Regina Blandón, "Prima Facie" y el teatro como herramienta para hablar de temas incómodos

Cinetiketas | Jaime López

"El teatro enciende la empatía y creo que es un gran método que sirve para hablar de cosas que incomodan, pero que tienen que hablarse", dijo la actriz Regina Blandón al ser entrevistada por la obra "Prima Facie", la cual se presentará el 3 y 4 de diciembre en Puebla, en el Teatro Principal.

Escrita por Suzie Miller y dirigida en su versión mexicana por Camilla Brett, la propuesta en cuestión sigue a una abogada que, después de defender a distintos agresores sexuales, se da cuenta de la impunidad del sistema justicia al ser ella víctima de un delito de ese tipo.

Regina señaló a Revista Sputnik que "Prima Facie" es un monólogo desafiante, que sacude a la audiencia, no solo por el tema que aborda, sino también porque la hace atravesar por distintas emociones.

"Ha sido un viraje muy brutal, muy doloroso también, porque claro que toca fibras muy sensibles y muy oscuras", manifestó al mismo tiempo de detallar que el montaje le representa un gran cansancio físico y emocional.

Sostuvo que es imposible no identificarse con la protagonista o personaja del montaje, "Tessa" debido a que el texto es muy epidérmico y está muy bien escrito.

Agregó que "Prima Facie" ayuda a no ver a las víctimas de agresiones sexuales únicamente como cifras, sino que permite observarlas como seres humanos y ponerles un alma.

Y sostuvo que también concientiza a los hombres acerca de la importancia del consentimiento, es decir, de no obligar a las mujeres a tener relaciones sexuales con ellos.

Acerca de si el texto cuestiona el sistema de justicia, respondió que sí y mencionó que la víctima siempre sale perdiendo en todos los lugares del mundo, sin importar que haya sido agredida en México o en cualquier otro país.

En ese sentido, habló de los altos índices de impunidad que hay en materia de delitos sexuales, pues la mayoría de los casos no llegan a un juicio y esto ocasiona que muchas mujeres decidan no interponer ninguna denuncia.

Por otro lado, Regina señaló que "Prima Facie" resuena mucho en el público nacional debido a que en el país una de cada tres mujeres ha sufrido una agresión sexual.

#Entrevista | “Ha sido un viraje brutal, doloroso… toca fibras muy oscuras”.

Así describe @ReginaBlandon lo que significa habitar Prima Facie, uno de los monólogos más desafiantes de su carrera.

La obra —escrita por Suzie Miller— expone la crudeza de la impunidad en delitos… pic.twitter.com/f4LBW05168

— Revista Sputnik (@Revista_Sputnik) December 3, 2025

En cuanto a la parte más difícil de habitar su personaje, indicó que la frialdad con la que "Tessa" defiende a agresores sexuales al principio del texto o del montaje.

Las entradas para "Prima Facie" pueden consultarse en la página oficial de Súperboletos, en donde hay localidades desde 529 pesos por persona.

El destino es redondo: Sísife

 

Por Pablo Rodríguez | Fotos: Eka Ríos

A inicios de los ochenta, el dramaturgo Samuel Beckett llevó a televisión cuatro seres que ejercitaron el vacío. Cuerpos que no podían rozarse y que, sin embargo, trastocaron todo. Como recuerdo y partida de esta obra de Beckett, Sísife es una puesta dancística que busca recorrer el espacio escenográfico e íntimo de sus espectadores. Esta pieza, encabezada por Selene Beltrán y David Flores Ortega dimensiona el movimiento de la ya conocida piedra de un Sísifo que nunca llega a la cima. Ahora, una Sísife nos muestra su danza, juego o condena alrededor de un destino redondo que es, al mismo tiempo, todas las formas y ninguna.

Selene y David, como en un poema de Wisława Szymborska, tocan una piedra ya no para saber una respuesta, sino para preguntar. En escena vemos dos cuerpos que se empujan, cargan, equilibran y se dejan caer. Cuerpos que se infligen a ellos mismos con la intención de saber dónde termina uno y empieza el otro. La interpretación, así, se abre: una danza que con sus juegos de luces y música muy al estilo de Takashi Kokubo, recorre la densidad de las cosas que, simbólicamente, cargamos: el amor, el deseo, el futuro, el tiempo, la frustración y todos los nombres, nuestras piedras y pasiones posibles.

Resaltan, entre las interacciones de les dos bailarines, el juego con la piedra: una que les dobla el diámetro y altura, hecha de retazos que, más que utilería, es sujeto vivo. Vemos tensos hilos que la rodean; brazos y piernas que sobresalen ante cualquier movimiento. Una redondez que no termina porque pertenecemos a ella, a sus (nuestros) fragmentos. Les bailarines se rodean y son rodeados por la piedra; giran y el aire les sostiene; dimensionan el peso y, con lentitud, saben nombrar las pieles que son, que fueron y que serán. Tal vez esa sea la metáfora que brilla entre las respiraciones de los cuerpos en movimiento: la única manera de habitar el cuerpo presente es volverse su propio peso, dimensionar qué tanto se piedran (sí, como verbo, no como sujeto) las demás pieles.

Y como quien mira la cuesta y no teme volver a empezar, Sísife se recorre a sí misma y su intención no es llegar a ningún lado. No hay inicio y fin, como en los trazos del Quad de Beckett: hay una con-tensión hacia el centro. La piedra que somos para nosotres mismes y para les demás es arrojada, pero también abrazada, fundida en silencio: un caracol que viaja hacia su centro. Un volver a empezar cada que agachamos la espalda y una carga nos espera.

“SÍSIFE / Las pieles que hemos sido” se presentó el viernes 28, sábado 29 de noviembre y los próximos viernes 5 y sábado 6 de diciembre en el Foro de Arte y Cultura como parte de la programación de Habita la Escena Jalisco 2025. Boletos disponibles en la boletera voyalteatro.

 

 

Pablo Rodríguez (Xalapa, Veracruz, 1997)

Poeta, gestor y editor. Licenciado en Lengua y Literatura Hispánicas por la UV. Becario del PECDA Veracruz, del Curso de Creación Literaria para Jóvenes de la f,l,m. y del Festival Cultural Interfaz, los tres en el área de poesía. Textos suyos han aparecido en medios digitales e impresos como Periódico de Poesía, La Revista de la Universidad, La Razón, Casa del Tiempo, Punto de Partida, Carruaje de Pájaros, Punto en Línea, Casapaís, entre otros. Ha participado en diferentes antologías dentro y fuera del país y ha encabezado proyectos de promoción del libro y de la lectura.

“Morir poquito”: ritual, placer y metamorfosis

Por Reyes Rojas | Fotos @ingravido88

“Ya no quiero buscarte,

ya no quiero gustarte.

Gracias por venir.

Aviento mis manos al placer”.

Con estas palabras arrojó ANAN su espectáculo hacia el público. Morir poquito es una ceremonia escénica donde los cuerpos, la luz y la música se entrelazan para habitar lo liminal: ¿qué hay entre la pérdida y el deseo, entre el yo que fue y el que está por venir, entre el miedo y la osadía; y, por supuesto, entre la vida y la muerte?

En este performance se amalgaman tres de mis cosas favoritas en el mundo: la danza, la música y la palabra. Las ejecutantes (Natalia Gómez y Daniela Jerez) se mueven por el recinto donde se lleva a cabo el rito (porque es más ritual que espectáculo), y juegan con luces de mano y otras herramientas de iluminación más bien limitadas y minimalistas. El espacio y el público son un personaje más, pues ningún lugar expondrá los mismos recovecos, los mismos muros y columnas; por otro lado, la afluencia y la inmersión de la gente siempre serán, también, un elemento diferenciador: Nadie es el la misma persona frente a distintos cuerpos y rostros.

Morir poquito nació como un poema sonoro, pero luego se convirtió en una experiencia sensorial íntima y viva, en una invitación al público a transitar sin mapas, a imaginar desde la penumbra, a desdoblarse suavemente mientras un personaje femenino (presumiblemente ANAN) se desdobla también en diferentes cuerpos que se alargan sobre una retahíla de melodías envolventes, oscuras y jubilosas.

En cada gesto de las bailarinas, en cada nota musical como un vapor, se sugiere una transformación, radical a veces, como la que ocurre con la muerte instantánea provocada por una bala entre la cien; o paulatina como la erosión de un bosque. Analogías tristes, ya lo sé, pero lo mismo daría si me atuviera al polo opuesto de estas metáforas: Morir poquito también es un cubetazo de felicidad fría sobre el cuerpo, una fiesta de sensualidad.

 

Al platicar con Natalia, me reveló que ella compone con el cuerpo.

“Siempre compongo como pensando en mi cuerpo, ¿como qué me hace sentir?, ¿me hace querer bailar o querer acostarme en posición fetal y que nadie me hable? ¿Me hace querer salir corriendo? Le hago caso a esos impulsos y desde ahí corren las imágenes sonoras y  poéticas”

No es para menos. Es verdad que la experiencia completa de Morir poquito se siente como entrar a una alberca. La música de ANAN, sus propuestas escénicas, son sensuales en el sentido más literal de la palabra, es decir, que invitan a saciar las demandas de los sentidos.

Luego de asistir a la puesta en escena, salí hacia la noche saboreando unas palabras de Paul Valery sobre la danza que bien valen para describir mi experiencia como espectador:

“en el Universo de la Danza el reposo no tiene sitio; la inmovilidad es algo obligado y forzado, un estado pasajero y casi una violencia, mientras que los saltos, los pasos contados, las puntas… son formas completamente naturales de estar y de comportarse”.

¿Qué escucho?

Las canciones de ANAN en Morir poquito, son al mismo tiempo un canto a lo pequeño (Cosas inútiles), una oda a lo invisible (In), a la ternura como posibilidad (I like you), y al mismo tiempo una invitación a la fortaleza (Abrir la piel) y a la rebeldía (Soy un animal). La pieza musical que da nombre al rito entero funciona como una declaración de principios: “todo cambia y yo voy primero en la fila de las metamorfosis”.

Conozco a Natalia desde hace años y tengo una idea breve de los gustos que compartimos, pero en un ejercicio de influencias no pedidas ni confirmadas, detrás de ANAN escuchó propuestas tan variadas como la Laurie Anderson de Songs from the Bardo y Big Science; a la Bjork de Homogenic; a Descartes a Kant; a Coco Rosie y a Radiohead, sólo por mencionar algunas.

¿Dónde estoy?

En esta ocasión, Morir poquito se presentó el 10 de abril en Pop Lolita, un espacio alternativo y cavernoso del centro de Aguascalientes, usualmente invadido por el perreo, la pose, la inventadez y la farandulería artística. En Pop Lolita hay exposiciones independientes, puestas en escena inter y multidisciplinarias, tragos coquetos y sobre todo, ociosa juventud.

Morir poquito es puesto en escena con participación de Natalia Gómez (ANAN) y Daniela Jerez, ambas artistas escénicas maravillosas; y con la colaboración de Remi Barrios (Hombre Árbol) en las percusiones.

Morir poquito no busca respuestas, sino espacios para sentir. Es una experiencia que abraza la incertidumbre con ternura, que convierte el tránsito en arte y la vulnerabilidad en fuerza. ANAN nos recuerda que hay belleza en el desdoblamiento y placer en lo efímero. Morir, aquí, es también volver a nacer.

Ximena Sariñana y Alex Lora destacan en "Jesucristo Superestrella"

Cinetiketas | Jaime López

La nueva temporada de "Jesucristo Superestrella", obra musical basada en el clásico setentero de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, tiene como novedades a los cantautores Ximena Sariñana y Alex Lora, el creador de El Tri.

Ambos debutan en ese tipo de eventos gracias a la tenacidad de Alejandro Gou y Erick Rubín, productores del espectáculo, que llevaba un lustro en pausa.

En breve entrevista, Ximena Sariñana explicó que la diferencia entre cantar en una obra musical y un concierto, es que existe una mayor exigencia vocal en la primera.

"Porque cuando uno hace un concierto, son canciones que escribiste para ti, que te quedan cómodas en tu registro y aquí estás interpretando un personaje, entonces, sí cambia tu manera de cantar", expresó.

Sariñana da vida a "María Magdalena", el interés romántico del protagonista, la cual despierta su parte más humana y empática.

En cuanto a Alex Lora, este tiene una sola secuencia a lo largo de todo el montaje, pero es bien acogida por propios y extraños, ya que se divierten con su personificación de "Herodes", el rey que se encargó de sentenciar a Jesucristo.

El legendario cantante de rock no había sentido un nerviosismo tan grande antes de salir al escenario, esto a pesar de su larga trayectoria, según declaraciones del productor (Gou).

De acuerdo con el empresario, Lora estuvo tan entusiasmado con su participación, que era el primero en llegar y el último en irse. En su escena, no pierde oportunidad para incluir una de sus más icónicas frases, "Mamá, prende la grabadora".

En general, "Jesucristo Superestrella" es una obra grandilocuente que resalta por sus valores de producción y el talento vocal de su elenco conformado por Benny Ibarra, Leonardo de Lozanne, Kalimba, Yahir, María León y el ya referido Erick Rubín, que da vida a "Judas".

Una de sus mejores secuencias ocurre al cierre de la puesta, cuando en la cruz de Jesús se proyectan imágenes de víctimas de guerras o genocidios a lo largo de todo el mundo.

Mario Zaragoza y «Finitud»: el dolor es opcional

Jaime López |

Una pareja está varada en medio de un punto geográfico desconocido, que pudiera ser cualquier parte del país o del mundo. El extravío físico de ambos es una metáfora del limbo emocional en el que se encuentran tras sufrir la pérdida de un ser querido. 

Ese es el punto de partida de "Finitud", la obra escrita y dirigida por Víctor Weinstock, que tuvo su reestreno el pasado 18 de abril en el Teatro Sergio Magaña, localizado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz 114, en la colonia Santa María la Ribera, Delegación Cuauhtémoc (CDMX).

Protagonizada por Mario Zaragoza, Patricia Blanco y Gastón Yanes, explora temas como la culpa, lo efímero de la existencia humana, el enojo y los cambios obligados de la vida.

Del mismo modo, "Finitud" representa un ejercicio catártico para sus protagonistas (Zaragoza y Blanco), que en enero de 2022 tuvieron que afrontar la muerte de su hijo Ángel Fernando. 

En entrevista con Sputnik, el ganador del premio Ariel sostuvo que la puesta de Weinstock les sirve como vehículo para liberar la amalgama de sentimientos de la que son dueños desde la pérdida de su vástago.

Al ser cuestionado sobre si el dolor es algo finito, dijo que "es un sentimiento opcional" y lo distinguió de otro tipo de tragedias como la desaparición de un familiar.

"Saber que es eso, que es un sentimiento que tiene que salir, que se tiene que expresar, entonces, es muy sencillo; el dolor verdadero es algo que yo no se lo deseo a nadie", expresó.

Acerca de su personaje, que viene a cuestionar a la pareja protagonista atrapada en un bucle de dolor, mencionó que un principio no sabía que se trataba de un homenaje a su hijo.

Relató que lo asociaba con la figura de Dios, pues lo definió como un ser ambivalente, que también representa al Diablo. Agregó que su rol es la persona "sabia" que ayuda a los protagonistas a encontrar las respuestas para sus incertidumbres.

"Más que venir a decir qué deben de saber, viene a preguntar para que ellos encuentren lo que necesitan, es una forma muy inteligente de enseñar, esa es la belleza de este personaje", manifestó.

Zaragoza abundó que su rol en "Finitud" no tiene filtros de ninguna clase, ni de género, ni de edad, ni de moral, ni cívicos, porque respeta o le falta al respeto a todas las cosas establecidas.

A pesar de tratarse de un reestreno con una temporada breve, al que le restan un par de funciones los días 27 y 28 de abril, subrayó su alegría de reponerla, porque señaló que ahora tuvo más representaciones a lo largo la semana. 

"Creemos que esta obra tiene para mucho tiempo, para muchos años de presentarse, se ha ido mejorando...", añadió el también ganador de los premios Manolo Fábregas y la Diosa de Plata.

Los costos de los boletos pueden consultarse en el ESTE LINK.

Al hablar sobre "Finitud", obra que tuvo su reestreno en el Teatro Sergio Magaña el pasado 18 de abril, el actor @mariozaragoza habló sobre la pérdida de su hijo, Fernando, pues ese tema forma parte de la premisa escrita y dirigida por Víctor Weinstock @MonicaMateosV pic.twitter.com/9FqLOEAsV4

— Jaime López reportero (@JaimeComunidad3) April 19, 2024

"La pena de muerte no es la solución", coinciden Huarte y Estrella, protagonistas de Réquiem

Cinetiketas | Jaime López

A propósito del regreso de la obra "Réquiem" a escenarios nacionales, Mónica Huarte y Alberto Estrella, los ahora protagonistas del texto escrito por Reynolds Robledo, coincidieron en que la pena de muerte no es la vía para la consecución de justicia.

Cabe recordar que ese tipo de sentencia es el eje central de la puesta dirigida por Enrique Singer, en la que se confrontan dos visiones sobre el caso de un hombre condenado a morir por sus crímenes.

En entrevista para Revista Sputnik, Huarte sostuvo que "matar no es la solución", aunque explicó que su personaje, una férrea abogada, defiende la postura opuesta.

Abundó que la delincuencia debe ser combatida desde los factores que la provocan, es decir, mediante el acceso a una buena educación y la trasmisión de valores positivos para la sociedad.

"Yo creo que si cometes un asesinato, que te maten no es la solución para acabar con el problema, creo que viene del principio, que es la educación, las familias", expuso. 

En cuanto a la preparación de su rol, dijo que no tuvo que platicar con personas sentenciadas a muerte, aunque sí con juristas o especialistas en leyes. 

La recién ganadora de la Diosa de Plata por su papel en "Señora influencer" aseguró que su personificación en "Réquiem" ha sido bien acogida entre abogadas y abogados.

En otro orden de ideas, estuvo de acuerdo en que la camaradería que tiene con su coprotagonista ayuda al buen desarrollo de la obra y destacó la ola de aplausos que han recibido en sus primeros tres días de funciones. 

Por su parte, Alberto Estrella también rechazó la pena de muerte como castigo ejemplar contra aquellas personas que cometan delitos de lesa humanidad, por ejemplo, feminicidios, infanticidios, abuso sexual o violencia ácida.

Ello, explicó, porque sostuvo que la práctica denominada "ojo por ojo" y "diente por diente" solo genera un círculo vicioso infinito.

"Hace apenas unos días me llegó una invitación para el reestreno de un documental que se llama 'Presunto culpable'; es una llamada de atención porque me parece que la justicia de pronto puede ser muy extraña en un país donde no se respetan muchas garantías, por lo tanto, creo que sería muy peligroso establecer la pena de muerte", manifestó. 

A decir del creativo nacional, más allá de condenar a alguien por sus delitos, lo importante es que las y los imputados realmente se arrepientan de sus crímenes.

La obra "Réquiem" se presenta de viernes a domingo en el Foro Shakespeare y tiene una cuota de recuperación de 500 pesos por persona.

"Yo creo que matar no es la solución, yo, pero mi personaje cree lo contrario", dijo @monicahuarte, protagonista de Réquiem, al ser cuestionada si los delitos de lesa humanidad como infanticidios o feminicidios deben ser sancionados con la pena de muerte.

Vía: @jaimecomunidad3 pic.twitter.com/Ko9EoJGxyp

— Revista Sputnik (@Revista_Sputnik) March 22, 2024

Cinetiketas: entrevista con Daniel Giménez Cacho

El gran Daniel Giménez Cacho nos habla de la puesta en escena "El hijo de puta del sombrero", obra de la cual es director y se presenta por temporada especial en el Teatro Shakespeare de la Ciudad de México. 

También nos contó sobre "Familia", filme que protagoniza y se encuentra disponible en la plataforma Netflix.

 

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La gente que no ha visto teatro musical, no ha sido totalmente feliz: María León

Jaime López |

Desde el pasado 10 de abril, la cantante y actriz mexicana María León forma parte del elenco de "Mentiras el musical", la prestigiada obra que lleva más de una década en cartelera.

En el marco de la presentación de su personaje, "Lupita", indicó que el teatro es un elemento imprescindible para la ciudadanía, porque le puede ayudar de distintos modos.

Así, refirió que las artes escénicas pueden ser un reflejo de los estados de ánimo del espectador, un espacio para desahogarse o, inclusive, una oportunidad para analizar un discurso político.

"Si la gente no ha visto teatro musical, creo que no están siendo totalmente felices en su vida. El teatro es un acto de generosidad y un acto de fe, en donde se genera o se comulga con el público", expresó.

La intérprete reviró la opinión de aquellas voces que no son adeptas al teatro musical, subrayando que este tipo de manifestación cultural toca fibras sensibles e importantes.

"Es un espejo, pero también a veces es un discurso político y también una relajación emocional del estrés que vivimos en la semana. Le puedes dar la función que tú quieras al teatro, pero no nos perdamos la oportunidad de vivir esa experiencia irrepetible", sostuvo.

"Si la gente no está viendo teatro musical, creo que no están siendo felices en su vida; el teatro es un acto de generosidad", resaltó la cantante y actriz María León @Sargentoleon en el marco de su presentación como "Lupita" en #MentirasElMusical @Revista_Sputnik pic.twitter.com/hrIGkgSEtG

— Jaime López reportero (@JaimeComunidad3) March 15, 2023

Acerca de la responsabilidad afectiva en las relaciones de pareja, que es una de las temáticas abordadas de manera indirecta en "Mentiras el musical", María León destacó la relevancia de poner límites.

Ello, en especial, cuando las personas se caracterizan por ser complacientes y no decir directamente lo que sienten o piensan. Si bien reconoció que se trata de un tema complejo, que puede variar dependiendo la idiosincrasia de cada individuo, dijo que una posible solución para evitar dañar a otro ser humano es la honestidad.

"Yo soy una persona complaciente, por ejemplo, entonces, yo estoy trabajando la permisibilidad: qué permito, cuánto permito, hasta dónde, límites, entonces, depende de cada quien", declaró.

La artista aprovechó el cuestionamiento en cuestión para describir a su personaje, manifestando que es una mujer que no tiene filtros y que trata de ser plena y libre, pero que ha padecido violencia.

"Es una mujer dolida que vive su vida con una plenitud y con una libertad, sin filtros, también te habla mucho de hasta dónde es su feminismo y responsabilidad".

Por otra parte, María León reveló que su primer acercamiento con el teatro musical lo tuvo cuando acudió a las obras protagonizadas por Lolita Cortés, una de sus ídolos.

También manifestó que su rol en "Mentiras el musical" ("Lupita") es un reto actoral debido a que la hace incursionar en el género de la comedia.

La puesta referida se exhibe de vienes a domingo en el Teatro Aldama, en distintas funciones. Tiene una duración aproximada de 150 minutos y es apta para adolescentes y adultos. La cuota de recuperación va desde los mi 170 pesos hasta los mil 950. Los accesos se pueden adquirir tanto en la taquilla del recinto como en Ticketmaster.

Llega "Siete veces adiós" al teatro del CCU, la obra más exitosa del momento

Jaime López

Considerado como el montaje más exitoso de la actual cartelera escénica nacional, "Siete veces adiós" será presentado a las y los poblanos en el teatro del Complejo Cultural Universitario (CCU) de la BUAP.

La puesta en cuestión estará del 2 al 5 de febrero, en un total de seis funciones distribuidas durante esos cuatro días.

Es producida por Ola Ke Ase Creativos, así como por Alan Estrada, Jannette Chao, Vince Miranda, Salvador Suárez, Playhouse Entertainment, Daniel Delgado y Carlos Mtz Vidaurri.

La historia sigue a una pareja, conformada por "ella" y "él", que después de siete años de relación empiezan a ser alejados por la costumbre o la rutina.

Aunque al principio acuerdan darse una pausa, a "él" se le ocurre recrear siete momentos claves de la relación con la finalidad de reavivar el amor que todavía puede existir entre ambos.

Cabe destacar que en sus exhibiciones en la capital poblana, "Siete veces adiós" contará con la presencia de su elenco original, incluyendo a la actriz Fernanda Castillo.

Bajo el slogan "Un musical hecho con el corazón roto", la dramaturgia corre a cargo de Alan Estrada y Salvador Suárez, quienes convierten a la música y el amor en la columna vertebral de su relato.

Asimismo, el montaje intenta hacer una radiografía de las relaciones que se viven en el siglo XXI y, además, cuestiona el concepto romántico del amor perfecto.

Sumado a ello, genera reflexiones sobre otros tópicos universales, por ejemplo, la fidelidad, el deseo de tener hijos o no, la relación con nuestros padres y cómo su ejemplo de pareja influye en nuestras expectativas.

¿El amor es para siempre? ¿Existe el “amor de mi vida”? ¿Cuántos “amor de mi vida” caben en una sola vida? ¿Somos un cúmulo de historias en lugar de una sola historia “para toda la vida”?

Las localidades para "Siete veces adiós", obra apta para mayores de 15 años, se pueden encontrar en Superboletos, desde 640 hasta mil 340 pesos.

La primera función será el día 2 de febrero a las 20 horas; posteriormente, el 3 del mismo mes se presentará a las 18 y 21 horas.

En tanto, el 4 de febrero tendrá funciones a las 17 y 20 horas, mientras que el 5 de febrero, será exhibida a las 17 horas.

"Papito querido", obra que muestra la devoción de los padres hacia sus hijos

Por Jaime López 

Como parte de su gira en el interior de la República Mexicana, la obra "Papito querido", protagonizada y dirigida por Humberto Zurita, se presentará este jueves en la ciudad de Puebla, con la finalidad de mostrar, en clave de comedia, las cosas que los padres están dispuestos a hacer por la felicidad de sus hijos.

Así lo refirió Jesús Ortiz de Pinedo, productor del montaje, quien también mencionó que la audiencia se pasará un rato agradable, porque se trata de una divertida propuesta.

"Es una muy buena comedia, deliciosa; lo que pretendemos es que el público en Puebla venga a reírse, olvidarnos por un momento de lo que está pasando, de la política", expresó.

Destacó la reactivación de las actividades culturales y de entretenimiento en el país, así como el que ya no haya medidas tan restrictivas como el uso del cubrebocas.

En su intervención, la actriz Aylín Mujica, que forma parte del elenco, subrayó el profesionalismo y talento de su colega, Humberto Zurita, quien da vida a dos personajes y se viste de mujer en la historia.

Cabe mencionar que en "Papito querido" la intérprete de origen cubano representa a una esposa que no es feliz con su matrimonio, pero se mantiene en él debido a los señalamientos de la sociedad, al "qué dirán". 

El montaje ya fue presentado hace décadas por Alberto Rojas, pero ahora tiene algunas actualizaciones; además, significa el regreso de Zurita a las tablas escénicas, tras varios años de ausencia.

"Papito querido" se presentará en dos funciones, a las 19 y 21 horas, en el Teatro Principal; los boletos pueden adquirirse en la taquilla del recinto o a través de la plataforma de Superboletos.

La premisa se centra en "Luis", personificado por Zurita, quien en la dramaturgia crea otro personaje, la supuesta madre de su hija, a fin de que esta sea aceptada por sus suegros, los cuales se caracterizan por su vena conservadora y debido a que no admiten que su vástago se relacione con alguien que tiene padres divorciados.