Crónicas Fabrizianas; entrevista con el escritor Fabrizio Mejía

Telemetría | Por Jaime López Blanco |

Nos recibe con notable entusiasmo y sencillez, así como la primera vez que lo conocimos en persona. Su habitual curiosidad hace que pregunte sobre una bolsa de plástico que mi compañera lleva en las manos. Se trata de un humilde obsequio para él, para el escritor Fabrizio Mejía Madrid. ¿El motivo? Agradecerle la buena actitud y detalles que ha tenido para con nosotros, ya que nos ha apoyado mucho con datos novedosos y opiniones relevantes en materia de política, periodismo y cultura. No cualquiera lo hace, y menos en una forma tan inolvidable y brillante.

Las palabras y narraciones de Fabrizio casi siempre se caracterizan por encontrarle espacio justo a las digresiones, lo que produce que te enteres de peculiaridades o episodios poco conocidos de los personajes sobre los cuales se esté charlando. Todo esto en medio de la inseparable aura de humo de tabaco que le acompaña. Por ejemplo, al versar sobre “Nación TV”, Fabrizio saca a la luz hechos o momentos prácticamente inéditos, claroscuros de las vidas de famosos como Raúl Velasco o Víctor Yturbe, “El Pirulí”. Asimismo, cuando platica sobre las políticas culturales más destacables de la actual administración federal, no tiene reparo en dar cuenta de las decisiones contradictorias y polémicas tomadas por Raúl Cremoux, el otrora director de Canal 22, cuya gestión generó más negativos que positivos para dicho canal público.

Grosso modo, así es Fabrizio. Un hombre sin “pelos en la lengua”, aunque con muchos pelos en la cabellera. La alopecia o la falta de lucidez en sus respuestas no son cuestiones por las que tenga que preocuparse. Es indudable su genio al unir los vocablos, los cuales desembocan en frases llenas de verdad o en enunciados rebosantes de ironía. Lo mismo puede “sacarnos” una gran sonrisa al narrarnos sus aventuras con una trabajadora sexual (véase la revista Proceso), como al compartirnos sus pininos en el periodismo.

Nuestro más reciente encuentro tuvo como motivos el hablar sobre cultura; ahondar en consejos para la buena escritura y el admirable periodismo y; dialogar sobre las dinámicas que han caracterizado a las políticas culturales de Peña Nieto (si es que existen). De eso trata la presente entrevista. De construir comunicación digna y duradera junto con un especialista en la misma. Espero que la disfruten mucho, al igual que nosotros lo hicimos. Mucha tinta más para el genial escritor y periodista Fabrizio Mejía.

Visita a un mundo feliz

Pirotecnia Verbal | Por Tuto Flórez |

¡Oh qué maravilla!

¡Cuántas criaturas bellas hay aquí!

¡Cuán bella es la humanidad! Oh mundo feliz,

en el que vive gente así.

Aldous Huxley

Es inevitable no cuestionar esta última afirmación: vivimos más y más felices en la época más metafísica que haya existido jamás. ¿Realmente estamos en un estado ideal, dentro de la existencia social humana?

Que acaso al hablar de la existencia de una metafísica supra-orgánica, no es dar rienda suelta a los postulados de la antropología cultural que defiende de manera enconada una especie de evolucionismo social. Asume entonces, el grueso de la población civil, que es merced a la tecnología que se ha producido el gradual desarrollo social, el cual fue facilitando la transición de las sociedades de estado primitivo, hacia entornos sociales civilizados con el pasar del tiempo. Si esto es así, entonces autores como Huxley, simplemente lograron anticiparse en espacio y tiempo a través de una narrativa que plantea no el mundo soñado, sino una distopía, que revela una especie de sueño (el sueño del desarrollo a expensas del mal llamado progreso tecnológico, de los avances e interacciones entre técnicas y teorías) o realidad suspendida, que a todas luces, es el punto en el que nos encontramos como especie y como civilización.

Cuando el grueso de la población, habla con cierta liberalidad sobre los aportes de la tecnología a la fecha, a este siglo, primero debería tratar de atisbar, que la tecnología que es empleada, usada y manipulada por la mayoría de personas, no es más que Tecnología Disruptiva, tecnología de mercado, de entretenimiento; cuyo problema de base no es tanto la obsolescencia programada, sino ante todo, su naturaleza aislante.

Algún analista social o más bien algún ingeniero social, ya planteó en relación con la tecnología y los riesgos derivados de esta, que por primera vez en la historia humana, estamos de manera ambivalente conectados y desconectados. Persuadidos por medios electrónicos, por dispositivos cuya función base pareciera ser el mero entretenimiento, nos interrelacionamos de forma abrupta, con medios tecnológicos, que no entendemos y no pretendemos comprender, nos basta sólo con usarlos.

Surge entonces la necesidad de cuestionar, de cuestionarnos a nosotros mismos, con el fin de saber, si: ¿realmente vivimos más felices? O sólo estamos a propósito de las esferas sociales, de los limitados círculos de lo cotidiano en los cuales trascurre la rutina de los días; inmersos en una burbuja social y de manera conexa conectadas a otros dentro de una gran burbuja artificial que permite el mantenimiento de la estructura social, merced a una cohesión colectiva, donde todos más o menos, vivimos el mismo sueño, nos hallamos inmersos en la ilusión del cambio, de la transición, de la evolución social, mientras somos entretenidos y maravillados con productos de ciclo corto. ¡Oh qué maravilla! Estamos tan cerca tan lejos, de nuestro añorado mundo feliz...

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El autor: Tuto Flórez, nacido en el departamento de Santander, en la caótica y convulsionada, pero hermosa tierra del suramericano país llamado Colombia. Melómano consumado, amante del rock, de la música hecha con sentido, sobre todo de los años noventa y la cultura underground. Cinéfilo por convicción. Crecí entre los textos, de Henry Miller, Charles Bukowski, Allan Stewart Königsberg más conocido como Woody Allen, H. P: Lovecraft y Allen Ginsberg. @tuto201333

“Mexican Gangster” y “Made in Bangkok”: Entre rozones de bala y cambios de sexo

Cinetiketas  | Por Jaime López Blanco |

Una es ficción basada en hechos reales; la otra es un documental acerca de una realidad emergente e ineludible. Una es contada en clave de película de acción mientras que la otra es narrada como una especie de crónica individual o epopeya dramática moderna. Una se desarrolla durante la década de los 80; la otra encuentra voz y planteamiento en un periodo contemporáneo. Mientras que una fue estrenada en un gran número de salas comerciales de nuestro país, la otra apenas pudo verse en el más reciente Foro Internacional de la Cineteca Nacional. ¿De qué filmes estamos hablando? Pues de “Mexican Gangster” y “Made in Bangkok”, respectivamente. Ambas producciones con denominaciones en inglés, pero centrados en personajes netamente mexicanos... y encantadores.

La primera película, “Mexican Gangster. La leyenda del Charro misterioso”, comienza con una invitación del protagonista a la audiencia para que cierre sus ojos e imagine la casa de sus sueños. ¿Apología del delito? Quizá solamente un recurso narrativo para enganchar al respetable desde el principio. “Mexican Gangster” es una producción espectacular de Lemon Films que tiene su mayor virtud en la manufactura artística. Excelsa fotografía; irreprochables efectos visuales; impecable diseño sonoro y efectos de audio; simpático soundtrack de antaño; virtuoso diseño de arte y gran vestuario; sumado todo ello a una atractiva producción y a un elogiable elenco actoral.

Tenoch Huerta brilla en el sutil retrato que logra hacer del asaltabancos más buscado de los años ochenteros mexicanos, Alfredo Ríos Galeana, al erigir una especie de “Robin Hood” tropicalizado con mucho carisma y demasiada gracia. Tenoch da cuenta de un estudio acertado del personaje al incorporar los gestos y la manera atropellada de emitir discursos del propio Galeana, quien padecía de una peculiar fascinación por los medios de comunicación y por jactarse de ser un buen orador.

Por otra parte, Noé Hernández (el “Canelita” de “La Tirisia”) también destaca como la fiel “mano derecha” del protagonista en el metraje en cuestión, el cual es dirigido por José Manuel Cravioto. Asimismo, Rocío Verdejo representa de manera cabal a una periodista que sirve como el hilo narrativo principal de los eventos fundamentales de la película. Marco Pérez y Gerardo Taracena complementan adecuadamente el trabajo de sus compañeros, mientras que Paola Núñez tiene uno de los mejores diálogos y escenas del film.

Quizá el único “pero” que se le puede hacer a la nueva producción de Billy Rovzar es la ausencia de mejores líneas argumentales, así como la necesidad de una mayor profundidad al desarrollar algunos resortes emocionales y detalles del protagonista tales como: un mayor coqueteo con su mejor amante, la prensa; una crítica más amplia hacia los ladrones realmente más perjudiciales, los bancos; una mejor edición de contraposición para emparejar a Alfredo Ríos Galeana con su antagonista (el polícia); mejor maquillaje (y photoshop) en el cambio de nariz de Galeana y; un montaje que nos dejara un mejor “sabor de boca” respecto a la preferencia de Galeana por apretar el gatillo de su arma, en lugar del apretón de dedo de su hijo recién nacido.

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En relación a “Made in Bagkok”, la oportunidad de seguir a “Morgana” en su viaje físico y emocional, en su transición de mujer transgénero a transexual, con motivo de un certamen de belleza efectuado en Tailandia, se vuelve un atractivo “plato fílmico” que se digiere gustosamente, el cual es cortesía del director y escritor Flavio Florencio. Poco a poco vamos convirtiéndonos en los cómplices de las ilusiones del personaje central, deseando que cumpla sus expectativas.

Sin embargo, “Made in Bangkok” lucha constantemente con su técnica de filmación, factor que puede afectar el gozo de su premisa. Se perciben los constantes movimientos drásticos de cámara; las escenas con la luz “quemada” y; los atropellos en la recopilación del audio. Es decir, “Made in Bangkok” pone en la mesa cinéfila la eterna polémica entre la esencia y la apariencia; ¿qué es lo que hace a un film un buen producto, su forma o su fondo?

De momento, un servidor escoge el fondo, debido a que la protagonista “Morgana” es un ser tan contagioso, amable y sensible, el cual te hace sentir empatía con su causa, la causa de un maravilloso microuniverso que muchas veces ignoramos. Además, el descubrir el talento de “Morgana” para el canto de ópera y percibir su constante sonrisa hacen que “Made in Bangkok” sea una experiencia más que disfrutable.

Igualmente, el documental en turno tiene otro punto a su favor en esos personajes secundarios que aparecen enfundados en batas blancas o con los ojos rasgados, unidos por un sentimiento de solidaridad. Asimismo, de entrada, la exposición de temas complejos o espinosos para una nación caracterizada por su mala educación sexual, convierten a “Made in Bangkok” en un testimonio audiovisual con interesantes y benéficas repercusiones informativas.

Letrinas: SPC

El reino de las bestias | Por Mariana Quezada | 

 

Apenas escucho el sonido chillante y siniestro de lo que parece una melodía que antes solía darme paz. He salido de mi cuerpo de grava y metal, los sonidos caóticos parecen abrumadores. No tengo ojos ni oídos, solo percibo ondas de luz y sonidos que no tienen ningún sentido, hasta que olvido el idioma que me contiene y así mismo a mi propia historia también. Sé que voy a dormir en el reino de la locura y el vacío cuando despierte esta noche del trance, el contexto del sonido altera su frecuencia.

La música se purifica resonando y amplificándose con compasión, se transforma en una voz que me canta afable al oído sobre la forma de una espiral mientras tomo nota de no olvidar cortar unas flores para regalarle al viento en octubre. Su voz se convierte de nuevo en ruido cuando me pierdo en mis pensamientos, en el ruido de un recuerdo dulce, en el recuerdo borroso de mi paso por el mundo de alguien más…

…en nada y luego se apaga.

Me alegra haber explorado el mundo con este aire gallardo tan ácido, me complace haber estado en lo alto y profundo de mis más grandes sueños y mis más terribles pesadillas sólo para darme cuenta que lo único que hacía la diferencia no eran ni el guion ni los colores, siempre había sido también el contexto, porque la náusea no es más que el repudio que se tiene sobre sí mismo; la locura, la cordura, los sueños las mentiras y sobre todo el amor, sólo son algunos conceptos subjetivos que ahora incendian con alevosía los bosques que formaban mis garras y erosionan la tierra de los ríos en mis venas por abundancia o por ausencia.

Cuando se me termine la piel y la sal de las lágrimas secas caiga de mis mejillas con el tiempo, la sensatez se evanecerá igual que tus ojos de anguila que sólo saben mirar cuando no hay luz, igual que la carne de tus manos entre las uñas de tus puños cerrados, igual que con todos esos besos desperdiciados tratando escapar de la fatal coincidencia de mi universo fantasma en el tuyo de azúcar y absenta. Me fumo otro cigarrillo, sé que eventualmente terminare dejándolo igual que a todo lo demás.

El infortunio que causan el amanecer y el anochecer entre la noche y el día no es más que un burdo ejemplo de que en este universo que me he inventado no existe la atemporalidad. Todo tiene su momento y su lugar, igual que tú el tuyo y yo el mío, en el mismo espacio y tiempo pero en diferente dimensión y por supuesto, bajo diferente contexto. Entonces cariño mío ¿Qué eres? ¿Un sueño o una pesadilla? ¿Una realidad o una mentira?


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La Autora: Bestia que camina por los escarpados senderos de la vida siempre en busca de nuevas metas. Reina de sus propias bestias y de las que se pongan en su camino también. Explosiva, impredecible, indomable. Bióloga en formación, vocal estudiantil de la Sociedad Mexicana de Zoología, anti taurina, siempre a favor de la vida, locutora de radio y conductora de televisión, cantante y escritora, ávida de destapar cada frasco de vida en el estante.

5 canciones con referencias literarias ¡de terror!

Sputnik Books | Por Ale Arévalo | 

Hace tiempo ya había hecho un video con canciones que están basadas en libros, hice una nueva versión recopilando canciones basadas en textos de terror o similares. Espero les guste y si tienen una nueva recomendación, es bienvenida.

Alejandra Arévalo nació en Monterrey y ahora vive en la ciudad de México. Es egresada de la carrera en Letras Mexicanas por la UANL. Después de ser promotora cultural en el proyecto Biblionautas, decidió incursionar como Booktuber porque #YOLO y creó: Sputnik, un canal en el cual se ha enfocado en recuperar el amor por los clásicos así como por autores mexicanos. Además de esto ha desarrollado una pasión por hacer memes literarios, sí, memes.

Aquí encuentras a Alejandra:

Canal YouTube:

https://www.youtube.com/channel/UCPDjcnSwHnKOBSFhdEgiRow

Página de Facebook:
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Twitter:
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Goodreads
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Tumblr
http://sputnik101.tumblr.com/ 

Woodkid: música de alta tensión

Lost Sounds from Europe | Por José Alberto García |

@JoseAlberto_GP

 

¿Quién es?

Yoann Lemoine, más conocido como Woodkid, es un compositor, cantante, productor y diseñador gráfico de Lyon, Francia.

¿Estilo?

Baroque pop, Neofolk, Experimental. Y “experience” lo llamaría yo, porque escuchar su álbum “The Golden Age” es toda una experiencia, cincuenta minutos que no te dejarán indeferente. Si lo oyes con auriculares y la habitación en penumbra es posible que pases de sentirte sosegado a eufórico, de melancólico a triste, y después, de enamorado a sosegado otra vez. Una cosa está clara, cuando termines desearás volverlo a escuchar, o no volver a él durante un tiempo. Y esto es porque la experiencia puede ser muy intensa. Es decir, no es un disco para oír en cualquier ocasión, no es música “de fondo”, no es música para cocinar o limpiar. Es música para detenerte a sentir todo lo que te puede transmitir.

¿Álbumes? 

The Golden Age (2013, Green United Music): catorce temas cantados en inglés (aunque la pronunciación en bastantes ocasiones es desastrosa) y plagados de redobles de tambores, orquesta, percusión, piano y violines.

Temas que bien podrían todos ser bandas sonoras de películas de todo género. Si sueles escribir (o simplemente te gusta imaginar) este álbum te transportará sin límites a incansables ríos de escenas en tu mente, un filón si quieres acabar ese capítulo que se resiste de tu nueva novela.

Es posible que en los primeros segundos prejuzgues a la música de este autor de “intensa” o “depresiva”, pero te invito a que aguantes unos minutos, te relajes, y dejes que entre en tu alma, que te escarbe, que te remueva por dentro. Quizá saltes de emoción, rías o llores. Pero, seguro, que algo debes de sentir.

Te gustará si te gusta…

The Irrepresibles, Lana del Rey, Tom Odell o Lykke Li, por ejemplo. En general, si huyes de lo comercial y lo lineal, de la música sin fundamento, sin sentimiento, Woodkid es tu chico.

¿Cómo lo descubrí?

Pues creo que llegué a él por Lana del Rey (bendita seas, Lana), ya que Woodkid ha dirigido los aclamdos vídeos de ‘Born to die’ y de ‘Blue Jeans’, ambos de su amiga neoyorquina. Además, ha dirigido vídeos para Katy Perry, Drake, Moby o John Legend, entre otros.

Como ves, el talento de Woodkid llega hasta la dirección de vídeos. Y con los suyos propios también se ha encumbrado de éxito. Los vídeos de ‘Run boy run’ y ‘The Golden Age’ (este último en versión junto al aclamado alemán Max Richter) han sido nominados a los Grammy en 2013 y 2015 respectivamente.

Sus redes sociales oficiales son:

Facebook: https://www.facebook.com/WoodkidMusic?fref=ts

Twitter: https://twitter.com/Woodkid

Instagram: https://instagram.com/woodkidmusic/

Sus directos son simplemente apabullantes:

La hermosa Carole King

Call me old fashioned... please! | Por Mónica Castro Lara |

Y bueno… en mi necedad por equilibrar más la balanza de mis artículos, y porque obviamente las artistas femeninas son igual de maravillosas y talentosas, en esta ocasión les hablaré sobre la encargada de crear uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos y el lugar número 36 de los mejores 500 según la revista Rolling Stone: Carole King.

Mi primer acercamiento con la música de Carole, fue gracias al concierto de VH1 Divas del año 1998, en donde ella apareció como artista invitada e interpretó al lado de Celine Dion, Gloria Estefan y Shania Twain su éxito “You’ve Got a Friend” y a una pequeña Mónica de nueve años le agradó bastante. Claro que ahí la obsesión de una servidora era “My heart will go on” de Celine, peeeero, afortunadamente los gustos musicales evolucionan y de muy buena manera.

Pianista, cantante y compositora, Carole merece todas y cada una de nuestras ovaciones, no sólo porque su música es excelente, sino porque en verdad logró abrirle las puertas a muchas mujeres en la industria de la música por ahí de los años 50, 60 y 70. Chequen estas fantásticas cifras: ha co-escrito unas 400 canciones que han sido interpretadas por mil artistas diferentes y "Tapestry" se mantuvo en las listas de popularidad durante sies años... ¡seis  años completos! A mí me cuesta trabajo escribir mis artículos porque según yo me distraigo fácilmente y carezco de inspiración por momentos y ella, con una mano en la cintura y otra en el piano, tranquilamente escribió ese montón de canciones. Es un don señoras y señores, sin duda alguna.
 

Los invito a que vayamos entrando un poco en su biografía y a que corran a escuchar alguna de sus canciones para irse ambientando. Mi hermana me hizo el enorme favor de poner "It's too late" (gracias Elito). Bueno, empecemos: mi amiga Carole nace en Nueva York un 9 de febrero de 1942 en el seno de una familia judía bajo el nombre de Carole Klein. A la corta edad de cuatro añitos, se acerca a un piano que pronto se vuelve su mejor amigo para toda la vida. Seis años después y con mucho ímpetu, Carole dominaba ya las teclas (sin albur, eh) y comenzaba a componer sus primeras canciones con tintes adolescentes, o sea muy tiernitas, quiero imaginarme. Ya después de un par de años, se junta con su amigo Paul Simon para grabar algunos demos por un par de dólares. O sea... Su amigo Paul Simon. Casi como Barbra y Neil Diamond, así... casual. Digo, yo quiero muuuucho a mis amigos, pero hasta ahora no he tenido la oportunidad de tener a un Paul Simon o Neil Diamond en mi vida, aunque ésta da muchas sorpresas, así que seguiré esperando.

Para estas alturas, la música era un camino inevitable para Carole y es aquí cuando cambia su apellido a King, que aunque no esté escrito en femenino, vaya que sí refleja lo reina que es. Acá vuelve a aparecer un poco la historia de las madres judías: King quiere por todos los medios tratar de vender sus canciones a las disqueras del momento y su mamá medio se lo prohíbe, argumentando que era muy chica y que ese mundo del espectáculo y la música, no le traería nada bueno. Como era de esperarse, a Carole le importa poco y se aventura a hacerlo y obtiene una respuesta más o menos positiva. Posteriormente, entra a la universidad y ahí conoce al hombre que sería su compañero de letras, el gran amor de su vida, el papá de sus hijas y el que la inspiraría a escribir sus mejores canciones: Gerry Goffin. Tras trabajar juntos en algunas canciones y notar la excelente química que tienen, se involucran sentimentalmente y, tras la noticia del embarazo de Carole a los 17 años, ambos abandonan Queen's College para conseguirse unos trabajillos por ahí y comenzar a formar una familia, pero nunca dejaron a un lado esas ganas de componer. Tras varias canciones que fueron un rotundo fracaso, escriben "Will You Love Me Tomorrow" y, así como siempre escribo, el resto es historia. Si ustedes me preguntan, me gusta muchísimo más la versión de esta canción interpretada por la misma Carole, que la de "The Shirelles"; la voz de King junto al piano, hace que la canción sea mucho más melancólica y que la letra sea más significativa, al tratarse sobre las inseguridades que muchos hemos sentido al lado de nuestras parejas, mas no una canción para ponernos a bailar una coreografía sesentera… come on people!

El chiste es que tras ver la enorme respuesta que les brindó la canción, Carole y su entonces marido abandonaron sus trabajos mediocres y se dedicaron a componer de tiempo completo. Comenzaron los éxitos y también los excesos para el dúo dinámico, sobre todo de parte de Gerry: una lista extensa de numerosas amantes junto a una fuerte adición a las drogas que le producía cambios de humor constantes. Bueno, en medio de ese torbellino de cambios, componen una icónica canción que muchas mujeres hemos cantado a todo pulmón con o sin dedicatoria: "Natural Woman (You Make Me Feel)". La primera artista que la interpretó fue la gritona por excelencia Aretha Franklin; sí, lo siento, es una gritona exagerada de lo peor y nuuuunca me ha gustado su estilo, nunca. Y la canción es otra que disfruto muchísimo más en las manos de su autora. Si no me creen, vean el video de uno de los conciertos de Carole (de hace unos cuántos añitos) en donde literalmente está ella al piano interpretándola con todo el sentimiento necesario para hacerla una maravillosa canción, sin gritos, ni trompetas, ni nada por el estilo. Otro punto a favor de mi amiga.

Tras componer para distintos artistas, el matrimonio entre King y Goffin se hace cada vez más distante y problemático. Corren los rumores que en alguna ocasión, la pobre Carole (por no decir, la pen..ja Carole) lo acompañó a comprar una casa para una de sus amantes. ¡El colmo de la dignidad humana! Era obvio que esa relación no acabaría nada bien y terminan divorciándose en el año 1968.

Después de ese episodio, se embarca a luchar contra sus propios miedos y tras recibir el apoyo de varios amigos y compañeros, comienza a componer canciones por su cuenta. Graba su primer disco como solista "Writer" que se termina siendo un fracaso, pero eso no la desanima. Después de mucha producción y ayuda de varios profesionales como James Taylor y Joni Mitchel, nace "Tapestry", la excelencia hecha álbum. Personalmente, es uno de los pocos discos que en verdad puedo escuchar de principio a fin, cantando o tarareando las 12 canciones que lo componen, sin adelantar tracks e incluso repitiéndolos sin temor a hartarme. Además, ¡la manera en la que empieza! El piano de “I feel the earth move” inmediatamente te pone de buen humor y te hace sentir enamorado aunque ni lo estés. Creo que eso es lo que tiene el álbum: dan ganas de dedicar las canciones a cualquier pelafustán que pasa en la calle o a ese o esa ex que nos hicieron el corazón chiquito o regresar con muchas ganas a casa o incluso a esos amigos mal agradecidos, pero nada de eso importa cuando escuchas canciones como “Where you lead”, “Home again” o “So far away”.

Desafortunadamente, me atrevo a decir que ese es el trabajo más representativo de Carole King, a pesar de que ella siguió grabando muchos discos y escribiendo para diferentes artistas o soundtracks de películas, pero también me da gusto que a ella no le moleste ese hecho. ¿Cuántas bandas o artistas conocemos que les chocan las canciones que los hicieron famosos y rehúsan a cantarlas en sus presentaciones? Se me viene a la mente Extreme con “More than words”. Pero Carole no es así, sino todo lo contrario y francamente se lo aplaudo con hartas ganas. Sabe que ese disco le dio la fama y el éxito por los que tanto luchó, que influyó a cientos de artistas, que le permitió hacer lo que más amaba, le quitó su miedo escénico, reafirmo su talento vocal y como escritora y se ha ganado un montón de premios (hasta la fecha). Imagínense que hasta Broadway escribió un musical biográfico titulado “Beautiful: The Carole King Musical” interpretado por una talentosa Jessie Mueller que no sólo tiene la voz muy similar a la de King, sino que físicamente también son muy parecidas. El musical incluye sus mejores 28 canciones y se rumora que están pensando en hacerla película debido al éxito que han recibido, así que estoy abierta a recibir sus agradecimientos cuando eso pase.

“You’ve got to get up every morning with a smile on your face and show the world all the love in your heart. Then people gonna treat you better, you’re gonna find yes you will, that you’re beautiful… as you fell” es la estrofa con la que todos deberíamos de despertarnos cada mañana y les apuesto a que cambiarían nuestros días por completo. Dejemos que nuestra amiga Carole nos cante “Beautiful” día tras día y nos sintamos tan hermosos como ella lo es. 

"Segundas Vueltas" para revalorar el buen cine hecho en México

Cinetiketas | Por Jaime López Blanco |

Con el título “No quiero dormir sola”, de la realizadora Natalia Beristáin, arrancó este 23 de octubre el ciclo de cine denominado “Segundas Vueltas”, el cual tendrá tres sedes de exhibición. Dicho ciclo tiene como objetivo darle una segunda corrida a 25 películas mexicanas de gran calidad, estrenadas entre 2011 y 2014, así como otorgarle una nueva oportunidad a un público carente de propuestas artísticas diferentes y atractivas.

“Segundas Vueltas” tendrá como sedes a “Casa del Cine”, en el centro de la Ciudad de México; “Casa Nueve”, en el municipio de San Andrés Cholula, Puebla y; Foro Cultural “Kinoki”, en San Cristóbal de las Casas, Chiapas. Es una iniciativa gestionada a partir de fondos otorgados por el EFICINE. Las cintas programadas contarán con 15 días de exhibición  en cada una de las salas señaladas, con una función diaria (al menos) más diversas funciones al aire libre. 

Al respecto, Alfredo Atala, uno de los responsables del lugar “Casa Nueve”, ubicado en el Estado de Puebla, comentó que por iniciativa de “Casa del Cine” y Carlos Sosa recibieron  el proyecto de “Segundas Vueltas”, del cual opinó que “le trae mucha vida al espacio, pero en realidad también trae mucha vida al espacio cinematográfico nacional”. Atala también agradeció y reconoció el esfuerzo de Fernanda Ríos, Mónica Gaona, Daniela Rivera y Mariana Pelaéz por sostener y darle continuidad a un foro como el de “Casa Nueve”.

Entre los invitados especiales a la presentación de “Segundas Vueltas” en Puebla estuvieron directores de gran nivel como Kyzza Terrazas (“El lenguaje de los machetes”) y el documentalista Carlos Hagerman (“Vuelve a la vida”; “Los que se quedan”; “El patio de mi casa”). Terrazas señaló que sería interesante mirar a Segundas Vueltas no únicamente como un apoyo al cine mexicano, sino que “el Estado mexicano está inviertiendo en algo que no está llegando a la gente que tiene que llegar”. Asimismo, destacó que las 25 películas integrantes del proyecto en comento son “vehículos de reflexión, son vehículos en los que intentamos refejar no sólo intereses personales, sino también el contexto en el que vivimos”.

 

Por su parte, el realizador Carlos Hagerman platicó de su vínculo especial con Puebla: “Para mí, Puebla, ha sido un lugar muy importante en mi vida. Mis padres, cuando yo tendría 13 ó 14 años, empezaron a relacionarse con un proyecto en la Sierra Norte de Puebla, en un lugar que se llama San Miguel Tzinacapan, que está al lado de Cuetzalan”, agregando lo siguiente: “Empecé a conocer la realidad indígena de nuestro país, y desde entonces he estado cerca de estos proyectos. Y ahora, con El patio de mi casa, regreso a lo importante que ha sido en  mi vida, acercarse a un México que mucha gente no conoce”.

Hagerman presentará “Vuelve a la vida” dentro de “Segundas Vueltas”. Aprovechó  para anunciar que participará en la edición 2015 del Festival de Morelia con su nueva obra, “El patio de mi casa”, cuyo estreno está previsto para enero del próximo año, bajo la distribución de ND Mantarraya: “Van a ver el retrato de un México esperanzador, y es una historia de éxito de una familia y de las amistades que lograron tener y generar fuera de esa familia”, refirió el propio Hagerman.

Entre los filmes programados para “Segundas Vueltas” se aprecian títulos muy interesantes como “Un mundo secreto”; “El cuarto desnudo”; “El lenguaje de los machetes”; “Morir de pie”; “A ras de cielo”; “Los insólitos peces gatos”; “Cuates de Australia”; “H2O Mx”; “El paciente interno”; “Las Marimbas del Infierno”; entre otros. La finalidad es crear nuevas audiencias para producciones que no rebasaron las 30 copias de exhibición.

El ciclo en cuestión comprenderá de octubre de 2015 a octubre de 2016. Para mayor información acerca del mismo, se recomienda consultar el sitio http://segundasvueltas.mx/

"Pasante de Moda": ¿Más que sólo comedia ligera y funcional?

Cinetiketas | Por Jaime López Blanco |

Existen dos cosas que se le deben de reconocer a Nancy Meyers (directora, productora y guionista estadounidense): tener una filmografía constante y exitosa, dentro de una industria voluble y caprichosa dominada por hombres; y siempre arreglárselas para conseguir, como protagonistas de sus cintas, a histriones de gran renombre. Para muestra de ello, varios botones. De las seis películas que ha realizado, todas han recuperado, o hasta superado, la inversión inicial de sus gastos de producción. Asimismo, talentos como Meryl Streep, Kate Winslet, Jude Law, Jack Nicholson o Diane Keaton han aparecido en alguno de sus trabajos, sean éstos buenos, grises o malos.   

Con su nuevo filme, “The Intern” o “Pasante de moda” (así fue bautizada en nuestro país), Meyers continúa con la dinámica de incluir atractivos nombres en los roles estelares de sus argumentos, los cuales, en distintas ocasiones, han pecado de ligereza o predecibilidad en su estructura narrativa. Luego entonces, en esta ocasión, nos presenta a una pareja intergeneracional, conformada por Robert De Niro y Anne Hathaway, inmersos en una historia acerca del aprendizaje y la amistad entre opuestos.

Como era de esperarse, Meyers intenta contarnos un entretenido y conmovedor relato de una exitosa empresaria de ventas de ropa por internet (Hathaway), ensimismada en su mundo laboral, alejada de su mundo familiar y; de un hombre viudo (De Niro), quien se encuentra poco familiarizado con la dinámica del mundo virtual de las nuevas generaciones, pero no así con las honorables costumbres de hacer sentir bien a la gente. ¿El resultado? Un producto que divierte por ratos, el cual tiene su punto más sólido en las carismáticas actuaciones de sus protagonistas. 

Debo confesar cierta admiración al atestiguar la tenacidad de un tipo como De Niro, actor que sigue trabajando incansablemente en los platós y que ya acumula en su haber más de 70 películas y de cuatro décadas de carrera. Es cierto que De Niro ha interpretado papeles que, finalmente, fueron caricaturas o parodias de sus roles más prestigiados, pero en “The Intern” se acerca más a su magistral ejecución en “Despertares” (“Awakenings”), de la directora Penny Marshall.

De Niro sabe interpretar, de manera contenida y hábil, a un septuagenario cálido, respetuoso, inteligente, observador y sensible. Su rol de “Ben” brilla por la sutileza con la que aborda a un hombre que intenta conservar el arcaico significado de ser un caballero. Está lleno de carisma, paciencia y mucha simpatía. Además, la interacción con Anne Hathaway se siente natural y se encuentra alejada de escenas ridículas o exageradas. 

Lo negativo se halla, una vez más, en el guión de Meyers, quien vuelve a alargar sus finales y los endulcora más de la cuenta. Su tercer acto hubiera lucido mejor si le hubiera agregado más realismo y madurez a la situación familiar que estaba contando. Aunado a lo anterior, cuando se termina de presenciar su nueva cinta, embarga una sensación de frustración, de un clímax interrumpido o que nunca acaba por llegar.

“The Intern” cumple como un buen recurso para aprovechar el ocio, contra el aburrimiento, pero dista de mucho de consagrarse como la esperada y renovada fórmula de las comedias románticas.     

Nephew: buen electro-rock danés

Lost Sounds from Europe | Por José Alberto García | 

@JoseAlberto_GP 

Les presento a Nephew, una banda de rock nórdico formada en 2006 en Dinamarca.

¿Quiénes son?

El grupo está liderado por Simon Kvamm, quien además es un conocidísimo actor de éxito en la televisión danesa. Le acompañan Kristian Riis, Søren Arnholt, Kasper Toustrup y René Munk Thalund.

¿Estilo?

Rock, rock alternativo, synth. En los primeros segundos de cualquiera de sus canciones puedes deducir que vienen del norte de Europa. Principalmente por los sonidos oscuros y la voz de su vocalista. Eso sí, no son en absoluto una banda de death-metal con sonidos guturales, ni nada por el estilo. Siempre han combinado letras en inglés y en danés. Aunque al principio eran pocas sus canciones en su idioma natal, esta tendencia se ha ido invirtiendo.

¿Álbumes?

-Swimming Time (2000).

-USADSB (2004): supuso el “click” de la banda hacia el estrellato. Fue su primer álbum con ventas masivas en Dinamarca. Su puesta a la venta coincide en el tiempo con el aumento de la fama de Simon como actor con la serie Drengene fra Angora. Tanto este álbum como todos los lanzados posteriormente, han sido número 1 en Dinamarca.

-Interkom Kom Ind (2006): es mi disco favorito, algo más oscuro que los siguientes.     

-Danmark/Denmark (2009): dejan apartados los medio tiempo, para traer canciones más rápidas, con una producción más limpia y, yo diría, que algo más pop.      

-Hjertestarter (2012): para mi gusto, el peor álbum hasta la fecha. Canciones lentas. Ni muy rockeras, ni muy electrónicas, simplemente aburridas.

Te gustará si te gusta…

El rock de tipo nórdico o alemán y el rock electrónico o grupos como Depeche Mode a los que la propia banda cita como su principal influencia. Los medio-tiempo y las letras algo abstractas.

¿Cómo los descubrí?

Supongo que buscando buenas bandas danesas o escandinavas. La verdad, es una maravilla que hoy en día podamos descubrir a grupos como Nephew, de cualquier otro país diferente al tuyo y de los que no sabrías nada si no fuese por internet. Los melómanos estamos en la mejor era, por ahora, para disfrutar del descubrimiento sin límites de buena música de cualquier parte del planeta.

Sus redes sociales oficiales son:

Web: http://www.nephew.dk

Facebook: https://www.facebook.com/nephew?fref=ts