«Mentiras el musical», Carlos Fonseca y la responsabilidad afectiva

Por Jaime López | 

A propósito de la gira 2022 de Mentiras el Musical, es oportuno hablar sobre su protagonista masculino, "Emmanuel", interpretado por el actor, cantante y conductor, Carlos Fonseca, que sin quererlo puede ser una excusa para revisar el tema de la responsabilidad afectiva de los varones en las relaciones de pareja.

Y es que, dentro de la historia, el personaje mencionado anda con cuatro mujeres al mismo tiempo, aunque ellas lo ignoran hasta que un evento las reúne y las hace descubrir la verdad.

En ese sentido, el intérprete mencionó a esta casa editorial que el teatro puede ser un espejo de tópicos políticamente incorrectos, pero que ocurren en la realidad.

Aunque en tono de broma indicó que "Emmanuel" es un ser enamoradizo e incomprendido, que no supo decirle que no a cada persona con la que se involucró sentimentalmente, reconoce que es culpable del conflicto que desencadena la trama.

De acuerdo con algunos especialistas, la responsabilidad afectiva implica tener conciencia sobre el impacto de nuestras acciones hacia los demás, en donde además debe haber consenso, cuidado y diálogo.

Esas características son las que "Emmanuel" no procura con ninguna de las mujeres a las que enamora, aunque una cosa es cierta, la época en la que se ubica la obra es otra, los años ochenta, cuando las dinámicas sociales no tenían nada que ver con las actuales y el concepto aludido no existía.

Al respecto, Carlos Fonseca expresó que las artes escénicas pueden ayudar a comprender situaciones que a veces no son admitidas por muchos.

En otro orden de ideas, señaló que la puesta escrita por José Manuel López Velarde ha permanecido muchos años en cartelera por la calidad de su dramaturgia, la cual definió como "inteligente" y bien armada, que se las ingenia para concatenar diferentes éxitos musicales de la época ochentera sin que se siente forzada o poco natural.

Añadió que la audiencia se divierte de principio a fin, además de que puede sentirse identificada con alguna de las cuatro protagonistas femeninas que aparecen en escena, que en la versión actual son interpretadas por Paola Gómez, Paloma Cordero, Lorena Vignau y Georgina Levin.

Acerca de la creencia de que el público poblano es uno de los más exigentes del país, el histrión respondió que Mentiras, el musical, es dueña de una gran escritura que lo dejará satisfecho.

Comunicó que el autor le da "una refrescada" a su propia trama tras varios años de representaciones, a lo que se suma una producción renovada y canciones icónicas que no habían estado en montajes anteriores.

Carlos Fonseca es originario de Guadalajara, Jalisco, y ha participado en diversas producciones televisivas, novelas, series, como Los Rey, Soy tu doble, Esta historia me suena o El Señor de los cielos.

En años recientes, ha enfocado su carrera al teatro musical, donde destacan participaciones en proyectos como Ayolante y Billy Elliot; por su participación en este proyecto fue acreedor a un premio como mejor actor por la ACPT.

"Mentiras" es una obra que es garantía y la cual se vale repetir una y otra vez, señaló el actor y cantante @CarlosFonsecaOf ante el cuestionamiento de lo exigente que es el público poblano @voyalteatrocom @Revista_Sputnik @ReporteraCaro @MonicaMateosV pic.twitter.com/oBPcOje6Xz

— Jaime López reportero (@JaimeComunidad3) September 24, 2022

Tren Bala y ¡Nop!, diversidad, nostalgia hollywoodense y entretenimiento puro

Por Jaime López | Cinetiketas |

En el más reciente verano fílmico, en donde predominan las obras de gran presupuesto provenientes del vecino país del norte, hubo dos películas que destacaron ya sea por la calidad de su elenco actoral o por sus hazañas técnicas y narrativas: Tren Bala y ¡Nop!

La primera de ellas está dirigida por David Leitch, quien anteriormente se desempeñaba como doble de las escenas de riesgo de diversas estrellas de Hollywood, pero que durante los últimos años se ha consagrado como un gran realizador y productor del séptimo arte de acción.

Como su título lo indica, la historia transcurre en su mayoría dentro de un tren de alta velocidad en Japón, en el marco del enfrentamiento de cinco asesinos profesionales, que a lo largo de la trama van descubriendo que están detrás del mismo objetivo.

Protagonizada por el ganador del premio Oscar, Brad Pitt, y con un presupuesto de 90 millones de dólares, la cinta de Leitch es un bálsamo para el alma, porque echa mano del absurdo, el sarcasmo y el humor negro para retratar las imperfecciones de su protagonistas.

Lo anterior enmarcado en un universo repleto de violencia y entretenidas coreografías de acción, que sin lugar a dudas muestran lo aprendido por el cineasta a lo largo de su trayectoria.

En similitud con sus anteriores trabajos, Leitch explora las habilidades físicas de su elenco y deja en segundo plano las secuencias creadas por computadora, quizá con la finalidad de recordar aquella manera de producir cine de acción en los años noventa.

Aunque la trama no es del todo regular, resulta sumamente divertido ver a Pitt y compañía insultándose o intercambiando improperios en medio de discursos irreverentes o hasta reflexivos.

Si bien es cierto que lo mencionado no es un elemento innovador, sobre todo porque es parte del sello del celuloide orquestado por Quentin Tarantino, Tren Bala tiene a su favor las buenas escenas de pelea entre sus personajes.

Además, un rubro interesante de resaltar es la conjunción de un reparto multicultural, que no ensalza a sus protagonistas de raza blanca; otro atractivo más, en especial, para las nuevas generaciones, es la inclusión del cantante Bad Bunny.

En cuanto a ¡Nop!, se trata de la nueva realización de Jordan Peele, actor, comediante y director afroestadounidense que, en el año 2018, obtuvo el premio Oscar de mejor guión original por ¡Huye!, obra aclamada por la crítica y dueña de una contundente crítica contra el racismo.

Aunque el creador recurre nuevamente a los géneros de suspenso y horror para plantear su historia, ahora su mensaje no está enfocado en una problemática social, al menos no del todo, ya que el director se adentra en la nostalgia del celuloide con el que creció.

Tratando de no hacer un spoiler de la historia, ¡Nop! examina los elementos que se han perdido a raíz del apogeo de las nuevas tecnologías, tomando como pretexto el fenómeno de los Objetos Voladores No Identificados (OVNI).

Igualmente, devela parte de los errores de la industria del entretenimiento a través de un manejo del terror digno de reconocerse.

Vale la pena poner atención a la secuencia en la que está involucrado un simio, que no necesita ser explícita o gráfica para generar una alta tensión en la audiencia.

Por otro lado, ¡Nop! destaca por el talento de sus protagonistas, Daniel Kaluuya y Emerald Haywood, quienes dan vida a un par de hermanos con personalidades sumamente diferentes, pero que, para bien o para mal, se complementan.

El primer histrión referido fue galardonado por la Academia de Hollywood con motivo de su actuación en Judas y el mesías negro, dando pruebas de su versatilidad al encarnar a un hombre arisco, de pocas palabras, que se transforma en un aventurero cazador de alienígenas.

Ahora bien, ¡Nop! tiene otras dos virtudes que la convierten en un producto muy recomendable para disfrutar en pantalla grande, siendo la primera de ellas el giro que se le da al fenómeno alienígena, pues lo transforman en un ente devorador de especies.

Asimismo, se agradece que los personajes estelares reúnan a gente de diferentes latitudes del mundo, por ejemplo, el coreano Steven Yeun (Minari) y el latino-filipino, Brando Perea.

"Rendez-vous", terror en una sola toma

Cinetiketas | Por Jaime López |

Una primera cita es convertida por el realizador Pablo Olmos Arrayales en un viaje vertiginoso entre dos personas que esconden peligrosos secretos, cuya historia es contada en una sola toma, sin cortes de edición.

De eso va "Rendez-vous", thriller mexicano producido por Axolotl Entertainment, el cual fue estrenado el pasado 13 de julio en la capital del país tras su buena acogida en festivales nacionales e internacionales.

En entrevista, el director (Olmos Arrayales) confesó que su ópera prima fue grabada en una sola secuencia por razones de presupuesto.

Explicó que primero nació la técnica y luego la historia, remarcando que el rodaje en plano secuencia contribuye a aumentar el suspenso de la trama.

"La rodamos en un día, casi fue de la mano la técnica y la historia; tenía algo similar para un video musical que había escrito años antes y retomé la estructura para la cinta", detalló.

Mencionó que el mostrar una cita en tiempo real llama la atención de los espectadores, porque se interesan en seguir el curso del encuentro para saber lo que pasa con los personajes.

Olmos Arrayales platicó que su pasión por los relatos de ficción se acentuó después de que algunos de sus trabajos iniciales fueron seleccionados para el canal producido por el afamado cineasta Robert Rodríguez.

En una decisión conjunta con sus socios, optó por realizar su primer película de largo aliento con la misma cantidad de dinero que ocuparía para un cortometraje.

Así nace "Rendez-vous", que implicó tres semanas de ensayos con los protagonistas, diversas tomas hechas en celulares y un solo día de grabación con cámara de cine.

"Sabía que mi estructura de guion tenía que funcionar de cierta forma y la cámara no debía estar solamente en un plano general o improvisado, sino tener ya previstos planos sicológicos, planos medios (...) La toma que se ve es la única toma que hicimos, entonces, nos tenía que salir bien sí o sí", explicó.

En cuanto al elenco, indicó que las personalidades de Helena Puig y Antonio Alcántara fueron las oportunas para dar vida a los estelares, "Lili" y "Eduardo", respectivamente.

Agregó que la actriz es dueña de una prodigiosa memoria y que ya tenía el corte de cabello que requería la historia, además de que accedió a pintárselo.

Pasando a Antonio, dijo que le gustaba mucho su aspecto y antecedentes artísticos, ya que contaba con una nutrida trayectoria en el ámbito teatral.

"No pudimos hacer pruebas en cámara para ver si tenían química, pero ya que estábamos rodando, la personalidad de los dos se iban complementando", comentó.

Acerca del título del filme, explicó que es un término francés que tiene más de una acepción o interpretación.

"Rendez-vous" debutó en pantalla grande en el Cine Tonalá, lugar en el que tendrá otras exhibiciones los días 20, 24 y 28 de julio. Posteriormente, contará con un gira por algunas partes de la República mexicana.

"Jurassic World: Dominion", nostalgia descafeinada

Cinetiketas | Por Jaime López |

Aunque la sexta y, presuntamente, última película de la saga jurásica iniciada en 1993, prometía un deleite para la fanaticada, por reunir a los elencos de las dos generaciones o etapas de las aventuras dinosáuricas, ciertamente resulta un poco decepcionante.

No por el escaso tiempo en pantalla que comparten los protagonistas (Bryce Dallas Howard, Chris Pratt, Laura Dern, Sam Neill y Jeff Goldblum), que apenas ronda los 35 minutos, sino por la escasez de sorpresas en su camino y con motivo de la falta de originalidad de la historia. 

Si bien es cierto que todo el elenco central aporta su profesionalismo y carisma, también lo es que no basta para soportar una premisa repetitiva, en la que nuevamente hay una mega empresa maquiavélica como antagonista, que busca sacar provecho de los dinosaurios. 

También se retoma la idea de que la mayor parte de las acciones ocurra en un espacio cerrado, como sucede en la cinta original de Steven Spielberg o en el reinicio de la franquicia en 2015. 

Ello provoca que se pierda la oportunidad de explotar una historia diferente, centrada en la coexistencia entre dinosaurios y el ser humano. Es decir, hubiera sido más interesante retratar los temores y claroscuros del homo sapiens al saber que ya no es la especie dominante en el planeta Tierra. 

Sin embargo, los creadores insistieron en repetir la fórmula que les ha generado millonarias ganancias a lo largo de 29 años en detrimento de una cinta emblemática e innovadora.

A lo anterior se suma un villano tibio, que cae en la ingenuidad absoluta cuando deja ir sin consecuencias a uno de sus adversarios. 

Ahora bien, la media hora en la que conviven los actores estelares de la primera y segunda etapa de la saga apenas tiene un par de gags que no fueron revelados en los adelantos de la cinta. Ello hace que el encuentro esperado por los admiradores de la franquicia sea descafeinado. 

En cuanto a los efectos visuales, hay un par de secuencias interesantes, pero se olvidarán conforme transcurra el año y podrían quedar fuera de las nominaciones técnicas del Oscar 2023. 

El aspecto más relevante de "Jurassic World: Dominion" es el rol de "Kayla", interpretada por DeWanda Wise, una piloto dedicada a transportar mercancías ilegales, que tiene más matices que los actores centrales. 

De hecho, existe la teoría que "Kayla" fue puesta por los productores para en realidad continuar con la saga, lo que podría ser un acierto si mantiene su fuerte temperamento, complejidad y osadía. Además, sería interesante conocer más sobre sus orígenes. Al tiempo.

"Top Gun: Maverick", una oda a la hegemonía del hombre blanco

Cinetiketas | Por Jaime López |

Llama la atención que la mayoría de bytes dedicados a la nueva película de Tom Cruise, "Top Gun: Maverick", tenga una connotación positiva, que sin lugar a dudas ha contribuido a su éxito en taquilla.

Con el 97 por ciento de reseñas a su favor, de un total de 392 críticas publicadas en el sitio Rotten Tomatoes, la secuela tardía del piloto de élite es considerada mejor que su antecesora.

Sin embargo, se debe tomar en cuenta que el filme de 1986 no es una obra maestra, sino un producto entretenido y de mediana calidad.

En ese sentido, "Top Gun: Maverick" resulta superior en diversos aspectos, sobre todo en los referentes a los apartados técnicos y la dirección.

Destaca la edición de sonido en formato IMAX, que hace escuchar o sentir las hélices de los aviones como si estuvieran muy cerca de los espectadores.

No obstante, la película dirigida por Joseph Kosinski ("Oblivion" y "Tron: Legacy") resulta caduca y tradicionalista en su premisa, porque vuelve a exaltar el presunto heroísmo de los hombres blancos estadounidenses, en este caso, los roles personificados por Cruise y Miles Teller ("Whiplash").

Mientras tanto, el guion de "Top Gun 2" relega a las mujeres y afroamericanos a un segundo plano, con papeles de relleno o acompañamiento, que deben de conformarse con admirar las proezas de los protagonistas.

Si bien es cierto que la ganadora del Oscar, Jennifer Connelly, aporta todo su profesionalismo al rol de "Penny", también lo es que sus apariciones están supeditadas al lucimiento de "Maverick".

Por otro lado, a los escritores se les olvidó que en 36 años se han roto muchos techos de cristal y decidieron incluir únicamente a una mujer en el grupo de pilotos de Top Gun. Se trata de "Phoenix", la cual es interpretada por la actriz Monica Barbaro.

Todo lo anterior le resta puntos al nuevo "blockbuster" de Cruise, que si bien resulta placentero y tiene una emotiva escena con Val Kilmer, no se aparta de los "valores" difundidos por el añejo Hollywood, además de que cae en momentos predecibles.

Para concluir, es oportuno revisar algunos de los datos demográficos de las personas que vieron la secuela de "Top Gun" en su primer fin de semana.

Los indicadores muestran que la mayor parte de la audiencia, un 58 por ciento, correspondió a "hombres blancos". Por edad, 45 por ciento fueron menores de 35 años y por origen étnico, 66 por ciento fueron caucásicos,16 por ciento latinos e hispanos, 7 por ciento afroamericanos y 7 por ciento de origen asiático.

Eso último deja ver o evidencia el público meta de los productores, en una nación que históricamente ha idolatrado la hegemonía del hombre blanco.

Con "Legacy", mexicanos reúnen nuevamente a músicos de Michael Jackson

Por Jaime López

 

Será en la ciudad de Puebla, en el Auditorio Metropolitano, donde comience la gira de "Legacy", espectáculo considerado o definido como el mejor tributo al "Rey del pop", Michael Jackson, porque cuenta con la presencia de los músicos que acompañaron al intérprete durante su carrera.

Es el caso de Jennifer Batten, prestigiada guitarrista estadounidense que en 1987 fue elegida por el cantante de "Black or White" para apoyarlo en la gira "Bad World Tour".

Asimismo, Batten participó junto al artista en la edición 1993 del Super Bowl, catalogada como una de las mejores de la historia.

Otros músicos que trabajaron directamente con Michael Jackson y que estarán en "Legacy" son Don Boyette y Lavelle Smith Jr., bajista y coreógrafo del "Rey del Pop", respectivamente.

Boyette grabó con Jackson diversos discos y conciertos en vivo, así como homenajes como "My way" (The Europan Tour) en 1988.

Por su parte, Lavelle Smith Jr. fue el bailarín líder en la gira "Bad World Tour" y es el responsable de las icónicas coreografias de "Jam" y "Dangerous" en sus diferentes versiones.

El espectáculo de "Legacy" fue ideado por los hermanos de origen mexicano, Daniel y David Rodriguez, quienes siempre fueron admiradores e imitadores del artista.

Aunque el proyecto se pensó antes de la emergencia sanitaria, fue hasta noviembre del 2021 cuando se concretó cómo se conoce actualmente.

Cabe agregar que los hermanos Rodríguez participan como artistas en el show, ya sea dando las notas como las daba en cada interpretación Michael Jackson, o realizando beatboxing, definido como el arte de crear música por medio de imitación de sonidos, especialmente de instrumentos musicales como la batería, bombo, platillos, caja de ritmos, entre otros.

"Legacy" se presentará este sábado 11 de junio, a las 20 horas, en la capital poblana. Los boletos se pueden adquirir en el sistema superboletos.com

"Mi persona favorita" y la guerra que juegan las niñas de ahora

Por Jaime López |

"La guerra es lo que jugamos las niñas de ahora" es una las frases más contundentes que se escuchan a lo largo de la historia de "Mi persona favorita", obra escrita por Roberto Jiménez y producida por Teatro Escarlata.

La frase mencionada es una alegoría del clima de violencia que rodea a las nuevas generaciones, en donde los sueños parecen ser entes inalcanzables.

Al respecto, Annalu Mendoza Sánchez, una de las protagonistas y artista con 19 años de trayectoria, señaló que "Mi persona favorita" es un reflejo de los tiempos que acontecen, en donde la juventud es la más afectada por las guerras creadas por sus antecesores.

Explicó que la trama gira en torno a dos hermanas que están tratando de romper la cadena de violencia que les heredó su progenitor, un ex guerrillero de Colombia, cuyos actos las marcaron para siempre.

"No nos queda de otra más que jugar este juego y sobrevivir a esta realidad, de eso se trata la obra, de cómo a veces hay sueños que se truncan, no por ellas, sino por el contexto en el que viven", expresó.

Detalló que su personaje, "Andy", sueña con ser astronauta, a pesar del mundo hostil en el que habita.

"Esta historia se puede contar en cualquier lugar, ahora vivimos tiempos muy difíciles, en donde los niños son los más afectados", apuntó.

Relató que su preparación implicó escuchar historias reales de víctimas de violencia, ser empática con el personaje y buscar la corporalidad y voz oportunas de una niña pequeña, esto último sin caer en el cliché infantil.

Destacó que los personajes que ha interpretado a lo largo de su carrera siempre tienen algún elemento con el que se identifica.

Del mismo modo, indicó que una de sus metas como artista es que cada uno de sus roles dejen una huella, algo que los identifique, aunque se trate del estelar de una obra infantil.

Reveló que en las lecturas dramatizadas de la obra no pudo contener las lágrimas por lo doloroso del texto.

En cuanto a su arribo a Teatro Escarlata, indicó que fue gracias a la obra "Mundo y las brujas". Posteriormente, comenzó a apoyar a la compañía en distintas facetas, ya sea manejando sus redes sociales o desempeñándose como gestora cultural.

Señaló que Teatro Escarlata se caracteriza porque sus propuestas tienen un toque mágico, pero también se aderezan con alguna crítica o apunte social.

Con 26 años de existencia y una carrera en ascenso, ya que actualmente es directora y productora de Omnia Teatro, Annalu señaló que hace falta que los poblanos se animen a ver una obra local.

Sostuvo que en el estado hay una enorme diversidad de talentos y de historias para todos los gustos, pero reconoció que en ocasiones las compañías no se apoyan entre sí.

"Mi persona favorita" se ha presentado en espacios como la Sala Luis Cabrera de la Casa de Cultura y también estuvo aproximadamente un mes en el foro de Puro Drama.

«Doctor Strange 2»: gore, amores imposibles y crossovers bien logrados

Cinetiketas | Por Jaime López |

Probablemente, la mayor virtud de la nueva película producida por Marvel Studios, "Doctor Strange en el multiverso de la locura", es su habilidad para combinar -y equilibrar- elementos que satisfacen a todo tipo de públicos.

Así, hay escenas totalmente complacientes para los fanáticos de "Los Avengers", que si bien no son totalmente fieles a las historietas en los que se basa la cinta, al menos les deja un grato sabor de boca.

Es el caso de un crossover o fusión de superhéroes que los seguidores de Marvel habían estado esperado desde que Disney compró a 20th Century Studios.

Asimismo, la comunidad cinéfila que ha acompañado la carrera del realizador Sam Raimi, no quedará defraudada con su trabajo reciente, pese a estar al frente de un proyecto multimillonario, de aquellos en los que generalmente los inversionistas meten su cuchara, influyendo mucho (para mal) en la edición final.

De ese modo, el gore y humor tétrico que caracterizan al orquestador de "Arrástrame al infierno" y "El despertar del diablo" está presente en gran parte del metraje. Ello evidencia que el sello autoral de Raimi no fue sacrificado por los posibles caprichos de los productores de Disney, sino al contrario, le fue permitido a diestra y siniestra.

Lo anterior ayuda para que "Doctor Strange en el multiverso de la locura" tenga un aura distinta a la de otras películas manufacturadas por Marvel.

Ojo a esa escena en donde aparece un pulpo gigante proveniente de otra dimensión, en la que Raimi no se autolimita para nada, salpicando de sangre la pantalla en cuantiosas cantidades.

Igualmente, el diseño visual en diversas secuencias de "La Bruja Escarlata", interpretada por Elizabeth Olsen, recuerdan los inicios del realizador, que lo convirtieron en una estrella de culto entre los fanáticos del cine de serie B, el humor negro y el terror sobrenatural.

Ahora bien, el guion de "Doctor Strange 2", a cargo de Michael Waldron, se las ingenia para abordar el tema de los amores imposibles, mismos que están condenados a no estar juntos en ningún tipo de universo, lo que indudablemente robara el suspiro de quienes aman el drama o el romanticismo.

De hecho, una de las mejores frases de la cinta se ubica en una escena entre Rachel McAdams y Benedict Cumberbatch (actor que vuelve a mostrar su versatilidad), quienes a pesar de quererse mucho no logran concretar su amor.

Sumado a lo mencionado en párrafos anteriores, "Doctor Strange 2" tiene algunos apuntes feministas en voz de "La Bruja Escarlata", lo que la convierte en una pieza inclusiva y vanguardista. Muestra de ello es la secuencia cuando "Wanda" (el verdadero nombre de la bruja) cuestiona los criterios o convencionalismos de la sociedad al ensalzar a los varones cuando rompen las reglas, pero la condenan a ella cuando hace lo propio.

Sin duda, un discurso de género que se agradece en una película de gran presupuesto, que suele enfocar sus baterías en las escenas de acción y los efectos especiales.

Para concluir, la aparición de la mexicana-estadounidense Xóchitl Gomez-Deines es un gran acierto debido a su frescura y buena química con el protagonista.

Además, puede entenderse como otra de las pistas colocadas por los estudios Marvel para el arranque de su próxima fase, relacionada con los jóvenes "Avengers", lo que sin duda continuará atrayendo la atención de propios y extraños.

Itari Marta, una mujer con causa que pide paro nacional por feminicidios en México

Por Jaime López

Su nombre es sumamente reconocido en el ámbito escénico del país, tanto por su amplia trayectoria en diversas trincheras o modalidades como por su incansable promoción del teatro.

Además, se le identifica como una activista de los derechos de las mujeres, que percibe en la cultura y en el arte una plataforma oportuna para ayudar a disminuir la violencia en contra de ellas.

Es Itari Marta, directora del Foro Shakespeare y creadora de la Compañía del Teatro Penitenciario, cuya finalidad es contribuir a la reinserción social de las personas que se encuentran privadas de su libertad en el penal varonil de Santa Martha Acatitla.

Entrevistada con motivo de su aparición en la nueva temporada de "Mujeres con causa", programa documental transmitido a través de Canal 14, Itari Marta destacó la relevancia de difundir los logros y esfuerzos del sector femenino.

"Qué orgullo que el trabajo de las mujeres se difunda, porque la verdad es terrible lo que pasa en este país con nuestros jóvenes y con nuestras mujeres, entonces, empezar a difundir lo que hacen, empezar a darles un lugar más predominante a las mujeres, creo que es necesario para que el odio que hay contra nosotras se empiece a subsanar y se empiece a equilibrar", dijo.

Aunque admitió que sabía muy poco del programa mencionado, accedió a formar parte de este por el entusiasmo y amabilidad de la productora, Carmen Huete.

Señaló estar orgullosa de su labor, porque, explicó, ha sido ardua, a lo cual agregó que el destino le ha llevado a incursionar en diferentes áreas para sobrevivir.

Cuestionada sobre si el teatro es una herramienta poderosa para ayudar a erradicar la violencia de género en México, apuntó que sí debido a que informa, previene y es un espacio ideal para la denuncia social.

A pesar de lo anterior, precisó que el problema de las artes escénicas es que no tienen el impacto masivo y exprés que poseen otros medios, como por ejemplo, la televisión.

Llamó a realizar un paro nacional debido al preocupante y grave conjunto de cifras de feminicidios y desapariciones registrados en el territorio mexicano.

"Lo que está pasando con las mujeres es para parar el país, para quemarlo todo", refirió.

La creadora dijo que sensibilizar a la población es una de las acciones más urgentes que se tienen que implementar si se desea detener la violencia de género.

"Yo estoy muy conmovida, me parece increíble; creo que las palabras que te pueda decir en este momento son puras palabras que ya hemos escuchado antes. Evidentemente, las cifras no son para sentarse a dormir, las cifras son para parar el país, para hacer paro nacional", expresó.

Si bien resaltó que no es partidaria de la violencia radical, dijo que hay un alto nivel de impunidad en el país que la llevan a cuestionarse diversas cosas.

El programa de "Mujeres con causa", el cual está conformado por 13 emisiones, puede verse todos los lunes a las 19 horas, en tanto, su retransmisión se realiza los sábados a las 20 horas.

Situación del Foro Shakespeare y la descentralización de la cultura

De acuerdo con lo expresado por la conductora de "Diablas", el espacio escénico bajo su cargo, es decir, el Foro Shakespeare, no se encuentra en una situación financiera boyante, producto de la pandemia del nuevo coronavirus y el déficit acumulado en los últimos años.

No obstante, señaló que quienes asisten están respondiendo de manera positiva a varias de las obras y eventos celebrados en el espacio mencionado.

"Sí están respondiendo, no todos los días, no con todas las obras, pero hay eventos que están llenos y ninguno está vacío", apuntó.

 

Agradeció a este espacio editorial por coadyuvar a la difusión del Foro Shakespeare y por hacer que el público se entere que nuevamente está abierto.

En otro orden de ideas, dijo estar de acuerdo con la propuesta de descentralizar las actividades culturales en México, es decir, que muchas de ellas no se limiten a presentarse únicamente en la capital del país.

Lamentó que el actual gobierno federal no está destinando el presupuesto necesario para conseguir tal propósito (la descentralización).

"No es que no haya dinero, lo que pasa es que no hay suficiente y no se está destinando a los lugares adecuados", declaró.

Dijo que, en comparación con otros países, es abismal la diferencia del monto destinado al arte producido en el país.

Acerca de sus proyectos en puerta, comunicó que actualmente está produciendo el ciclo de Dramaturgias de paso, que tiene el objetivo de ayudar a los escritores escénicos para ver montadas sus historias.

Añadió que está terminando la realización de "Hansel y Gretel" y recordó la serie de opciones que tiene el Foro Shakespeare, por ejemplo, el festival de monólogos.

Finalmente, indicó que la Compañía de Teatro Penitenciario está presentando "MacBeth" luego de dos años sin actividades. Invitó a escribir al correo teatroyprisión@foroshakespeare.com a las personas interesadas en acudir a dicho montaje.

Lo que está pasando con las mujeres es para parar el país, para quemarlo todo, refirió @ItariMarta al abordar el tema de los feminicidios y desapariciones que actualmente acontecen en México. La creadora dijo que se requiere sensibilizar a la población @CiriloRivera @DavidCelest pic.twitter.com/CuZlvKVVKe

— Jaime López reportero (@JaimeComunidad3) April 28, 2022

"De ovejas y príncipes en un tren", una fábula amorosa sobre el duelo

Por Jaime López |

A lo largo de un mes y medio, el foro de Puro Drama fue sede de la obra titulada "De ovejas y príncipes en un tren", con la que la actriz y directora mexicana, Patricia Madrid, propuso una reflexión empática acerca de temas que podrían resultar espinosos para muchas personas, por ejemplo, la muerte y el duelo.

En entrevista, la creativa enfatizó que el público objetivo principal del montaje fue el infantil, porque consideró que ha sido minimizado por los adultos.

"Los adultos a veces tenemos la idea equivocada de que los niños no deben de saber esas cosas, que a los niños no se les debe de hablar sobre lo qué pasó o creemos que no lo comprenden en su totalidad, y a mí me parece que esa es una idea errónea, porque los niños son sabios", explicó.

Destacó que "De ovejas y príncipes en un tren" también fue una oportunidad para volver a conectar con sus orígenes, porque recordó que ella estuvo alrededor de 20 años sin realizar un montaje en Puebla.

Añadió que, en el marco de la pandemia del nuevo coronavirus, el texto que coescribió con Paula Watson resultó más que pertinente para los connacionales debido a los diferentes tipos de pérdidas que han padecido.

"Me parece que en este momento, en donde estamos todos atravesados por una pandemia, que ya lleva dos años presente en nuestras vidas y que, además, ha dejado pérdidas, duelos, cambios inesperados de circunstancias para muchísima gente, que han perdido familiares, gente querida, gente cercana, pero también duelos que tienen que ver con pérdidas de trabajo o cambio de circunstancias de vida, cambio de ciudades, que a final de cuentas no dejan de ser cambios que generan dolor por cerrar ciclos", acotó.

En cuanto a la decisión de incluir una oveja como protagonista, indicó que es una oda a las personas que no se dejan devorar por la masa.

"Pareciera que las personas que se cuestionan cosas o que sienten un impulso distinto o simplemente sienten la intuición de no avanzar o de no caminar hacia donde van todos, pareciera que están equivocadas o las tachan de ovejas negras, entonces, de ahí nos vino el personaje de la oveja que a final de cuentas es leal a sí misma, se obedece a sí misma", declaró.

Acerca del personaje del príncipe, apuntó que éste es abordado desde una perspectiva diferente a la clásica, pues lo expone como un ser que tiene disposición a aprender de sus errores y conectar con sus emociones.

"Quisimos retomar un elemento de algo a lo que estamos acostumbrados, pero darle la vuelta, que no fuera una princesa, sino una oveja que toma decisiones y hacer un príncipe que no es títere, que es genuino, que habla desde el corazón, que contacta con sus emociones", expresó.

En cuanto a contextualizar todo el relato en un tren, mencionó que se trata de una analogía del viaje natural que emprenden los seres humanos, que incluye distintas paradas.

"El tren definitivamente tiene que ver con el viaje, con el trayecto, una vez que llegamos a la vida y que nacemos emprendemos un viaje que no para hasta que para, y muchas veces tenemos la sensación que vamos a la deriva", dijo.

Sobre la selección del elenco, respondió que tuvo la fortuna de coincidir con una de sus protagonistas, Lisha Montaño, en un taller de dramaturgia impartido en la Ciudad de México.

Abundó que ella fue quien le empezó a presentar actores poblanos y contactarse con ellos.

"Para mí fue muy grato, fue muy lindo, conocer a todas estas personas que yo no conocía, fue muy grande que se sumaron al proyecto sin conocerme", apuntó.

En otro orden de ideas, estuvo de acuerdo en la descentralización de la cultura, pero aclaró que ello no significa que debe de frenarse toda la actividad artística desarrollada en la Ciudad de México.

Finalmente, remarcó su sorpresa de haber regresado a la Angelópolis y encontrar un movimiento teatral más activo y sólido en comparación con el que existía hace 20 años.

"Dale gas", adrenalina y traiciones al límite

Cinetiketas | Por Jaime López

En las últimas semanas, la popular plataforma de streaming de la n mayúscula roja estrenó la serie de acción "Dale gas", que retrata la historia de dos jóvenes mecánicos y la abuela de uno de ellos, los cuales deben de huir de su lugar de residencia al verse involucrados en el homicidio accidental de un corredor de autos, que es hijo de un poderoso mafioso de Monterrey.

Contada muy al estilo de la saga fílmica "Rápidos y Furiosos", debido a que abundan los cortes frenéticos de edición, la música urbana de moda y las escenas de carreras clandestinas, la producción en cuestión sirve para posicionar a las nuevas promesas de la industria audiovisual mexicana, entre ellas, el ganador del premio Ariel, Benny Emmanuel ("Chicuarotes"), y la prestigiada cantante-actriz-youtuber, Renata Vaca ("Clases de historia").

Asimismo, la audiencia podrá descubrir a talentos emergentes como los de Andrés Delgado ("Cosas imposibles") y Tania Niebla ("La casa de las flores"), que cada vez están teniendo mayor presencia en los seriados nacionales.

Aunque "Dale gas" tiene como principal finalidad brindar altas dosis de adrenalina a los espectadores, su argumento también ofrece interesantes apuntes sociales, porque cuestiona el sistema de clases y el fanatismo religioso.

Sumado a lo anterior, uno de los elementos temáticos más destacados de la serie es el referente al conflicto familiar que padecen los protagonistas, porque abarca traumas del pasado, así como envidias o traiciones entre personas que tienen la misma sangre.

Eso último recuerda, en mayor o menor medida, la pluma de William Shakespeare, quien indagaba o profundizaba en las dinámicas y claroscuros filiales.

Otro elemento a resaltar son las oportunas interpretaciones de Sylvina Pasquel ("El diablo entre las piernas"), Silverio Palacios ("Matando cabos") y Gerardo Taracena ("El violín"), quienes, sin lugar a dudas, aportan un alto nivel de credibilidad y profesionalismo a cada capítulo.

Además, los histriones en cuestión dan vida a seres apegados a la realidad, que no son totalmente buenos o malos, sino que buscan sobrevivir conforme sus creencias y circunstancias personales.

Pasando al lugar en donde se desarrollan los eventos principales de la historia, la colonia Buenos Aires en la Ciudad de México, se corre el riesgo de que la audiencia estereotipe a los residentes o vecinos de dicha demarcación debido a que se les muestra como seres marginados con pocas opciones para salir adelante.

Finalmente, la dirección de escena es irregular en los episodios comandados por Alejandro Fernández y Edgar Nito, pero tiene mayor solidez cuando se pone al frente del proyecto Ernesto Contreras, quien sabe sacarle el mejor provecho a todo su elenco.

"Drive my car", el silencio como conductor de vida

Cinetiketas | Por Jaime López |

¿Qué tanto podemos perder en nuestras vidas cuando callamos lo que sentimos o lo que sabemos? ¿A dónde se fuga todo eso que no verbalizamos, que no dejamos ver de nuestra alma, pero que afecta nuestra cotidianidad?

Los anteriores cuestionamientos forman parte de una interpretación muy personal acerca de "Drive my car", la reciente ganadora del Oscar como mejor película internacional, dirigida por Ryûsuke Hamaguchi, basada en el relato corto del célebre escritor japonés, Haruki Murakami.

La cinta en cuestión hace énfasis en el silencio y sus diferentes connotaciones, por ejemplo, la de ser un implacable verdugo del protagonista, un actor y director teatral llamado "Yusuke Kafuku", que aún sabedor de que su esposa "Oto" tuvo relaciones sexuales con muchos hombres, jamás se lo menciona.

Su estado emocional se agrava cuando ella, otrora realizadora y contadora de historias, muere repentinamente, lo que provoca que el personaje estelar caiga en una espiral de dolor o pesadumbre.

Años después, cuando él es invitado a dirigir una obra en Hiroshima, conoce a una conductora reservada y enigmática, "Misaki", que solo habla lo necesario y que lo ayuda a trasladarse a su centro de trabajo.

Pese a la economía de sus lenguajes, ambos comienzan a revelar los traumas de sus pasados rompiendo con el mutis emocional que se han autoimpuesto.

Sumado a lo anterior, el guion de "Drive my car", que ganó un reconocimiento en el pasado Festival de Cannes, incluye a un personaje secundario mudo, una creadora que no se deja sobrepasar por su condición física para transmitir sus emociones, junto con su arte.

Ahí, el silencio juega un papel de superación personal, de un ente que desafía, reta o transforma.

"¿Qué tanto podemos perder en nuestras vidas cuando callamos lo que sentimos o lo que sabemos?", escribí al inicio del presente texto.

En el caso del personaje central, la principal pérdida que padece es su propia alma, su paz mental.

Sin embargo, la premisa de "Drive my car" implica otras vertientes, como la de función terapéutica del arte, el cual también sirve para sanar o liberarse de demonios internos.

Sumado a lo anterior, Hamaguchi plantea una reflexión que para muchos ha pasado desapercibida, que tiene que ver con la libertad sexual de uno de sus personajes femeninos, la esposa-guionista que fallece en el prólogo de la película.

Al respecto, en uno de los diálogos expresados por "Misaki" (la conductora), se lee lo siguiente:

"¿Tan difícil sería aceptar que ella simplemente era así, que te siguiera amando de todo corazón y mantuviera relaciones con otros?"

Lo anterior puede considerarse como una especie de gran reto enmarcado en la lucha por la equidad de género, misma que ya debiera consolidarse, a plenitud, en este siglo XXI.

Así, el filme de Hamaguchi invita a reflexionar en el poder de los silencios, en que si bien las palabras pueden herir mucho, igual o más pueden lastimar las palabras no expresadas, los sentimientos no exteriorizados, al grado de conducirnos por la vida sin tomar el control del volante, al borde del descarrilamiento.

"Bala'na", perder la inocencia pero no la identidad

Por Jaime López

@JaimeComunidad3

Su cuerpo desnudo se adueña del escenario. Es tan imponente su vulnerabilidad que resulta difícil no prestar atención a su relato. Antes de comenzar con sus vivencias, se presenta como "Yoselín", aunque aclara que previamente la llamaban "Rufino". No tiene dudas sobre su identidad o su esencia, una que como cualquier ser humano tiene aspiraciones, sueños y episodios de sufrimiento.

"Cuando era niño, mi padre solía llevarme a la milpa, a mí nunca me gustó ir a la milpa, sentía que esa vida no era para mí, en cambio, me gustaba ayudar a mi madre en las labores de la casa. De eso sacó provecho una tía mía y me consiguió un trabajo aquí, en esta ciudad, de criadita, bueno, de criadito, pues...", expresa en una parte de la trama el personaje central.

Lo anterior es apenas el inicio de la obra "Bala'na", monólogo independiente escrito y protagonizado por Alexis Orozco, que fue presentado a finales de enero pasado en el foro de Puro Drama, en la ciudad de Puebla.

En entrevista para este reportero, el intérprete originario de Oaxaca subrayó su alegría de poder trabajar en pro de la comunidad diverso sexual desde su trinchera como actriz.

Cabe mencionar que "Bala'na" ha sido reseñada por algunos analistas como una propuesta que visibiliza la transexualidad o como un montaje que echa por abajo la idea romantizada de que los muxes son bien acogidos por toda la sociedad oaxaqueña.

Sin embargo, para quien suscribe este texto, la obra va más allá de la denuncia y la concientización, porque aborda un tópico universal: la pérdida de la inocencia.

"... Hoy tocaba peda, nadie chambeaba hoy, no todos los días la dueña de una cuadra se vuelve tía..." Parte de la obra "Bala'na", de Alex Orozco, presentada este domingo en el foro de #PuroDrama @JuanMunchi @bereymar pic.twitter.com/v1NsufEuhK

— Jaime López reportero (@JaimeComunidad3) January 31, 2022

Si bien "Bala'na" significa virginidad en zapoteco, el monólogo de Orozco muestra la evolución emocional de "Yoselín", luego de enfrentar el amor/desamor, la pérdida y el rechazo. Esto último en medio de un contexto sórdido, el del sexoservicio.

Al respecto, el creador subrayó la resiliencia de las trabajadoras trans para sobrellevar las dificultades de la vida.

"Yo creo que la principal satisfacción fue el convivir con ellas, conocer que ellas son así, puede pasar una tragedia en ese momento y ellas buscan el momento pícaro, el momento de comedia para que eso no les duela tanto y eso lo viví prácticamente con ellas, estando ahí con ellas, convivir con ellas, conocerlas, palparlas", apuntó.

En otro orden de ideas, Orozco comunicó que "Bala'na" le generó un descubrimiento como creativo, porque fue un momento de transición para ella como actor/actriz.

Acerca de los momentos en que interactúa con la audiencia, dejó en claro que sus reacciones son producto de la improvisación.

"Es lo que me da el público en ese momento, es una escena que realmente es natural", dijo.

En resumen, "Bala'na" es una obra indispensable de ver, por su vigencia y porque evidencia el alto nivel escénico de su protagonista.

Se presentará próximamente en Tabasco, Tlaxcala y la Ciudad de México, aunque para mayores detalles se recomienda visitar su página de Facebook.

"El comediante", de aceptar nuestros fracasos a dejarnos abducir por la luz

Cinetiketas | Por Jaime López |

@JaimeComunidad3

"Estás lleno de miedos, de oscuridad y todavía quieres encerrarte más, tienes que dejar que la luz fluya" es una de las frases que le expresan al protagonista de "El comediante", cinta estrenada a mediados de enero en la plataforma de streaming más famosa del mundo, la de la N roja.

 

Las palabras en cuestión adquieren un peso enorme a lo largo de la historia escrita por Alo Valenzuela Escobedo y Gabriel Nuncio, porque son el reflejo del estado emocional en el que se encuentra el personaje central, un standupero que vive de la comedia, pero que ha perdido la capacidad para reírse de sí mismo y de sus tragedias.

Es ahí donde "El comediante" funciona como una analogía sobre la trascendencia y la búsqueda de la felicidad, que en ocasiones no llega como la imaginamos o la planeamos; ello porque se muestra a un hombre de mediana edad, estancado en su vida profesional y en sus relaciones, que está empecinado en llevar a cabo una idea sólo de una manera o forma.

Sin embargo, la vida le tiene preparada otra jugada, que lo hará involucrarse en situaciones incómodas y absurdas, pero un tanto reveladoras. De eso va la película ganadora del Premio Mezcal en la pasada edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

Integrada por un elenco de gran calibre (Adriana Paz, Cassandra Ciangherotti, Cecilia Suárez y Tenoch Huerta) y codirigida por Rodrigo Guardiola y Nuncio, "El comediante" también puede apreciarse como la fábula de los eternos deprimidos, de los seres que se encuentran extraviados o perdidos y que no tienen idea de qué hacer con su vida, aderezado con un ritmo similar a las comedias del cineasta neoyorkino, Woody Allen, en donde los diálogos tienen mucho humor negro o comentarios irónicos sobre la condición humana.

Un muestra de lo anterior es cuando el personaje central visita a su tío moribundo y se disculpa por haber estado alejado de él durante mucho tiempo, aunque para ello recurre a un diálogo inesperado y sarcástico:

"Soy un egoísta, quizá es porque soy Leo".

En cuanto a la estructura narrativa, los directores no están preocupados por echar mano de escenas frenéticas o llenas de cortes de edición para que su historia avance, sino que concentran la atención en las conversaciones e interpretaciones del elenco.

En ese sentido, quizá algunos espectadores no se familiaricen con el ritmo de "El comediante", que también apuesta por secuencias oníricas y ambiguas. Eso es lo que dota a la puesta de Guardiola/Nuncio de un peculiar encanto, que muy difícilmente puede hallarse en las producciones estelarizadas por la familia Derbez, las cuales tratan de hacer reír a la audiencia mediante una comedia fácil y barata.

Pasando al rubro interpretativo, es grato ver nuevamente en la industria fílmica nacional a la tres veces ganadora del premio Ariel, Adriana Paz, que borda de manera orgánica a su "Melissa", un personaje que quizá no sea del agrado de muchos, pero que sirve como catarsis del protagonista. Por su parte, Cassandra Ciangherotti y Cecilia Suárez confirman el gran carisma del que son dueñas.

Cabe agregar que algunos analistas han visto en "El comediante" un presunto retrato de la generación millennial, por la falta de estabilidad laboral y patrimonial del protagonista, mientras que otras voces la perciben como una historia de maduración personal. Hay un poco de verdad en ambos casos, aunque lo cierto es que el desenlace de la película puede tener dos interpretaciones, dependiendo del estado emocional con el que se vea, pero en ambas la luz juega un papel fundamental.

Es ahí donde resuena fuertemente la frase mencionada en líneas anteriores:

"Estás lleno de miedos, de oscuridad y todavía quieres encerrarte más, tienes que dejar que la luz fluya", y pues que fluya, aunque a veces duela.

 

«La crónica francesa», entre la melancolía y la libertad de Anderson

Cinetiketas | Por Jaime López |

Recientemente, los cines de México albergaron el estreno de "La crónica francesa", el décimo largometraje de Wes Anderson, creador de "Isla de Perros" y "El Gran Hotel Budapest", quien ha sido nominado en siete ocasiones al premio Oscar, pero que nunca lo ha ganado.

En breves palabras, el filme en cuestión es un homenaje al periodismo, pero, sobre todo, una carta de amor a la libertad creativa y editorial, elementos que hoy son muy difíciles de encontrar en los medios de comunicación (escritos o visuales). 

Con su habitual estilo, Anderson utiliza diversos encuadres simétricos y maquetas para conformar sus escenas, dando cátedra sobre lo que significa escribir y plasmar una buena historia.

Sí, es verdad, muchos espectadores ajenos a la filmografía del cineasta verán una propuesta aparentemente fría en su envoltura. Fría e irregular. 

Sin embargo, si uno va desmenuzando "La crónica francesa", descubrirá una historia melancólica y llena de amor: amor por las personas, amor por las relaciones humanas a pesar de ser disfuncionales, pero, sobre todo, amor por la creación literaria. 

"Buscamos lo que extrañamos y extrañamos lo que se ha dejado atrás", es uno de los diálogos que aparecen en el trabajo más reciente de Anderson.

Como es costumbre, la música de Alexandre Desplat es sumamente atinada, ya que recrea la magia sonora de los años sesenta y setenta en los que está contextualizada la historia. 

En cuanto al reparto, Benicio del Toro, Frances McDormand y Lea Seydoux son los que tienen los personajes más ricos y complejos de la película, pues muestran tanto sus virtudes como defectos de manera muy orgánica. 

Tampoco hay que menospreciar lo hecho por Tilda Swinton, Timotheé Chalamet, Adrien Brody, Jeffrey Wright y Bill Murray, este último actor de cabecera de Anderson desde "Rushmore". 

En conclusión, "La crónica francesa" no es una película recomendable para todo mundo. 

De la misma manera, no es el trabajo más logrado de Anderson, sin embargo, es dueña de una manufactura única, que ya quisiera tener la mayoría de filmes producidos en Hollywood, sobre todo, aquellos que no se atreven a ser diferentes con tal de vender muchos boletos en taquilla.