dover son las hermanas Cristina y Amparo Llanos, el baterista Jesús Antúnez y el bajista Samuel Titos. Surgieron en 1992 en España, habiendo grabado todos sus discos en inglés. Aparecen en pleno apogeo del grunge estadounidense y se convirtieron en uno de los máximos exponentes del rock de la época en España.

¿Estilo?

Rock, Grunge (y Electro Pop en alguna etapa).

¿Álbumes?

‘Sister’ (1995) y ‘Devil Came to Me’ (1997): Es con este segundo álbum cuando se convierten en una referencia del rock español. Temas como ‘Serenade’, ‘Judas’ o ‘Devil Came to Me’ se convirtieron en himnos de una generación.

‘Late at night’ (1999), ‘I Was Dead For 7 Weeks In The City Of Angels’ (2001) y ‘The Flame’ (2003): siguen una línea continuista en cuanto al rock que ellos venían haciendo. En estos discos no encontramos “hitazos” que hayan marcado su discografía, pero no hay que subestimarlos, ya que son álbumes repletos de buenas canciones y bien cohesionados. Con el único inconveniente de la poca evolución en el sonido (mientras los años iban pasando, el grunge moría y las tendencias cambiaban), pero si no se persigue el éxito, sino hacer tu sonido, entonces la idea no es tan mala.

‘Follow The City Lights’ (2006): Con este disco vendieron 130 mil copias, un número no demasiado alto, pero sí supuso un éxito masivo en cuanto a la exposición en el ambiente “comercial”. Ganaron premios, hicieron mil entrevistas y dieron decenas de conciertos, pero un aspecto importante defraudó a sus fans de siempre: el grupo giró, por completo y sin previo aviso, desde el rock de garaje hasta el pop electrónico más comercial de la época. Una completa controversia.

‘I KaKené’ (2010): Supuso un fracaso comercial rotundo al que se sumó una espaciada gira de menos de doce conciertos entre 2010 y 2012. El grupo volvía a dar un cambio brusco a su estilo, esta vez con ritmos africanos.

En 2013, empezando el 8 de marzo en la Sala Sol de Madrid con las entradas agotadas a más de tres meses del concierto, dio inicio una gira en la que tocarían los temas de ‘Devil Came to Me’. A partir de esa fecha, empezaron a actuar por las salas más emblemáticas de toda España, llegando a vender todas las entradas en la mayoría de sus actuaciones.

‘Complications’ (2015): Un retorno a la etapa rock. Un álbum correcto y equilibrado.

Te gustará si te gusta…

Nirvana, Alice in Chains, Pearl Jam, FooFighters…

¿Cómo les descubrí?

En España es bastante difícil no conocerlos. Cuando les comencé a seguir la pista (y yo diría que también descubrir) fue en 2006 con su álbum de pop electrónico. En aquel momento, me pareció un buen disco y aún me lo parece, aunque quizá hoy no me hubiese fijado en ellos. Después me desligué por completo de lo comercial y, para colmo, sacaron aquel disco ‘I KaKené’ (2010) por lo que el grupo dejó de interesarme por completo. Conocía algunos de sus éxitos más sonados de su etapa rock, pero no fue hasta hace unos tres o cuatro que me metí de lleno en todos sus álbumes y, por fin, disfruto de su rock, que es estupendo.

Sus redes sociales oficiales son:

Facebook: https://es-es.facebook.com/Dover

Twitter: https://twitter.com/dover_oficial

Web: www.dover.es