El diablo en el camino: la penitencia como viaje y la culpa como territorio

Úrsula Márquez |

Con El diablo en el camino, Carlos Armella vuelve a esa zona áspera donde lo humano y lo sobrenatural se contaminan mutuamente. Su nuevo largometraje —que llega a salas mexicanas el 11 de diciembre— es, ante todo, una inmersión en la conciencia fracturada de un hombre que intenta cargar con lo que ya no puede soltar: el cuerpo de su hijo, su memoria, su culpa.

Armella, conocido por una mirada visual que convierte el paisaje en un estado mental, plantea aquí un relato que cruza lo místico con lo terrenal sin subrayados. La película sigue a Juan (interpretado con una fuerza contenida por Luis Alberti), un desertor del ejército federal marcado por la Guerra Cristera y perseguido por un diablo que parece más interno que externo. La premisa es brutal en su sencillez: caminar, literalmente, con el ataúd de su hijo a cuestas, rumbo a El Porvenir, su lugar de origen. Pero cada paso abre una grieta. Cada kilómetro revela el peso espiritual de un país desolado y de un pasado que no deja de morder.

La fotografía de Mateo Guzmán Sánchez convierte esa travesía en un espacio simbólico, donde el polvo, la noche y el silencio funcionan como adversarios. Nada es accesorio: la luz y la sombra dialogan con la angustia persistente del protagonista, mientras el relato se tensa entre el suspenso y la alucinación.

El diablo en el camino no busca el susto fácil ni el misticismo decorativo. Lo que propone Armella es un descenso íntimo hacia los fantasmas personales, a través de una narrativa que combina precisión formal con un pulso emocional que nunca se desvía hacia el melodrama. La cinta explora la culpa como herida abierta, el destino como condena y la redención como una posibilidad tan remota como necesaria.

Sinopsis:

Tras desertar del ejército federal al final de la Guerra Cristera, Juan es asediado por una figura diabólica que puede ser tanto una presencia real como la manifestación de su trauma. Con el cadáver de su hijo recién muerto a la espalda, inicia una caminata hacia El Porvenir. En un México devastado, su viaje se convierte en un enfrentamiento con los espectros de su pasado, una espiral de horror íntimo donde cada decisión revela el precio de sobrevivir.

Armella entrega una obra inquietante, profundamente atmosférica, donde el camino no solo se recorre: se paga. Mira aquí el tráiler.

Título: El diablo en el camino
Género: Ficción
Duración: 108 min.
País: México
Dirección: Carlos Armella
Producción: Yadira Aedo
Compañía Productora: CIMA, B Positivo Producciones, Tita B
Productions, Zensky Cine, The42Films, Pierrot Films, Godius, DVision
Fotografía: Mateo Guzmán Sánchez
Reparto: Luis Alberti, Ricardo Uscanga, Aketzaly Verástegui, Mayra Batalla, Roberto Oropeza y Osvaldo Sánchez

Las Muertas: de la sátira feroz al drama televisivo impecable

Cinema Coyote | Alejandro Carrillo 

En 1977, Jorge Ibargüengoitia publicó Las Muertas, una novela que diseccionaba con ironía, humor negro y un filo narrativo irrepetible el escándalo real de “Las Poquianchis”: una red criminal ocultada bajo los mantos del moralismo provinciano. Casi cincuenta años después, Netflix adapta la obra al formato de serie, una apuesta que en principio parecía arriesgada: ¿cómo trasladar a la pantalla el tono corrosivo, la crítica social disfrazada de carcajada, la voz inimitable del autor guanajuatense? Contra todo pronóstico, Las Muertas (2025) consigue honrar el espíritu literario y, al mismo tiempo, trazar un lenguaje propio, potente, visualmente magnético y dramáticamente contundente.

Ibargüengoitia, un narrador imposible de copiar… pero sí de reinterpretar

Hablar de Las Muertas implica reconocer el genio de Ibargüengoitia para desnudar el absurdo mexicano. Su novela es, ante todo, un espejo deformante: muestra un país donde la corrupción tiene sotana, el poder huele a establo y las víctimas terminan convertidas en notas al pie. La mirada del autor no es piadosa, pero tampoco cruel; es, más bien, quirúrgica. Con un estilo seco, preciso y dolosamente divertido, Ibargüengoitia reconstruye el expediente judicial de las Poquianchis para evidenciar la hipocresía que normaliza lo monstruoso.

La serie parece consciente de que competir con ese tono sería suicida. En lugar de intentar imitar la prosa del escritor, apuesta por rescatar su esencia: el retrato de un México rural donde la miseria económica se mezcla con la miseria moral; la denuncia disfrazada de anecdótico; la violencia presentada sin morbo, pero tampoco sin anestesia.

De esa decisión nace la mayor virtud de la adaptación: comprender que Las Muertas no es solo una historia criminal, sino un comentario sociopolítico que sigue vigente.

El director Luis Estrada y el equipo creativo optaron por una estética cuidada al detalle: vestuarios opacos, atmósferas áridas y una paleta de colores que captura la sensación de encierro físico y emocional. No es la típica “serie de época” reluciente; aquí predomina la textura terrosa, las paredes descascaradas y la iluminación que evoca la precariedad de la vida marginal.

El diseño de producción logra algo crucial: hace visible el sistema que permitió a las hermanas González (las Poquianchis ficcionalizadas) operar durante décadas. Los burdeles disfrazados de “casas de huéspedes” están recreados con una sobriedad que incomoda; los despachos de funcionarios corruptos —desde policías municipales hasta políticos locales— transmiten la complicidad invisible que Ibargüengoitia denuncia con sorna. La fotografía, además, alterna planos cerrados que acentúan la claustrofobia de las víctimas con composiciones amplias que exponen la indiferencia del entorno. Ese contraste es quizá la forma más visualmente efectiva de trasladar la ironía del autor al lenguaje audiovisual.

Si la serie funciona con la fuerza que funciona, es porque el elenco la sostiene como un coro trágico. Joaquín Cosío, Alfonso Herrera y Mauricio Isaac que encarna magistralmente el personaje de "La Calavera", complementan el magnífico trabajo de Arcelia Ramírez y Paulina Gaitán, que le dan vida a las hermanas Baladro, ofreciendo protagónicos a la altura de la producción con lecturas y actuaciones matizadas y profundamente humanas, evitando caer en la caricatura que —por el carácter satírico de la novela— habría sido un riesgo tentador. En pantalla, Serafina y Arcángela no son monstruos estrafalarios, sino mujeres moldeadas por la ambición, el resentimiento y la impunidad que heredaron y reforzaron. Esa complejidad dota a la historia de un peso dramático que enriquece, sin contradecir, la visión literaria.

El reparto joven que encarna a las víctimas aporta la otra mitad del corazón narrativo: sus actuaciones transmiten vulnerabilidad sin caer en el sentimentalismo. La serie acierta en mostrar su humanidad sin romantizarlas ni convertirlas en símbolos abstractos; son personas atrapadas entre la pobreza y un sistema que nunca pretendió protegerlas. Ese equilibrio actoral permite que la historia sea dolorosa sin ser sensacionalista, respetuosa sin ser tibia.

Completan el cuadro varios secundarios memorables: policías que parecen burócratas de oficina, funcionarios que hablan en eufemismos, testigos que desfilan entre el miedo y la ignorancia. Aquí las actuaciones funcionan como engranes narrativos, articulando esa sociedad absurda que Ibargüengoitia tantas veces retrató.

Una de las adaptaciones mexicanas más sólidas de los últimos años

Lo más valioso de Las Muertas es cómo transforma la sátira literaria en una crítica televisiva contemporánea. Si la novela desmontaba los ridículos del México posrevolucionario, la serie señala continuidades incómodas: feminicidios normalizados, autoridades omisas, la facilidad con la que la violencia estructural se oculta bajo discursos vacíos.

La serie evita el panfleto. Todo está narrado desde la intimidad y la cotidianidad; no es un ensayo político sino un relato humano que expone las costuras del país a través de la vida (y la muerte) de mujeres invisibles. Esa mezcla de fidelidad histórica, sensibilidad contemporánea y rigor narrativo hace que Las Muertas no solo funcione como adaptación, sino como una obra con identidad propia, capaz de dialogar tanto con lectores de Ibargüengoitia como con audiencias jóvenes que quizá descubran aquí la fuerza del autor.

Las Muertas de Netflix es una serie que respira respeto por su origen literario, pero también valentía para reinventarse. Sus valores de producción, su dirección contenida pero incisiva, su guion bien articulado y, sobre todo, sus actuaciones, conforman una obra que honra la mordacidad de Ibargüengoitia sin sacrificar profundidad emocional.

El resultado es un híbrido afortunado: una pieza televisiva estética y narrativamente poderosa que recuerda por qué Las Muertas es una novela fundamental, y por qué sus ecos —dolorosos, irónicos, necesarios— siguen resonando en el México contemporáneo.

Moonage Daydream: alunizaje frenético digno de David Bowie

Cinema Coyote | Alejandro Carrillo |

¿Podremos ser como David Bowie? Suena bastante improbable. Hay carreras a las que simplemente los seres humanos no podemos seguirles el paso. Extraterrestres, seres de otros mundos o simplemente, hombres y mujeres fueras de serie que por alguna razón cayeron a la Tierra para maravillarnos con su genio y talento.

David Robert Jones es uno de los ejemplos más notables de ello, no uno de los íconos de la cultura pop, sino probablemente EL ícono de la cultura pop. El camaleón que se hizo humano, la definición de artista en el diccionario.

La vida parece corta al repasar su carrera. Cientos de canciones, decenas discos, innumerables giras, películas, todos sus alter ego, obras de teatro, poemas, pinturas, esculturas, programas de TV, especiales de navidad, cortometrajes, ilustraciones, exposiciones, pasarelas. ¿Qué hacía Bowie a tu edad? Incluso hay una página que te lo dice (www.supbowie.com).

Es increíble todo lo que el Duque Blanco pudo hacer en los 69 años que fue habitante de este planeta y al final su principal legado es la influencia que nos marcó en algún punto de nuestra vida y nos empuja a crear y multiplicar el arte.

 

El híbrido cinematográfico 'Moonage Daydream' (2022) da fe de todo ello y es un material valioso tanto para los fans más recalcitrantes como para el melómano de ocasión, no solo para remarcar la vasta huella de David Bowie, sino para conocer pasajes inéditos y nunca antes vistos de la vida pública y personal del genio de Brixton.

¿Es un documental? ¿una biopic? ¿un musical? No se sabe. Al igual que su protagonista, el film toma formas, colores y narrativas diversas en un homenaje digno y a la altura de la leyenda. El realizador Brett Morgen, que no es un improvisado en este tipo de obras (dirigió los documentales 'Kurt Cobain: Montage of Heck' y 'Crossfire Hurricane' sobre los Rolling Stones), nos regala una película casi artesanal y audiovisualmente espectacular, que seguramente se volverá un material de culto.

Con ayuda de la familia de Bowie, la producción tuvo acceso a gran parte de sus archivos personales, incluyendo imágenes desconocidas de giras y conciertos, para regalarnos en 135 minutos un viaje caleidoscópico y espiritual, más que lineal y biográfico, en donde nadie habla de Bowie, más que él mismo.

Mención aparte merece la increíble banda sonora que acompaña el documento fílmico y nos seduce con remixes siderales, rarezas y versiones inéditas de las canciones más representativas de Bowie, así como monólogos en propia voz. Una joya musical imperdible de 45 tracks que ya pueden disfrutar en Spotify.

 

'Moonage Daydream' se exhibió en pocas salas de cine de nuestro país y no por mucho tiempo, pero ahora está disponible en la plataforma Cinépolis Klic, en renta por 50 pejecoins o bien pagando con puntos del club Cinépolis (esta reseña no fue patrocinada por Cinépolis).

En síntesis la principal virtud de la película no radica en mostrar las grandes obras y la soberbia discografía del Starman, sino su visión de la vida: un tipo que no siguió las modas, que las creó, que no tuvo miedo al ridículo ni al fracaso, que se reinventó las veces que fueron necesarias, que salió de su zona de confort, que fue original, que fue atrevido, que aprendió de sus errores y que se fue de este mundo en sus propios términos. Entonces ¿podremos ser como David Bowie? Sí, just for one day. 

Argentina, 1985: el encuentro con la memoria histórica

Cinema Coyote | Alejandro Carrillo |

Es difícil narrar sucesos históricos desde la cinematografía. La naturaleza del género requiere que los dramas históricos memorables cuenten con ciertas características que son más virtudes de escritores y realizadores, más allá de las cuestiones técnicas de producción, que también exigen una gran cantidad de recursos, imaginación y espacios para recrear frente a los ojos del espectador momentos, personajes y lugares que no volverán.

Dichas virtudes recaen en la habilidad de contar una historia emotiva sin caer en la cursilería ni el maniqueísmo, y por otro lado, de alejarse lo más posible de la solemnidad de la estructura documental, recurriendo a la ficción primordialmente como una brújula y una llave, más que como un recurso estilístico, para acercarnos a ese ente conocido como memoria histórica, para que las sociedades y en este caso los espectadores se encuentren con su pasado.

Argentina, 1985 reúne todas estas bondades que se magnifican al narrar no solo un suceso histórico de la patria de la primavera, sino uno de los episodios más dolorosos y oscuros de la historia reciente de aquel país hermano, como lo fue el famoso Juicio a las Juntas Militares, contra Jorge Rafael Videla y otros ocho jerarcas de la dictadura militar (1976-1983), acusados de instaurar un régimen de terrorismo de Estados con miles de asesinados, torturados y desaparecidos.

La película dirigida por el joven realizador Santiago Mitre y protagonizada por uno de los histriones fetiches del cine argentino contemporáneo, como lo es Ricardo Darín, recrea el proceso de enjuiciamiento a los jefes de la dictadura argentina, tras el retorno a la democracia de la mano del presidente Raúl Alfonsín, quien a pocos días de asumir el cargo decretó someter a juicio civil y no militar a los responsables de las juntas.

La película se inspira primordialmente en el trabajo de los fiscales Julio Strassera (Ricardo Darín) y Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani), quienes junto a un joven equipo de abogados se encargan de llevar a cabo todo el proceso que revivió a nivel nacional los testimonios de 839 testigos en más de 530 horas de audiencia, abriendo así profundas heridas de la sociedad argentina, a través de inenarrables sucesos contados por quienes tuvieron la fortuna de sobrevivir al horror y a la ignominia durante esos terribles años.

Gran acierto del director fue conocer de primera mano a familiares amigos de las víctimas de la dictadura, con la finalidad de entender de la manera más precisa el sentir de la sociedad y la importancia que tuvo el juicio de 1985, que encendió la esperanza en la justicia de todo un país tras un largo periodo de impunidad, corrupción y muerte, tristemente sellos característicos de los procesos sociales latinoamericanos.

‘Señores jueces: quiero renunciar expresamente a toda pretensión de originalidad para cerrar esta requisitoria. Quiero utilizar una frase que no me pertenece, porque pertenece ya a todo el pueblo argentino. Señores jueces: Nunca más’.

Julio Strassera

Argentina, 1985 sin duda es un film digno de ver para revivir un hecho sin precedentes en América Latina que reivindica la memoria histórica y es ejemplo a nivel universal de la búsqueda de la justicia de todo un pueblo, cuya lucha se mantiene hasta nuestros días.

El filme ha triunfado en el Festival Internacional de Cine de Venecia y también en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, y recientemente fue preseleccionado para competir por el Oscar a mejor película internacional. Argentina, 1985 (disponible en Prime Video) y Bardo, del mexicano Alejandro González Iñárritu, son las únicas representantes latinoamericanas que aún aspiran a competir por estatuilla de la Academia.

De la épica al celuloide: filmes sobre el olimpismo

Cinema Coyote | Por Alejandro Carrillo

@alexiliado

"Más rápido, más alto, más fuerte" es el llamado oficial a los atletas del mundo, impulsado desde hace más de un siglo por el movimiento olímpico. Cada cuatro años el mundo se detiene para celebrar la justa deportiva más importante del orbe, quizá uno de los pocos símbolos de paz y fraternidad que aún nos quedan. Es inevitable no emocionarse al ver los colores nacionales desfilando por las diferentes competencias olímpicas que edición tras edición nos regalan historias llenas de épica y dramatismo.

Hazañas deportivas y gestos heroicos de increíbles seres humanos han sido inmortalizados por el celuloide a lo largo del tiempo, pero también episodios trágicos e ignominiosos forman parte de la historia del olimpismo. Repasamos algunos filmes que vale la pena considerar en medio de la fiebre de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 (en 2021).

7. Jamaica bajo cero (Cool Runnings, 1993)

Un clásico de los filmes olímpicos que seguramente todos vimos en televisión abierta en algún punto de nuestras vidas. Esta comedia está basada en la historia real del equipo jamaiquino de trineo que en 1988, ante la sorpresa de todos, logró calificarse a los Juegos Olímpicos de Invierno en Calgary.

6. Inquebrantable (Unbroken, 2014)

Dirigida por Angelina Jolie y escrita por los hermanos Coen (basado en el libro homónimo de Laura Hillenbrand), la película narra la historia de Louis Zamperini, atleta estadounidense de origen italiano que participó en los Juegos Olímpicos de Berlín 1936, registrando una de las vueltas más rápidas de la época en los 5.000 metros. Su destino estaría marcado por la tragedia de la Segunda Guerra Mundial, ya que tras estrellarse el avión en el que viajaba, sería tomado como prisionero y torturado por los japoneses hasta el fin del conflicto.

5. Volando alto (Eddie the Eagle, 2016)

El versátil Taron Egerton protagoniza este film de Dexter Fletcher que narra la historia del esquiador británico Eddie Edwards, un cuasi aficionado que ante un sinfín de obstáculos y vicisitudes se logra calificar a los Juegos Olímpicos de Invierno de Calgary 1988, estableciendo varios récords para la Gran Bretaña en salto de esquí.

4. El triunfo del espíritu (Race, 2016)

Biopic sobre el extraordinario atleta afroamericano Jesse Owens (Stephan James) que en los Juegos Olímpicos de Berlín 1936 llevó a cabo de unas hazañas más grandes de la historia olímpica al conseguir cuatro medallas de oro en las disciplinas de 100m, 200m, carreras de relevos 4x100m y salto de longitud; todo esto frente a los ojos del mismísimo Führer y la supuesta supremacía aria.

3. Yo soy Tonya (I, Tonya, 2017)

Margot Robbie encarna a la polémica patinadora artística Tonya Harding, primera estadounidense en completar un salto triple axel, que en 1994 se vio envuelta en un escándalo al ser relacionada con el ataque a Nancy Kerrigan, una de sus principales adversarias deportivas. El filme, contado a manera de falso documental, va narrando partes de la compleja vida de la patinadora y su insufrible relación familiar.

2. Carrozas de Fuego (Chariots of Fire, 1981)

Un hito en la historia del cine deportivo que logró hacerse de cuatro estatuillas de la Academia, incluyendo Mejor película y Mejor guion. Dirigida por Hugh Hudson, la historia narra la improbable hazaña de dos desconocidos corredores británicos y su camino al Olimpo en la justa veraniega de París en 1924.

1. Múnich (Munich, 2005)

Steven Spielberg inmortaliza los ignominiosos hechos ocurridos tras los Juegos Olímpicos de Múnich 1972 en el que murieron once atletas de la delegación israelí a manos del grupo terrorista Septiembre Negro, y las represalias tomadas por el Mossad e Israel al ordenar el asesinato de once palestinos, supuestamente miembros de dicha organización terrorista. El film fue severamente criticado por la comunidad judía y por ende castigado en los festivales cinematográficos. Aun así, logró obtener cuatro nominaciones al Oscar.

Bonus: Ícaro (Icarus, 2017)

Bryan Fogel obtuvo el Oscar en 2018 por este documental en donde un ciclista amateur (que es el mismo realizador) se enfrasca en un caso mundial de dopaje junto a Grigori Rodchenkov, exdirector del Centro Antidopaje de Moscú. Sin duda un material sumamente recomendable para entender a detalle el estrepitoso escándalo de dopaje de Estado por el cual Rusia mantiene al día de hoy diversas sanciones impuestas por el Comité Olímpico Internacional. Está en Netflix.

Los ladrones viejos: leyendas del artegio mexicano

Cinema Coyote | Por Alejandro Carrillo

@alexiliado

En las entrañas de Netflix hay un documental bastante entretenido para los que nos regocijamos con las leyendas del artegio y las proezas de los antihéroes. Los ladrones viejos (2007) narra las historias de algunos de los rufianes más famosos de la Ciudad de México durante los años sesenta y setenta.

El realizador Everardo González logró reunir los testimonios de “El Fantomas”, “El Carrizos”, “El Burrero”, “El Xochi” y “El Chacón”; directamente desde las cárceles en donde cumplen sus condenas, algunos de ellos no las alcanzarán a cumplir.

“Me gustaba la buena vida. Me gustaba mucho vestir bien y siempre me ha gustado.”

Durante 97 minutos, los viejos ladrones cuentan con nostalgia y orgullo las hazañas y tragedias que los llevaron a convertirse en los criminales más buscados de la época, así como los principios, códigos y bondades del oficio de robar discretamente y sin violencia. Algunos exagentes de la judicial también intervienen en el filme, narrando los cochupos, tejes y manejes que había entre policías y hampones por aquellos años.

Los retratos extraordinarios de una sociedad lejana y una ciudad extinta, son quizá el mayor atributo del largometraje que incluso llegó a obtener un par de arieles y un sinfín de nominaciones entre festivales y muestras cinematográficas a lo largo del país.

El perfil del criminal cambió porque la sociedad también lo hizo. Somos otros respecto de aquellos años. Nada tiene que ver, por supuesto, el robo con el tráfico de drogas, ni los vínculos que hay en el poder entre un ladrón y un policía de la secreta, y un capo de la mafia con un funcionario del gobierno federal.

-Everardo González

Destaca por completo la historia de Efraín Alcaraz Montes de Oca, alias “El Carrizos”, el más sibarita y elegante de los zorreros, famoso por llegar a ser el criminal más buscado de la ciudad y por librar la justicia infinidad de veces. Narra con cierta vanidad y con una invariable mueca burlona aquellas veces que hábilmente se internó en las residencias de los expresidentes Luis Echeverría y José López Portillo para birlarles infinidad de joyas, pieles y dinero; no sin antes soltar la mordaz e inconclusa frase: “Ladrón que roba a ladrón…”, pero sin los cien años de perdón, ya que en este caso la cárcel es el riesgo del oficio.

Sin duda, Los ladrones viejos de Everardo González es un excelente documento que entretiene y rememora la vida de la sociedad mexicana a través de personajes marginales que nos recuerdan que todo tiempo pasado fue mejor.

David Bowie, el actor

 

Cinema Coyote | Por Alejandro Carrillo |

David Robert Jones, mejor conocido como David Bowie es una de las figuras más importantes e icónicas de la historia de la música. Considerado por algunos un reformista y por otros un transgresor del rock; la ecléctica figura de Bowie no pasa desapercibida por ninguna generación y ha trastocado todo tipo de aristas musicales, artísticas e incluso sociales; a lo largo de una vida llena de ires y venires más parecida a la de un cosmonauta bisexual intergaláctico que a la de una estrella del rocanrol.

Detrás de la carrera del músico y compositor, hay un joven estudiante de teatro que antecede todos los éxitos, discos y giras. El carácter camaleónico de David Bowie no sólo le permitió ir del glam-rock a la música electrónica, sino también de Broadway a Hollywood y viceversa, convirtiéndolo de uno de los artistas más significativos de la cultura pop cuyo legado ha contribuido incluso en aspectos psicosociales.

El biógrafo David Buckley observó: «La esencia de la contribución de Bowie a la música popular se encuentra en su sobresaliente habilidad para analizar y seleccionar ideas fuera de la música -del arte, la literatura, el teatro y el cine- e incorporarlas a ésta; de este modo, el pop se actualiza constantemente».

Aunque su trabajo cinematográfico no es tan conocido como el musical, David Bowie ha protagonizado varias películas y sus dotes histriónicos le han valido algunos premios y reconocimientos; además ha tenido participaciones especiales en documentales y series televisivas (incluyendo Bob Esponja). Por lo anterior, nos dimos a la tarea de hacer un recuento de su filmografía, tan heterogénea como su mirada.

Película: The Image (1967) -Cortometraje-

Papel: El Niño

Sinopsis: En el cortometraje en blanco y negro The Image, Bowie encarnó a un niño fantasma que emerge de un cuadro de un pintor bastante turbado para embrujarlo.

Película: The Virgin Soldiers (1969)

Papel: Soldado

Sinopsis: Basada en la novela cómica de Leslie Thomas. Un escuadrón de jóvenes soldados son enviados a Singapur durante la emergencia malaya. Bowie hace una breve aparición de dos segundos como extra, detrás de la barra de un bar.

Película: Pierrot in Turquoise or The Looking Glass Murders (1970)

Papel: Cloud

Sinopsis: Espectáculo teatral grabado para la televisión en 1970. Historia de amor, desamor, venganza y música; escrita por David Bowie y Lindsay Kemp.

Película: The Man Who Fell the Earth (1976)

Papel: Thomas Jerome Newton

Sinopsis: David Bowie es un extraterrestre del planeta Anthea que llega a la Tierra buscando un modo de transportar agua a su planeta, que sufre una gran sequía. Este fue su primer papel protagónico y le valió el Premio Saturn como mejor actor.

 

Película: Just a Gigolo (1978)

Papel: Paul Ambrosius von Przygodski

Sinopsis: David Bowie es un héroe de guerra que regresa a Berlín sólo para descubrir que no cuenta con habilidades distintas a las que aprendió en el ejército. Cansado de no encontrar un buen empleo, decide convertirse en gigoló de un burdel que atiende a señoras adineradas.

Película: Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo (1981) -Yo, Cristina F.-

Papel: David Bowie

Sinopsis: Es una película alemana de 1981, basada en el libro homónimo escrito por los periodistas Kai Hermann y Horst Hieck. Narra la historia del personaje principal Christiane F., una consumidora de drogas. David Bowie es David Bowie.



Película: The Snowman (1982)

Papel: Narrador

Sinopsis: Se trata de un libro infantil inglés escrito por el autor Raymond Briggs publicado en 1978, en formato de álbum ilustrado. En 1982 el libro se convirtió en una película de animación de Dianne Jackson de unos 26 minutos de duración, narrada por David Bowie. La película fue nominada al Óscar en la categoría de Mejor Corto de dibujos en 1983.

Película: Baal (1982)

Papel: Baal

Sinopsis: Se trata de la primera obra de teatro escrita por Bertolt Brecht. En 1982 la BBC decidió realizar la adaptación cinematográfica de la obra con David Bowie como protagonista. La obra narra el declive de un poeta disoluto y bebedor llamado Baal. Este es un anti-héroe, que rechaza las convenciones y adornos de la sociedad burguesa.

Película: Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983)

Papel: Maj. Jack 'Strafer' Celliers

Sinopsis: Durante la Segunda Guerra Mundial el mayor australiano Jack Celliers (David Bowie) llega a un campo de prisioneros japonés. El comandante del campo, el capitán Yonoi impone valores como la disciplina, el honor y la gloria al más puro estilo nipón, pero oculta una homosexualidad reprimida.

Película: The Hunger (1983)

Papel: John

Sinopsis:  Thriller de terror en donde David Bowie comparte créditos con Susan Sarandon y Catherine Deneuve. La trama gira en torno a una mujer vampiro de Manhattan sedienta de sangre que colecciona arte renacentista y almas de sus amantes.
 
 

Película: Yellowbeard (1983)

Papel: El Tiburón

Sinopsis: Comedia de piratas en donde Bowie tiene un breve cameo, aunque no aparece en los créditos finales.


Película: Into the Night (1985)

Papel: Colin Morris

Sinopsis: Película de suspenso dirigida por John Landis en donde David Bowie tiene un pequeño papel como un asesino a sueldo. Destaca el soundtrack con temas clásicos de B.B. King como 'Lucille', 'In the midnight hour' y la que le da el nombre al filme, 'Into the Night'.

Película: Labyrinth (1986)

Papel: Jareth the Goblin King

Sinopsis: En su mayoría el reparto está conformado por títeres y seres fantásticos. Sobresalen las intervenciones de Jennifer Connelly (Sarah) y David Bowie (Jareth el Rey de los Goblins), que además escribió e interpretó algunas de las canciones incluidas en el filme. La película contó con el respaldo y la producción de George Lucas.

Película: Absolute Beginners (1986)

Papel: Vendice Partners

Sinopsis: Adaptación musical de la novela de Colin MacInnes que versa sobre el ritmo de vida de los jóvenes londinenses a finales de la década de los 50. Además de su intervención actoral, Bowie colaboró con el tema oficial de la película.

Película: The Last Temptation of Christ (1988)

Papel: Poncio Pilatos

Sinopsis: Controversial película sobre la vida de Jesús, dirigida por el multipremiado Martin Scorsese y basada en la novela homónima de Nikos Kazantzakis. David Bowie tiene un breve cameo en el papel de Poncio Pilatos.

Película: The Linguini Incident (1991)

Papel: Monte

Sinopsis: David Bowie y Rosanna Arquette son dos camareros descontentos que deciden atracar el restaurante para el cual trabajan.

Película: Twin Peaks: Fire Walk with Me (1991)

Papel: Phillip Jeffries

Sinopsis: Thriller dirigido por David Lynch que aborda los acontecimientos sucedidos antes del inicio de la serie televisiva Twin Peaks. David Bowie tiene una breve e inquitante actuación en el papel del agente Phillip Jeffries.

Película: Basquiat (1996)

Papel: Andy Warhol

Sinopsis: Biopic del artista posmoderno Jean-Michel Basquiat interpretado por Jeffrey Wrigth y en donde Bowie interpreta al mismísimo Andy Warhol -amigo y mentor de Basquiat-. El filme también cuenta con las actuaciones de Gary Oldman, Dennis Hopper, Benicio del Toro y Courtney Love.

Película: Gunslinger's Revenge (Il mio West) (1998)

Papel: Jack Sikora

Sinopsis: Western italiano (!) en donde Bowie es un asesino a sangre fría que obliga al protagonista a salir de su retiro para averigüar quién es el más rápido del oeste (!).

Película:  Everybody Loves Sunshine (1999)

Papel: Bernie

Sinopsis: David Bowie es un viejo gángster inmerso entre peleas de pandillas y bandas callejeras de Manchester.

Película:  Mr. Rice's Secret (2000)

Papel: William Rice

Sinopsis:  La vida de un muchacho con una enfermedad terminal es salvada por el enigmático Mr. Rice cuando este lo ayuda buscar un tesoro llamado "la poción de vida". ¿A quién no le ha salvado la vida David Bowie?

Película:  Zoolander (2001)

Papel: David Bowie

Sinopsis: Popular comedia protagonizada por Ben Stiller y Owen Wilson. El cameo de David Bowie fue pensado exclusivamente para él. Además, la película cuenta con otras tantas apariciones especiales: Donatella Versace, Cuba Gooding Jr., Tommy Hilfiger, Lenny Kravitz, Gwen Stefani, Paris Hilton, Claudia Schiffer, Natalie Portman, Victoria Beckham, Winona Ryder, Shavo Odadjian, entre otros.

Película:  The Prestige (2006)

Papel: Nikola Tesla

Sinopsis: Conocida en español como "El Gran Truco" y dirigida por el extraordinario Christopher Nolan, la película aborda la lucha de egos entre dos magos que harán todo lo posible para trascender en su época. El filme lo protagonizan Hugh Jackman, Christian Bale y -lapurasabrosura- Scarlett Johansson. David Bowie cumple a la perfección con el papel secundario de Nikola Tesla, inventor de origen serbio y descubridor de la corriente alterna -jódete Edison, go Tesla-.

Película:  Arthur and the Invisibles (2007)

Papel: Emperor Maltazard

Sinopsis: Es una película de animación francesa de Luc Besson estrenada en el 2006. La película cuenta con las voces de Freddie Highmore, Mia Farrow, Madonna y por supuesto David Bowie.

Película:  August (2008)

Papel: Cyrus Ogilvie

Sinopsis:  'Agosto' se centra en la vida de dos hermanos que intentan mantener su empresa a flote mientras el mercado de valores empieza a colapsar, justo un mes antes de los ataques del 9/11. Bowie tiene una breve participación en el papel del empresario Ciyrus Ogilvie.

Película:  Bandslam (2009)

Papel: David Bowie

Sinopsis: Musical de comedia conocido en Latinoamérica como 'High School Rock'. Un joven conforma una banda de rock y entra a un concurso. David Bowie (representándose a sí mismo) ve en YouTube un video de la banda y envía un correo al chico explicando que ha creado un sello discográfico independiente y está interesado en tener a la banda como uno de sus primeros artistas. Palomera.

Además de estas películas como actor, se suman a su filmografía otras producciones pero en su faceta musical como:

• Ziggy Stardust and the Spiders from Mars: The Motion Picture (1983) (VHS, DVD en 2003)
• Love You Till Tuesday (1984) (VHS, DVD en 2005)
• Serious Moonlight (1984) (VHS, DVD no oficial en 1999, DVD oficial en 2006)
• Glass Spider (1988) (VHS, DVD no oficial llamado Glass Spider Tour en 2001, DVD oficial en 2007)
• Bowie – The Video Collection (1993) (VHS)
• Black Tie White Noise (1993) (VHS, DVD en 2005)
• Best of Bowie (2002) (DVD)
• A Reality Tour (2004) (DVD)

Sabías que David Bowie nació con ambos ojos azules, pero en una pelea en el patio del colegio un amigo suyo, George Underwood, le hirió en el ojo izquierdo con un puñetazo, lo que le produjo la parálisis de los músculos de la pupila, por lo cual perdió un poco de percepción de la profundidad y, lo más llamativo, su pupila quedó permanentemente dilatada. La mirada bicolor es la marca personal de Bowie.

Vaquero del mediodía: buscando al poeta ausente

Cinema Coyote | Por Alejandro Carrillo

@alexiliado

En el año 2008 se perdió el rastro de Samuel Noyola, uno de los poetas más inspirados de su generación de acuerdo con el mismo Octavio Paz, con quien llevó una relación fraternal, hasta la muerte del Nobel. Con el paso de los años la figura de Samuel Noyola se fue perdiendo entre la ansiedad, la depresión y las calles de la colonia Narvarte en la Ciudad de México.

Con la finalidad de esclarecer el caso, pero sobre todo de no olvidar el legado de Samuel Noyola en un país desmemoriado por naturaleza, el realizador Diego Enrique Osorno emprendió desde 2010 una investigación que fue documentando a lo largo de los años con pesquisas policiales, testimonios de amigos y enemigos, trabajo de campo, ciencia forense y hasta clarividencia. El resultado es un largometraje nominado al Ariel que narra la búsqueda infatigable de un poeta, pero sobre todo de un amigo entrañable.

La contracultura es una esencia y Noyola es contracultura. El siglo pasado le dio la espalda y el siglo XXI sería absolutamente intolerante con él.

Vaquero del mediodía es el mote que el infrarrealista Mario Santiago Papasquiaro le asignó a Noyola cuando lo conoció en el famoso Café La Habana, por su peculiar modo de vestir con botas y sombrero. El sobrenombre fue retomado por Diego Enrique Osorno para el documental que reúne todo tipo de personajes entre las calles y cantinas de la Ciudad de México, Monterrey y Nicaragua.

En Vaquero del mediodía (2019) encontramos un trabajo completo y complejo sobre la vida y obra del autor de Tequila con calavera (1993) quien además de poeta fue artista plástico, diseñador y guerrillero del Frente Sandinista de Liberación Nacional; y que a pesar de su talento y su pluma prodigiosa, libraba una guerra contra sí mismo de la cual no pudo escaparse, aunque al final nos muestre que desaparecer también puede ser un acto poético al no encontrar alternativa.

Vaquero del mediodía (ya disponible en Netflix) es un material necesario y obligatorio para cualquier miembro de la comunidad literaria de nuestro país, y un esfuerzo pertinaz para rememorar a, quizá, uno de los últimos -perdone usted la palabrota- poetas malditos de este agujero llamado México.

El poeta no tiene lugar en la sociedad contemporánea. O nace rico, o se pone a trabajar en la burocracia cultural. Entonces o se suicida o se vuelve un estúpido. S. N.

Si tiene alguna información que pueda llevar al paradero de Samuel Noyola puede comunicarse con su familia a través de www.samuelnoyola.com

Coronavirus: películas para ver durante de la pandemia

Cinema Coyote | Por Alejandro Carrillo 

El coronavirus o la neumonía de Wuhan ha desatado una alerta sanitaria a nivel global que mantiene en cuarentena a más de 40 millones de personas en distintas ciudades alrededor del mundo.

Recientemente la Organización Mundial de la Salud anunció que la epidemia ya es una emergencia internacional.

ACTUALIZACIÓN: La OMS declara oficialmente la pandemia. El número total de casos globales ha superado los 118 mil.

El virus ya ha cobrado la vida de cientos de personas en China y se calcula que al cierre de esta edición haya cerca de 8 mil casos de contagio. Es muy probable que el problema atraviese nuestras fronteras, y aunque -de momento- el riesgo de contagio es relativamente bajo, no podemos dejar de pensar en todas esas historias apocalípticas que nos ha regalado el celuloide sobre pandemias y zombis. 

El argumento todos lo conocemos, es aterrador y uno de nuestros favoritos: en un país lejano y exótico brota una enfermedad que no tiene cura y se propaga con gran facilidad, rebasando todos los esfuerzos por contenerla y exterminando sin control a gran parte de la población, mientras los protagonistas luchan por sobrevivir y encontrar la cura del virus. 

En tanto la realidad supera la ficción, te dejamos algunas películas que deberías ver antes de la pandemia. No olvides vacunarte, usar tapabocas y evitar ser mordido en los próximos días... o meses.

10. Tren a Busán (2016)

Una de las películas surcoreanas más taquilleras de la historia. Un virus se desata en aquel país asiático justo cuando un padre y su hija toman un tren con destino a Busan. Atemorizados los pasajeros ven cómo en el exterior los zombis atacan a las personas. Naturalmente uno de los infectados logró abordar el convoy de alguna manera.

9. La amenaza de Andrómeda (1971)

Película basada en la novela homónima de 1969, escrita por escrita por Michael Crichton. Tras la caída de un satélite en Piedmont, Nuevo México, se libera un germen de origen extraterrestre que acaba práticamente con toda la población de la ciudad, salvo dos personas. Un grupo de científicos tendrán la encomienda de frenar a "Andromeda" antes de que sea demasiado tarde. 

Un clásico de la ciencia-ficción y una de las primeras producciones en abordar la temática de los virus mortales.

8. Planet Terror (2007)

Dirigida por Robert Rodríguez. Una pareja de médicos descubren que el ejército es el culpable de esparcir un gas sobre la ciudad que infecta a las personas convirtiéndolos en horribles zombis hambrientos de carne humana. Un grupo de personas intentarán hacer frente a los infectados, salvar sus vidas y llegar al único lugar seguro sobre el planeta: Tulum, México.

Quizá esta película no debería estar en esta lista, pero meh, nos encanta. Además cuenta con las actuaciones de Rose McGowan, Josh Brolin, Fergie, Bruce Willis y hasta Quentin Tarantino. Un filme de culto sin lugar a dudas.

7. Niños del hombre (2006)

La historia es una distopía de 2027 situada en el Reino Unido. La humanidad ha perdido la capacidad de reproducirse debido a una pandemia de gripe sucedida 18 años atrás. La inminente extinción de la raza humana tiene al mundo sumergido en un caos y el gobierno de la Gran Bretaña, uno de los pocos países medianamente organizados, ha impuesto una dura política contra los inmigrantes. Una de esas refugiadas está embarazada del que podría ser el primer ser humano nacido en décadas y tendrá que encontrar la manera de sobrevivir. 

Tremendo filme dirigido por Alfonso Cuarón, obtuvo tres nominaciones de la Academia (guion adaptado, fotografía y montaje).

6. Ceguera (2008)

Adaptación cinematográfica de la obra de José Saramago, "Ensayo sobre la ceguera", dirigida por Fernando Meirelles y protagonizada por Julianne Moore, Mark Ruffalo y Gael García. 

Súbitamente la población de una ciudad queda completamente ciega, lo que supone el colapso de las estructuras sociales y el sistema político. La única persona no afectada por la epidemia intentará organizar a los ciegos para sobrevivir.

5. Doce Monos (1995)

Filme de culto en donde Bruce Willis es un recluso que vive en un mundo postapocalíptico azotado por una devastadora epidemia que obliga a la humanidad a vivir bajo tierra debido a un terrible virus liberado por una organización terrorista conocida como el Ejército de los Doce Monos.

Ante los fallidos intentos para encontrar la cura, los expertos determinan que la única salida es enviar a Bruce Willis al pasado para prevenir la epidemia y cambiar la historia del mundo. Joyita.

4. El fin de los tiempos (2007)

Mark Wahlberg protagoniza esta interesante película en donde aparentemente un agente bioquímico ambiental está orillando a los habitantes del área de Nueva York y la costa este a cometer suicidio de manera repentina. Los ciudadanos intentarán huir de las grandes metrópolis a lugares más inhóspitos para ponerse a salvo pero pocos lo lograrán.

3. Soy Leyenda (2007)

Una de las cintas más populares de los últimos tiempos, narra la historia del virólogo Robert Neville (Will Smith), sobreviviente de una pandemia propagada por el virus del sarampión modificado genéticamente con la finalidad de curar el cáncer.

De manera inesperada todo sale mal y el virus sufre una mutación provocando que personas y animales infectados se conviertan en una especie de zombis-vampiros. El protagonista y su perro intentarán sobrevivir, ayudar a otros supervivientes y encontrar un antídoto al mismo tiempo. La película está basada en el libro homónimo de Richard Matheson, publicado en 1954.

2. 28 días después (2003)

Conocida en América Latina como "Exterminio", fue una de las primeras películas cuyos zombis tienen su origen en un virus de laboratorio y no en el regreso de la muerte. El director Danny Boyle nos regala esta película obligada para los amantes del género en donde un grupo de ambientalistas liberan a monos cautivos en un centro de investigación sin saber que los animales son portadores de un virus letal e incurable. Quedan pocos sobrevivientes que deben buscar la manera de ponerse a salvo y lejos de los zombis.

1. Contagio (2011)

El versátil director Steven Soderbergh y un gran elenco (Matt Damon, Jude Law, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Gwyneth Paltrow, Bryan Cranston) plasman en esta historia de la manera más realista y perturbadora, la propagación repentina de una enfermedad viral que surge en Asia y que se extiende rápidamente a todos los rincones del mundo, causando millones de muertes, mientras los gobiernos, incapaces de poder controlar la situación, dejan en manos de la medicina la última esperanza para encontrar una vacuna. Para lograrlo, los protagonistas deberán seguir los pasos del paciente cero hasta encontrar el origen de la infección (sí, es un animal), mientras miles de personas mueren cada minuto. Ficción incómoda para los tiempos modernos.