Pablo Delo lanza “Volvamos a la vida”

El cantautor poblano Pablo Delo vuelve a “Casa Yonki” para la producción de su segundo material discográfico “Volvamos a la vida”. A finales del 2020 se publicó en las plataformas digitales el disco “Fantasmas” teniendo una respuesta favorable en Puebla y otros estados del país.

“Volvamos a la vida” es el primer sencillo del disco, en el que los textos son el producto de días de encierro, de negarse al fastidio que puede ocasionar largas jornadas de convivencia; de aguardar un momento más para volver al rumbo y lugares que frecuentamos cuando debamos hacerlo.

El álbum será publicado en el primer semestre del 2021 en todas las plataformas digitales.

“Dejamos que el tiempo sea tan fugaz y relativo, perdiendo su valor: a mayor sufrimiento menor placer de lo más simple. Hoy nos encontraremos absortos en la ciudad, ante el caos que habita en nosotros, y no haremos más que sonreír y cuidarnos; los momentos y las personas nos recuerdan que vivir es algo más que un transitar incierto”.

            (Joos Mort)

 

Porfiado: baladas rock sobre las contrariedades de crecer

Las reseñas innecesarias | Por Juan Jesús Jiménez 

Como adolescentes lo sabemos: muchas de las cosas que vemos, no nos agradan. Situaciones como la indecisión, el miedo a crecer, el odio y la soledad son cosas que son inherentes al crecimiento humano, resulta curioso que exista un álbum que aborde estos temas de forma tan ligera y los lleve a un punto por demás gracioso y reflexivo al mismo tiempo.

Porfiado, el decimotercer álbum de la banda uruguaya del Cuarteto de Nos, se vuelve en cada pista, una balada rock sobre las contrariedades de crecer. Lanzado en Abril de 2012, ganador a mejor álbum Pop/Rock y mejor canción rock de los Grammy Latinos en ese mismo año, ha sido uno de los mejores trabajos de la banda dirigida por Roberto Musso.

Posterior a discos como Raro, Bipolar y Cortamambo, el Cuarteto de Nos logró retomar los mejores puntos de su trabajo para traernos -el que para mí es- el mejor álbum de la banda. De mano de la sátira a situaciones comunes o humor parecido al de la canción de Mamá, el bajista me está pegando, bailando siempre entre el pop y el rock alternativo, es posible que Porfiado prolongue aún más el legado de la banda en la historia del rock latino.

Desde canciones como Buen día Benito y Lo malo de ser bueno, podemos encontrar la tónica de las letras y el ritmo tan dinámico que caracteriza el disco; siempre con cierto humor y teatralidad que dan un estilo único a las expresiones que impulsan el hilo principal, ser un necio que se resiste a crecer.

Si no supiéramos que Roberto -quien compuso gran parte de las canciones- tiene 59 años, sería fácil creer que las letras salieron de una pluma adolescente.

Ahora, fuera de lo reflexivo que puede resultar, hay canciones que sirven de cierta forma como un alivio cómico, caso de El balcón de Paul, que con sus bromas y referencias constantes, dan la sensación de realmente estar en una fiesta tremenda que se desparrama en la propia canción y en la melodía de la guitarra como los gritos de la gente. No te invité a mi cumpleaños, podría ser otro ejemplo, con una letra que cualquiera podría dedicar a su ex y con un sentido de catarsis como forma de vivir. Y aunque estas dos canciones son las más evidentes en su intención, todas las canciones siempre llevan ese doble filo para identificarse e identificar a otros en las canciones.

Pero no es solo la forma en que se adoptan estos temas lo que hace tan atractivo el disco, sino la experimentación de la combinación del rock con otros géneros que parecerían muy lejanos como la cumbia. El final de Vida ingrata y la canción de Enamorado tuyo parecerían una broma para un fanático de Iron Maiden, pues, aunque podemos escuchar las guitarras y las baterías como base de la canción, son los cencerros y los güiros quienes llevan el ritmo propio de un sonidero.

El resultado tan bizarro y atrayente que resulta, hace que Porfiado sea un álbum que se puede escuchar mirando el techo, causando destrozos en nuestra habitación o bailando con nuestros amigos en el pasillo de la escuela. El hecho de ser tan abierto y reconocible para el público, hace que ponerle atención a la lírica sea un acto inconsciente que al término de cada canción, nos haga ser más cercanos a la siguiente hasta acabar el disco.

Ciudad soledad: ucronía musical y un coctel de steampunk sonoro

Por Sergio Martínez

Iván García y Los Yonkis lanzan su quinto disco de estudio llamado Ciudad Soledad. Trabajo que contiene 13 tracks conformados por letras de Iván García y música de Los Yonkis. Esta nueva placa musical producida por Iván Carrillo y grabada en Casa Yonki, condensa referencias estilísticas a Bob Dylan, Johnny Cash, Tom Petty, Neil Young, Bruce Springsteen, y Quique González, rolas repletas de referencias contemporáneas y musicales que nos invitan a desentrañar el ruido de fondo para encontrar una propuesta musical desde provincia.

1.- Ciudad Soledad: carta de presentación del disco. Puede ser Puebla, Analco, Cholula, un bar, o la sala de tu casa, se trata de estar acompañado y compartir con un Jack en la mano, graznar o bailar dancing in the dark.

2.- Tiempo: enumeración de lo observado, de lo gozado y sufrido a través del tiempo, a veces este se detiene eternizar lo vivido.

3.- La loca: los separa el día, son diferentes, a veces contrarios, pero complementarios.

4.- Sarcófago: pareciera que todo sucede en Londres, Puebla o Ciudad Soledad, nunca lo sabremos; la ciudad desaparece cuando la iluminan los primeros rayos del sol, mientras los protagonistas ya descansan en su sarcófago.

5.- Cenicero: cambiar de carril, no de destino; entregarse a lo querido sin miedo a perder la esencia.

6.- Whisky y anfetas: un coctel de pertenencias, de lugares y relaciones, las pastillas y el alcohol es lo de menos.

7.- Desayuno en el bar: recuerdos en cascada, cada cosa, cada elemento es un recuerdo preciso, el olvido no llega de ninguna manera.

8.- Gárgolas: una tristeza como el mar. El testigo que observa, se queda con la arena, duda que exista el mar.

9.- En casa: monotonía casera, monomanía personal.

10.- Carta: mensajes a los que ya no están, misiva que va a ningún lugar esperando que llegue a las manos adecuadas, esperando tener una respuesta.

11.- Vendrá la muerte: ¿importa la forma de morir? Todos nos vamos a enfrentar a ese momento, si es con alguien parece ser mejor que de manera individual.

12.- Gato: ser un caprichoso felino, merodear, ir de un lugar a otro, regresar a casa a tomar un mezcal.

13.- Estepicursor: ir a favor del viento a cualquier parte, deslizarse a ras del suelo. Probar el mineral, olfatear al animal… al humano animal.

Con este disco esta banda poblana nos regala en sus canciones una ucronía musical y un coctel de steampunk sonoro que pretende hacernos llevadero un año de mierda. Quizá estas rolas nos ayuden a transitar por una pandemia que nos ha arrebatado a familiares y amigos y parece no tener fin. El disco ya puede ser adquirido en las redes sociales de la banda.

“En casa” Iván García y Los Yonkis lanzan “Ciudad Soledad”

De la mano de un segundo sencillo, Iván García y Los Yonkis lanzan al mercado su nueva producción discográfica: Ciudad Soledad. Tras la publicación de “Cenicero” a inicios de noviembre, la agrupación estrena el single “En casa”, tema referente al confinamiento y la situación de emergencia que hemos vivido durante este año. 

“De haberse publicado esta canción en otra época tendría un significado completamente diferente. El enclaustramiento al que fuimos confinados derivó en muchas cosas tanto positivas como otras de origen más oscuro, como la ansiedad o la depresión”.

Este 1 de diciembre se estrena “En casa” en las principales plataformas musicales, dedicada a todos aquellos que permanecieron en cuarentena lejos de los seres amados. Cabe resaltar que a partir de esta fecha también se podrá adquirir la versión digital del disco “Ciudad Soledad” a través de las redes sociales de la banda. El material en formato físico estará disponible a partir del 7 de diciembre con envío a toda la República Mexicana. 

“Habemos personas que no percibimos la realidad en medio de cuatro muros. Necesitamos salir a la calle y recorrer las callejas más antiguas de la ciudad… Esta canción se gestó en casa y esperamos suene en la suya”.

“Ciudad Soledad” es el resultado del trabajo de los difíciles meses de contingencia y representa el quinto álbum de estudio de Iván García y Los Yonkis. Fue grabado, mezclado y masterizado en Casa Yonki y producido por Carlos Iván Carrillo. El arte del disco corrió a cargo de Israel Díaz “Chk Dsg”. 

Momentáneamente no hay una fecha definida para la publicación del disco completo en las plataformas digitales.

Iván García y Los Yonkis lanzan la canción «Cenicero»

La agrupación poblana de rock “Iván García y Los Yonkis” ha dado a conocer el lanzamiento de “Cenicero”, sencillo que representa el primer adelanto de su nuevo material discográfico titulado “Ciudad Soledad”. La canción estará disponible a través de todas las plataformas digitales y redes sociales de la banda a partir de este 6 de noviembre.

“Cenicero” también se encontrará en YouTube con un videoclip rodado en el Teatro Cholula Ciudad Sagrada de San Pedro Cholula. El sencillo en su formato audiovisual estuvo dirigido por Manuel Duarte de Overclocked Productions.

Por su parte, “Ciudad Soledad” se encumbra como el quinto álbum de estudio de la banda conformada actualmente por Iván García, Carlos Iván Carrillo, Jhu Camero y Alberto Ambriz; y es el trabajo de los difíciles meses de contingencia que todos hemos lidiado durante el año, pero que para la comunidad musical y artística de nuestro país ha representado un duro golpe no sólo en el ámbito social y productivo sino también en su modus vivendi.

Por lo anterior y con la finalidad de hacer frente a la difícil situación, el nuevo disco de “Iván García y Los Yonkis” se lanzará oficialmente el 1 de diciembre de 2020, únicamente en su formato físico, mismo que se podrá adquirir a través de las redes oficiales de la banda con envío a cualquier parte del territorio nacional.

“El álbum musicalmente será un homenaje a nuestros héroes del rock como Bob Dylan, Neil Young, Quique González y Tom Petty, entre otros. Letrística y conceptualmente va con dedicatoria a todos aquellos que se llevó la pandemia, a los que se quedan y a nuestra ciudad que se desoló durante semanas enteras”

Conformado por 13 composiciones de Iván García, “Ciudad Soledad” fue grabado, mezclado y masterizado en Casa Yonki y producido por el propio Carlos Iván Carrillo. El arte del disco corrió a cargo de Israel Díaz “Chk Dsg”; Santa María Récords colaboró en la producción ejecutiva de la nueva placa musical. 

De momento no hay una fecha definida para la publicación del material en las plataformas digitales.

Zapandú, el álbum irreverente de Valgur

Por Erick Araujo

TW @iamaraujo10

Valgur es una agrupación de tres talentosos jóvenes conformada por: Elizabeth Valdivieso, Hugo Valdivieso y Julio Sánchez. Son originarios de la ciudad de Juchitán de Zaragoza en Oaxaca y ésta misma fue la musa en la creación de su más reciente placa discográfica Zapandú.

Su primer material discográfico titulado Trébol los llevó a participar y llevar su propuesta musical a lo largo del país, en diversos foros culturales de la talla del Lunario del Auditorio Nacional, El Imperial, Foro del Tejedor, Foro Moby Dick y Festival Barnasants, éstos dos últimos en España.

La propuesta musical interpretada por estos jóvenes se basa en la inclusión de elementos de la cultura zapoteca –asentados en Oaxaca, Guerrero, Puebla y México- a sonidos pop ochenteros y noventeros con synths característicos de la época.

El álbum Zapandú desprende nueve canciones donde podemos encontrar los sencillos: Rogelia, Vampiro, Zapandú y El Pozo. Esta última versa en torno a la lamentable situación de feminicidios y desapariciones que vive México, un hecho que inspiró a la agrupación para apoyar a todas aquellas voces que han sido silenciadas u ocultadas en el país, irónicamente la misma canción fue retirada de su setlist en la presentación de su álbum en un programa de televisión nacional.

“Todos callan, ¡qué mal! No aparezco en los diarios. Todos callan, ¡qué mal! No aparezco en la radio.”

En el aspecto sonoro, Zapandú es un álbum que se disfruta de inicio a fin en por toda la armonía que genera y además, la instrumentación que transporta al sur de México para conocer un poco más de las raíces de la cultura zapoteca. Esto sin dejar pasar las líricas que tocan temas muy sensibles en una sociedad en transición, destacan Infancias Trágicas, Zapandú y Desnudx.

Zapandú no sólo desprende hits como cualquier material discográfico, sino que toca temas profundos y reflexivos en un intento de acercarse a la sociedad y abrir el diálogo en torno a las problemáticas que surgen desde la comunidad.

No puedes dejar pasar la oportunidad de escuchar este magnífico álbum que da apertura a nuevos horizontes sonoros. 

Big Search: un gran hallazgo

Blue Street | Por Hugo Ernesto Hernández Carrasco

@H7GO

En las artes, hay constelaciones que brillan en solitario en medio de la gama de oscuridades que circundan su universo, que al igual que el universo descrito por Carl Sagan o Neil deGrasse Tayson, se encuentra desde su origen, en constante expansión. Los azares parecen en este sentido, una ley gravitacional que ayuda a desentrañar los caprichosos descubrimientos, el magnetismo explicable e inexplicable hacia ciertos polos que atraen otros cuerpos, creaciones; algunas fugaces, algunas permanentes en la memoria colectiva, y otras discretas, silenciosas, dibujadas entre el destello y la fuga: sólo se alcanzan a ver por unos cuantos afortunados, mientras se quedan atentos a cierta hora de la noche, frente a un trozo de esa inmensa bóveda que es el cielo estrellado. Así pasa con la música, la pintura, las letras y otras tantas artes.

Durante la presente reseña, quiero compartirles el encuentro con un pequeño trozo de ese cielo, mientras hurgaba las profundidades de Spotify en busca de música, que entre otras cosas, no sólo me ayudara a sobrellevar el confinamiento voluntario en el que nos tiene la pandemia, sino también, que estrujara mi fibras más sensibles; a veces para encontrar un poco de quietud inercial, otras, para retomar un segundo impulso, un viento suave para la balsa de certezas, en medio de la marea que nos impone la rutina. En mi caso particular, encontré a Big Search, un proyecto de Matt Popieluch; con apenas veintitrés mil oyentes mensuales y menos de siete mil reproducciones en Youtube, ha sido para mí, un gran hallazgo. En esta ocasión, abordaré un par de canciones (To feel in love y Stillness in the Air), que personalmente, me impactaron, aunque sobre decir que, hurgando el material a fondo, se descubren otras joyas ocultas, basta escuchar los álbumes Role Reversal (2014) y Slow Fascination (2019) para darnos cuenta.

 

Desde la ignorancia o el impulso, uno siempre se cuestiona ¿qué sentido tiene volver a cantar una canción, reinterpretarla? ¿qué sentido tiene volver a revivir ciclos que además, fueron de otros? Big Search nos demuestra que siempre hay algo qué decir, aún bajo la misma lógica, dirección y sentido de los acordes, de las letras. Con To feel in love, logra cuarenta años después, añadir ese sello particular que tiene la voz de Popieluch, que no es sino una lluvia que desentierra paciente las palabras, encarrilando la letra de sus canciones como un murmullo que va dejando huella. Este cover cuyo intérprete original fue el italiano Lucio Battisti, es reinterpretado en la voz y guitarra de Matt Popieluch, apoyada a su vez por la voz y el sintetizador de Toby Ernest, por el bajo de Carl Harders, y la batería de Garrett Ray; juntos, conforman la tripulación de un viaje que dura poco más de seis minutos.

En el caso particular de To feel in love, a pesar de que vamos navegando aguas tranquilas durante los primeros tres minutos y medio, cada instrumento parece, un coro de voces mixtas que te murmura lo que es el amor, lo que se siente ese verbo caprichoso que llamamos amar. La batería es durante el trance, un péndulo topando los bordes de la balsa, y el bajo, una serie de piedras que se avientan de manera sincronizada, formando ondas sobre la leve corriente que se forma al escuchar la canción; entonces, cuando ésta parece agotarse, haberlo dicho todo, cuando ya no hay más por escuchar, llega la flauta de Joe Santa María para alcanzar el climax del viaje: a partir de los tres minutos con treinta y nueve segundos, ya nada vuelve a ser igual. Hemos caído bajo el breve hechizo de esa armonía, donde además, el sintetizador, nos extiende la sensación de soñar despiertos.

Por otra parte, también está la canción Stillness in the Air, compuesta por Popieluch, y que resulta una revelación en el sentido de su musicalidad, sobrecogedora cuando se leen a conciencia las letras. Lily, quien es el personaje a la que se refiere durante la canción, puede ser cualquier persona a la que, frente a la tormenta que se avecina, se vuelve un faro, una imagen a la cual buscamos aferrarnos. Súplica moderna, crónica de lo que viene, atemporal, demuestra que a cualquier hora, en cualquier espacio, nos mantendría suspendidos durante los cuatro minutos que dura; la imagen del álbum a la que corresponde Stillness in the Air es una representación fiel de dicha sensación.

Ambas canciones, por supuesto, no son una especie de sedante cursi, y ese es el principal mérito de Big Search, no renunciar con la melodía formada, a alumbrar la estética del dolor, que, aunque discreta, puede sentirse a lo largo de estas y otras piezas, como delgado trazo, producto de esa dialéctica ondulatoria que define las emociones humanas, entre la fragilidad y la fortaleza. Sentimos el mar de las canciones, con sus olas, quietudes y contrastes, toda vez que acostumbrados, nos percatamos que se han activado los sentidos.

Finamente, queda desear que pronto, más personas se vean envueltas por su extraordinaria música, y que Big Search tenga larga vida y siga expandiendo ese hermoso universo, al que nunca le sobrarán buenas canciones.

El cantautor Pablo Delo lanza sencillo “Tu mirar”

Pablo Delo es un cantautor mexicano nacido en la ciudad de Puebla, de tendencias musicales enfocadas en la trova contemporánea, pop y balada romántica. En 2012 realizó sus primeros versos a guitarra y voz, creando una figura musical basada en vivencias personales y el dolor ajeno.

Dos años después participó en conciertos de canción de autor denominados "Peñatour" en diversos foros poblanos donde pudo compartir escenario con Iván García, Miguel "El Méndez" y Marco Rojas, entre otros.

Recientemente ha lanzado "Tu mirar", primer sencillo de su nuevo material, producido por Iván Carrillo, productor musical y guitarrista de "Los Yonkis"; en donde con un conjunto de canciones desarrolladas en el camino, explota la lírica y emociones de cada pieza formando una estética musical que deja de lado la "guitarra y voz" para la realización discográfica.

El disco llevará por título "Fantasmas" y llegará a finales de junio de este 2020. Contará con algunas  colaboraciones sorpresa y estará disponible en las diversas plataformas digitales. La producción se realizó bajo el sello "Casa Yonki" y el arte del material corrió a cargo de Israel Díaz "CHK".

"Es sepultar el tiempo compartido que no llega a un lugar con un alguien de momentos cortos y reales".

Hugo Segovia y su reinvención melódica

Por Erick Araujo

TW @iamaraujo10

Hugo Segovia o como algunos lo conocen ‘Poyo Segovia’ es un cantautor originario de Delicias, Chihuahua. Inició su carrera en la música con apenas 12 años al recibir su primera guitarra acústica, escribiendo junto con ella increíbles canciones que han cautivado a miles de personas que lo han llegado a escuchar. Optando por líricas de desamor, algunas otras de amor y sin dejar atrás las que salen del corazón al par de un instrumento análogo.

Con más de 15 años de carrera, Hugo Segovia no ha parado de hacer música y en estos últimos ha publicado un álbum homónimo y con su nueva producción titulada Perfectos Extraños ya ha lanzado tres adelantos  Aire, Inquieto Corazón y Más Que Perder. Donde tras pasar por un pop/rock alternativo en su antecesor (Hugo Segovia) se reinventa en un jazz melódico para su nueva placa transformando el pleno goce de los instrumentos y la asombrosa interpretación que da como resultado un deleite auditivo.

Son precisamente estos elementos en su conjunto los que hacen que Poyo Segovia cuente con una increíble fanbase por toda la República Mexicana y además algunos cuantos países de Latinoamérica que lo apoyan incondicionalmente.

El artista muestra su lado más íntimo a través de la música y cuenta con hits como Antes de Colgar, ¿En Dónde Estás?, Decirte Te Amo y sus más recientes sencillos donde encontrarás Tu Nombre, Rencor, Aromas y Soy Pésima Idea. 

No pierdas la oportunidad de escuchar a Hugo Segovia, su exquisito repertorio y ahora su nueva propuesta de jazz melódico en sus últimos lanzamientos.

Las «Luces» de NÖRTE

Por Erick Araujo

TW @iamaraujo10

Originarios de Culiacán, Sinaloa; NÖRTE es una banda de Rock Alternativo y Post-Rock conformada por: Ángel Behar (vocalista), Mariano Peimbert (guitarrista) y Jorge Hernández (baterista) que presentan su nuevo single titulado Luces, incluido en su nuevo EP llamado Todo Sentimiento es ya Memoria.

Aunque en los últimos tiempos las bandas emergentes de rock o sus derivados, no logran alcanzar la popularidad acostumbrada por el género en antaño, para NÖRTE no ha sido un impedimento, gracias a su propuesta musical diversificada que ha logrado cautivar a parte del público, aun en sus primeros pasos como músicos profesionales.

NÖRTE no se cataloga como una banda tradicional de rock pesado o rock suave, ni como una propuesta que anda vagando hasta encontrar la mezcla musical que buscan infinidad de grupos, todo lo contrario, gracias al ingenio de cada uno de los integrantes han logrado explorar una amplia gama de sonidos y guiños que podemos escuchar en bandas de alto calibre como The 1975, My Chemical Romance, Bring Me The Horizon, por citar algunas.

He tenido la fortuna de presenciar algunos de sus shows y vale la pena cada centavo invertido en su proyecto ya que ofrecen una conexión completa con la música, corazón y mente que puedes encontrar en cada una de sus canciones. Sean éstas de su EP No Somos los Mismos de Ayer y/o los nuevos singles para su próximo nuevo EP Todo Sentimiento es ya Memoria. Incluso me tocó verlos como abridores de una gran banda chilena de rock alternativo como lo es Fármacos en el Foro Bud Light de la Ciudad de México, que no es poca cosa.

Si estás buscando qué escuchar en estos días y te gusta diversificar un poco tu playlist, sin duda alguna NÖRTE es un buena opción con letras y melodías oscuras a través de synths, guitarras eléctricas y una voz que brinda al escucha un cúmulo de emociones que no puede dejar pasar por alto. Entre las más destacadas de sus composiciones encontramos: 1058, Rayo, 17, No Hay Futuro y su más reciente sencillo Luces, que es el segundo adelanto de su nuevo EP, una canción que marca una evolución en sonido de la agrupación sinaloense, además de que es una de las favoritas de los integrantes y que toca temas muy sensibles de conexión emocional entre seres perdidos, retomando la oscuridad que se les caracteriza en su lírica.

Recomiendo escuchar en bucle a esta banda emergente que estará dando de qué hablar en los próximos años y tampoco vayas a perder la oportunidad de ir a uno de sus shows porque te garantizo que encontrarás acordes que encenderán tu gusto por la música.

El brit rock de Wishbone Ash vuelve a escena

Prog'n'roll jazz y más... | Por Carlos Progduck | 

La banda inglesa Wishbone Ash goza de una buena reputación, así como de una larga discografía que comenzó en 1970 y recorre géneros como el folk, el hard, el blues y el progresivo. Este año han publicado su vigésimo octavo álbum de estudio: Coat Of Arms en el que nos muestran sus facetas estilísticas con un tono de aire refrescante donde se aprecian una sección rítmica intuitiva e ingeniosa, riffs altamente técnicos de guitarras gemelas y una vocalización acorde a las canciones.

Definitivamente un álbum de más de 61 minutos equilibrados, estilísticamente diversos y con un logro técnicamente elegante que fortalece la tradición de esta banda.

Consideremos que será uno de esos álbumes que este año llegará al gusto de las mayorías por el cúmulo de cualidades en el invertidas.

Descubramos dichas cualidades y que la música sea y permanezca entre nosotros.

SputnikDos · La Banda De Hoy... WA

Alineación:
- Andy Powell / voz, guitarra
- Mark Abrahams / guitarra
- Bob Skeat / bajo
- Joe Crabtree / batería

 

«Alza la Vista» y la introspección de Daniel Dennis

Por Erick Araujo
TW @iamaraujo10

Un sector de la música independiente mexicana ha venido a la alza gracias a propuestas que han dado de qué hablar en todo el país (Ed Maverick, Bratty, DRIMS); con sonidos, letras y fórmulas muy específicas que les han permitido sobresalir en la nueva industria musical. 

Entre esas propuestas encontramos el folk rock de Daniel Dennis, originario de Tijuana, con dos LP’s en su baraja: “Corre el Tiempo” y “Alza la Vista”. Éste último le ha permitido encontrarse a sí mismo en un viaje lleno de paisajes armónicos, melódicos y reflexivos.

“Alza la Vista” es un álbum donde encontramos que el inicio de este viaje es “Al Horizonte” para hacernos saber que no estaremos perdidos mientras mantengamos la vista hacia el lugar donde queremos llegar. Al Horizonte no sólo representa el inicio del viaje, sino el camino por el cual nos llevarán los acordes de Daniel Dennis.

El segundo track “Lo que tenga que pasar” destaca mucho en principio con percusiones que a lo largo de la canción nos llevan a un punto de algarabía musical y que pase lo que tenga que pasar. El tema concepto “Alza la Vista” es una oda a la vida, muchas guitarras, rock y una lírica que alude a la esperanza en tiempos desoladores, uno de los mejores paisajes de un álbum lleno de vaivenes, pues inmediatamente viene “Ciclo”, que deja atrás la electricidad y con cuerdas más acústicas nos recuerda que es en los ciclos lo natural es volver a empezar.

La introspección es una virtud que está presente en cada una de las letras para el oyente, en lo que fuimos y somos, encontrando “Reflejo de mi Ser” y “Pensando en Hoy”, dos canciones intermedias que mantienen esa elegía intuitiva.

Hace unas semanas, Daniel Dennis estrenó el video oficial de “Otra Noche Sin Dormir”, quizá la canción más destacada del disco y que es imposible dejar pasar por alto.

El final del viaje sólo es el comienzo de algo nuevo… Daniel Dennis cierra este material con un “Día Nuevo” tras haber recorrido paisajes armónicos y otros llenos de contrastes, la historia se renueva al empezar el día con una taza de café y una guitarra acústica, o en nuestro caso, con una buena playlist.

Sin duda alguna esta producción tiene el potencial para situarse como una propuesta fresca en el espectro musical de nuestros días con un estilo folk rock que, entre tanto ruido comercial, siempre se agradece escuchar. Daniel Dennis nos regala “Alza la Vista” no sólo como su viaje en solitario de introspección, sino también nos invita a ser pasajeros de una travesía con caminos que seguramente nos parecerán familiares o cruciales en nuestra vida; ideal para tomarnos un tiempo, pensar y serenar nuestras emociones y, comenzar una nueva historia.

Un rol con La Trola y su nuevo material «Inmortal»

La banda poblana de rocanrol "La Trola" ha anunciado el lanzamiento de su segundo material, titulado "Inmortal", que en palabras de los integrantes es una creación su propio entorno, "por muy hostil que este parezca".

“Saludos desde el Mictlán, desde las barricadas de esta ciudad, de unos parecidos a un maldito animal que no soportan más las insignias del oficial, porque todos los gobiernos se las gastan igual, somos testigos de que este mundo fue parido desde el infierno". 

Tras un lustro de la publicación de su primer álbum (La Trola, 2014), la agrupación regresó al estudio de grabación para entregar un disco que pretende llevarnos a dar un rol junto a un personaje autodenominado Inmortal, quien, valiéndose de dichos como "lo que no te mata te hace más fuerte", empieza a abusar de lo que algunos llamarían buena suerte, pero más bien se da cuenta de que todo es parte del mismo sistema, que no quiere matarle y cuelga de su teta.

Y es que La Trola, y la banda que nos escucha, somos eso: gran parte de la sociedad y clase chambeadora somos inmortales (incluso los que han colgado los Panam y se les han puesto sobre ellos las coronas heladas), pues hemos de aguantar las jornadas laborales impuestas de ocho horas (pero si dobleteas, ganas más, no seas güey), jubilarnos hasta los casi 70 añicos sin más pensión que la retribución que te dé un cliente de la comercial por empacarle su despensa, o sobrevivir con los salarios de mierda que asignan nuestros políticos (de izquierda o de derecha) enajenados siempre por el poder.

Podremos escuchar "Inmortal" de La Trola a partir de este 1 de febrero en las principales plataformas musicales y en formato físico en la presentación oficial del disco el próximo 14 de marzo en el Foro Hilvana de la Ciudad de México.

Audry Funk: libertad y resistencia deslenguada

Call me old fashioned… please! | Por Mónica Castro Lara |

Para una mujer que insiste y asegura tener un alma vieja –en muchos sentidos-, me resulta complicado acercarme e identificarme con música nueva, pero en cuanto escuché ‘Autogestión y resistencia’ de mi coterránea poblana Audry Funk, de inmediato hallé conexiones e inquietudes que hicieron que me ‘devorara’ el álbum y quisiera repetirlo cuantas veces fuera necesario para poder apreciar con más detalle su arte disidente. Compuesto de once canciones y un track introductorio, ‘Autogestión y resistencia’ es un recorrido, de más de 40 minutos, por las experiencias personales y profesionales de la cantante, el empoderamiento femenino y la compleja situación social, política y económica que atravesamos en el mundo quienes nacimos fuera del orden bio-político, generacional y territorial dominante. Si bien el disco fue lanzado en 2017, sus letras son atemporales, así como la excelente música que las acompaña: una combinación sugerente entre reggae, hip hop, soul y funk latinoamericano.

Pero antes de continuar escribiendo sobre el segundo material discográfico, es imprescindible que les comparta un poco de su trayectoria. Desde siempre, Audry Bustos Díaz ha estado rodeada de música gracias a los melómanos de sus padres (que yo quéeee); paralelo a este contexto, buscaba formas distintas de expresión, por ende no es extraño que dicha necesidad transmutara en canciones y poemas a muy corta edad. A los 15 años, forma su propia banda de reggae y comienza a hacer música independiente, al mismo tiempo que descubre poco a poco la escena hip hopera y rapera de Puebla. Tras concluir la licenciatura en Filosofía y Letras en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, toma la decisión de dedicarse al trabajo social y al activismo formando parte del colectivo ‘Mujeres Trabajando’ fundado en el año 2009, proyecto destinado a promover cultura a través de conciertos, mesas de discusión, talleres, exposiciones, entre otros.

En 2012 publica su primer álbum titulado ‘Verso… luego existo’ con trece temas y colaboraciones de DJs chilenos y dominicanos. Asimismo, inicia su consolidación como artista presentándose en distintos festivales y proyectos locales y nacionales, sin hacer de lado la lucha que implica ser mujer en un medio predominantemente masculino y sobre todo, la convicción de tener y mantener un proyecto independiente, autogestionando sus propios recursos para lograr afirmarse exclusivamente a través de su arte: “Yo entendí que el hip hop cambia vidas cuando me la cambió a mí”, expresa Audry en una entrevista del podcast “Ellas Ahora”, en donde plantea el impacto que ha tenido el escenario en su vida, quizá como el espacio para ejercer con autenticidad su activismo, un lugar de interlocución con el otro, de visibilización de la memoria, en donde la música se torna una forma de libertad, de pensamiento y de resistencia.

Es durante una gira por Estados Unidos que conoce a quien se convertiría en su actual esposo y por ello reside ahora en Nueva York, hecho que le ha permitido conocer la escena musical independiente del Bronx pero donde también se ha enfrentado con la resignificación de la palabra migrante, lo que indudablemente ha influido en sus letras y en su cosmovisión. En una entrevista para un medio poblano, aseguró que “[…] llegué a un lugar donde primero soy migrante, no artista, ni licenciada en Filosofía y Letras”. El idioma no ha sido barrera para generar nuevos seguidores a su movimiento urbano y lograr que conecten con su música, gracias a la apertura de la gente para escuchar cosas nuevas y a que de por sí, el Bronx, cuenta con una considerable población latina.

El reto para su segundo material discográfico era grande. Pasaron cinco años para su realización (2017), y en él Audry se deconstruye como mujer y como artista. Con frases ´deslenguadas´ como “haciendo poesía declaro mi independencia” y “a través del arte resistimos”, rápidamente nos hace parte de su sentir y de la política de sus inquietudes; nos enlaza –a través de beats contagiosos y trompetas estridentes- con temas como la sororidad, la desaparición forzada en México, la migración, el subdesarrollo disfrazado de progreso, la autogestión y la resistencia y, el amor propio, que podemos entender también como un acto disruptivo.

La extraordinaria voz y el valioso arte de Audry Funk, han llegado hasta Chile, Bolivia, El Salvador, República Dominicana, Ecuador y por supuesto, Nueva York. Uno de sus mayores logros, ha sido el presentarse en la prestigiosa Universidad de Harvard en 2018, en donde participó en un concierto en contra de la anulación del programa DACA (Deferred Action for Childhood Arrivals). A inicios de marzo del presente año, estuvo representando a México en Bélgica, París y en San Sebastián, en España. A través de su cuenta de Instagram, fuimos testigos de la excelente recepción de sus presentaciones en dichas ciudades y que, como bien predica, “el hip hop es crear comunidad”. Actualmente encabeza ‘Somos Guerreras’ un colectivo feminista de raperas latinoamericanas, junto con Nakury de Costa Rica y Rebeca Lane de Guatemala, cuyo objetivo principal (además de la gira musical del trío), es visibilizar y potencializar el trabajo de otras raperas y hip-hoperas latinas. En este mes de junio, se les puede ver de gira por Europa y, si a mí se me enchina la piel cuando escucho cómo corean sus letras, no me imagino qué es lo que sienten ellas.

Además de su poesía, lo más fascinante ha sido descubrir el trayecto de Audry; el reconocer sus ideales y la forma en que los representa a través de su música, su imagen, su feminismo y su autenticidad. Audry no sólo está rompiendo esquemas, sino que está construyendo sus propios paradigmas. Estemos pendiente del éxito de Audry Funk y seamos testigos de su influencia en el hip hop latinoamericano, al mismo tiempo en que apoyamos a otros artistas locales, ya que talento y compromiso hay y de sobra. Pueden descargar ‘Autogestión y resistencia’ en Spotify, así que… ¡háganlo ya!

[1] Los intérpretes o artistas de rap son conocidos como MC o, en plural, MC’s que significa “Maestro de Ceremonias”. El MC produce rimas sobre un tema en concreto encima de una base musical realizada por un DJ o un Beatmaker. 

Fuente: rap.fandom.com

Iván Montoya en directo y “Feliz”

Por Sergio Martínez

Iván Montoya Salazar (Aguascalientes, 1978) inició su carrera musical en la adolescencia, “teníamos que cubrir la materia de Artísticas y gracias a eso, conocí al profesor Fernando Edréhira, creador y fundador de un grupo legendario de música folclórica y rescate cultural llamado Ketzal. Gracias a ello, me inicié en este rollo de la música, logrando incursionar en muchos géneros musicales antes de llegar donde ahora estoy. Anduve en la onda folclórica, andina, sonera, pasé por el rock, hasta que agarré el camino de la música acústica que es donde he estado ya mucho tiempo moviéndome como músico de compañeros, o bien, con proyectos propios o en conjunto con gente del mismo medio. Básicamente el conocer al profe Edréhira fue la puerta hacia la melomanía y el adentrarme en este mundito; cabe decir que, gracias a él, tuve la fortuna de tocar en dos ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, así como acudir a un Encuentro Internacional de Música y Danza en Italia. Ha sido maravilloso ser músico, la verdad”. Con más de 27 años de trayectoria musical, Iván Montoya nos presenta su primer disco llamado: Feliz.

Cuéntanos tres momentos que hayan marcado tu trayectoria musical

El primero sería haber tocado en el mayor recinto cultural del país que es el Palacio de Bellas Artes; otro es haber viajado al viejo continente y que la música costeara andar un mes y medio por allá, y la tercera es, sin duda, tener por fin mi material de canciones propias.

¿Cuál ha sido tu mejor momento como músico?

Sin lugar a dudas es ahora. Antes trabajaba de diferentes maneras cuando tocaba para otras personas, ahora tomo las decisiones yo, así que en este barco puedo ser el marino, el polizón, pero también el capitán.

¿Cuál ha sido tu peor experiencia como músico?

No sé si sean malas experiencias o no, simplemente hay tocadas que no son tan certeras como quisieras, pero al día siguiente analizas desde una perspectiva diferente y te das cuenta que cada error son áreas de oportunidades para crecer, encuentras los detalles y tiras pa’lante. Esta es una carrera de tirar mucho la cuerda más nunca de aflojarla.

¿Cuáles son tus influencias musicales?

Me gusta un poco de todo, es necesario saber cómo se compone musicalmente un tango para poder intentar crear uno; así sucede con todos los géneros. Me encanta el bolero, José Alfredo Jiménez, me llama mucho la atención un cantautor español llamado Luis Ramiro, y bueno, también están esos grandes monstruos como Sabina, Serrat, Silvio, Fito, Calamaro y todos esos que ya sabemos quiénes son y de quienes todos mamamos. Me he aferrado también a Chava Flores, Tin-Tán y, últimamente, ando escuchando los proyectos locales, me he encontrado muchas buenas sorpresas.

¿Cómo nace el proyecto de tu disco Feliz?

El proyecto se va gestando desde mucho tiempo atrás, incluso podría decirse desde que estaba en La Ralea, pero un detonante fue el Instituto de Cultura de Guanajuato, que me invitó a participar en Encuentros de Cantautores y para mi sorpresa, me vi tocando en el Teatro Juárez unos meses después de haber sido invitado, todo ese movimiento me alentó a ponerme las pilas y decidirme a hacer Feliz. A la par, mis cercanos, no dejaban de decirme que grabara algo, que ya era momento de dejar un testigo del trabajo propio que muy pocas personas conocían, así es como nace Feliz, después la suma de talentos fueron los que hilaron todo el disco que ahora me cobija.

Varias canciones del disco son de tu autoría, otras las firmas con otros compositores, y un par son de Agustín López Velarde; un corrido, varias baladas, historias de amor, de reproches, estampas urbanas, un homenaje a un cantautor español ¿de dónde viene las historias de tus canciones?

Las canciones nacen de muchas cosas, soy muy voyeur, me gusta observar todo, prácticamente mis canciones vienen cargadas de vivencias más o menos reales, obviamente con sus dosis de inventiva, otras son totalmente invenciones que nacen a partir de una frase, por ejemplo, en Feliz hay una canción que se llama “El ranchero desvielao” y es de las pocas canciones que escribí al hilo cuando ya estaba produciendo el disco, salió de una sentada y es una historia creada de la nada, curiosamente me hacía falta un tema en tono de broma para el disco y al  momento de irla escribiendo se fue dado ese tenor. Las canciones se cargan de historias, reales o no, pero siempre con el sello distintivo de quien las crea. Como dices, hay coautorías y se notarán los lápices de las manos que intervienen.

En estos tiempos tan violentos donde parece que el mundo se derrumba y deshumaniza hay una canción para tus hijas, hay una estrofa que me gusta mucho, dice: “cómo les digo que en sus venas, ahí me llevan a vivir en su futuro”, incluso en esa canción tu voz se escucha completamente diferente a las otras canciones del disco, ¿Qué te supuso escribir y cantar esa canción?

Esta canción no estaba prevista ni creada cuando estaba grabando el disco, pero algo me decía que tenía que dedicarles una canción a mis hijas por el simple hecho de que ellas son mi mejor creación, son mis mejores canciones. La canción la escribí para tratar de legarles algo más allá de educación a mis hijas, es una manera de comprometerme en su futuro a que yo voy a seguir siempre a su lado y es una manera de decirles que las amo. En la canción se toca el tema de la permanencia eterna, de estar con ellas hasta el fin, y metafóricamente la canción hace eso, es simplemente una promesa de que iré con ellas al futuro, aunque ya no estemos su mamá y yo físicamente. También conlleva una bendición diaria por decirles que vivan al 100 y que tengan siempre un gran día. Supongo que es mi manera de serles eterno.

En el horizonte musical en el que has desarrollado tu carrera musical, se te identifica por tu estilo de tocar la guitarra, específicamente tu requinto; las canciones de tu disco imbrican eficazmente letra y música, incluso hay unas segundas voces muy sutiles que se escuchan deliciosas, las cuerdas, las percusiones… ¿por qué tu requinto solo se escucha en la primera canción? y ¿cómo lograste darle este sonido multicolor y brilloso a tu disco?

Se escucha más, solo que muy veladamente. El estilo es algo que se ganan con los años, no lo digo yo por ser bueno o malo, lo dice la gente que te escucha, hay veces que va sonando una canción y la gente dice, ese es tu requinto Iván, y en efecto lo es, supongo que eso se gana con los años y es algo muy bueno, pero para mi disco no quería eso, no quería que sonara todo a Iván, yo quería un universo musical multisonoro, no quería una misma línea y es por eso que me hice un poco a un lado, no de la producción, pero sí de la ejecución y quise que mis amigos le dieran ese otro color que por naturalidad no le podía dar yo, si te fijas en los coros, el color sutil que dices lo hace especial, al igual que los otros requintos, o la armónica de Pel, la trompeta de Fercho o el acordeón mismo, yo quise que el disco funcionara con una gama de colores diferentes a los que yo estoy acostumbrado a darles. Supongo que esa fue la magia de que suene tan bien.

¿Qué fue lo más difícil durante la grabación del disco?

Lo complicado fue juntar a tantos músicos, no por las ganas o fuera de ellas, sino por los tiempos tan apretados de todos. No se si sepas, pero todos son músicos reconocidos de aquí (Aguascalientes) y de la república y, por ende, todos andan con mil actividades. Yo les agradezco su tiempo y su creatividad, la verdad es que hicieron de Feliz un disco que ni siquiera yo lo hubiese soñado.

¿Qué fue lo que más disfrutaste durante la grabación del disco?

Lo mejor fue cuando mezclamos Agustín López Velarde y yo, entre ambos producimos el disco, salvo el tema “Y sí” que lo hizo Luis Miguel Aguilar; pero ir armando y empezar a detallar donde colocar los sonidos fue un deleite, y es que las posibilidades se generaban por los gustos y entonces entre las pláticas con Agus y la manera de resolverlas, ¡uy!, es un agasajo, no me lo vas a creer Sergio, pero me gusta más estar produciendo, grabando, quitándole, poniéndole que estar tocando en un escenario,  estar tras los aparatos y comenzar a sumar o restar ejecuciones es lo que más me agrada.

¿Por qué se llama Feliz?

Se llama así no por algún tema del disco sino por un estado de ánimo. Tengo cuatro años de mi vida viviendo en ese estado, mi vida ha cambiado para bien y es algo que agradezco y supongo que mis cercanos lo hacen también. Antes era más aprensivo en muchas cosas, ahora ando de liviano por la vida, he dejado de desvelarme como antes, ya no me reviento dos días de juerga, vamos, me he guardado para ser feliz, descubrí que perder gloriosamente mis horas de sueño en bares hablando pelotudeces era algo que era necesario hacer en la vida, pero no eternamente. Ahora disfruto a mis hijas, vivo de día, me encanta dormir, vamos, ando en un modo light y andar así es estar Feliz. El disco no lo pude haber sacado antes de abrevar todo lo que te platico, era necesario envenenarme para luego curarme en salud y poder decir con franqueza que vivo Feliz y que mi trabajo musical me acompaña.

¿Cuándo lo presentas en sociedad?

El disco se presentará en Peña El Sur, el próximo 29 de junio de 2019. Estaré acompañado de prácticamente todos los músicos que grabaron, así que será una reunión o comitiva especial para quienes vayan a escucharnos. Trataré de narrarles los porqués de las canciones y haremos una noche entre amigos donde cantaremos las canciones del disco y celebraremos con un par de copas la dicha de estar vivos y de ser felices. En la apertura tendremos a un chavito que anda con todo, se llama Alex Márquez. El costo del boleto por el show es de 60 pesitos y si quieres llevarte aparte el CD, el costo del show más el CD es de 120 pesos, bastante módico para que toda la gente tenga acceso a él.

¿Algo que quieras agregar y no haya preguntado?

Que los invito a que me escuchen por las principales plataformas digitales, ya estamos presentes ahí y que toda la gente trate de apoyarnos a quienes somos autogestivos, hay mucho talento y mucha música hidrocálida que vale la pena, hay que darse un clavado a las propuestas y ver que las cosas se hacen bien, llevan corazón y sobre todo son honestas. Gracias a ti Sergio por esta entrevista, pero sobre todo por contribuir para la cultura, para Aguascalientes y para las letras. Abrazos amigo.