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Ximena Sariñana y Alex Lora destacan en "Jesucristo Superestrella"



Cinetiketas | Jaime López


La nueva temporada de "Jesucristo Superestrella", obra musical basada en el clásico setentero de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, tiene como novedades a los cantautores Ximena Sariñana y Alex Lora, el creador de El Tri.

Ambos debutan en ese tipo de eventos gracias a la tenacidad de Alejandro Gou y Erick Rubín, productores del espectáculo, que llevaba un lustro en pausa.

En breve entrevista, Ximena Sariñana explicó que la diferencia entre cantar en una obra musical y un concierto, es que existe una mayor exigencia vocal en la primera.

"Porque cuando uno hace un concierto, son canciones que escribiste para ti, que te quedan cómodas en tu registro y aquí estás interpretando un personaje, entonces, sí cambia tu manera de cantar", expresó.

Sariñana da vida a "María Magdalena", el interés romántico del protagonista, la cual despierta su parte más humana y empática.

En cuanto a Alex Lora, este tiene una sola secuencia a lo largo de todo el montaje, pero es bien acogida por propios y extraños, ya que se divierten con su personificación de "Herodes", el rey que se encargó de sentenciar a Jesucristo.

El legendario cantante de rock no había sentido un nerviosismo tan grande antes de salir al escenario, esto a pesar de su larga trayectoria, según declaraciones del productor (Gou).

De acuerdo con el empresario, Lora estuvo tan entusiasmado con su participación, que era el primero en llegar y el último en irse. En su escena, no pierde oportunidad para incluir una de sus más icónicas frases, "Mamá, prende la grabadora".

En general, "Jesucristo Superestrella" es una obra grandilocuente que resalta por sus valores de producción y el talento vocal de su elenco conformado por Benny Ibarra, Leonardo de Lozanne, Kalimba, Yahir, María León y el ya referido Erick Rubín, que da vida a "Judas".

Una de sus mejores secuencias ocurre al cierre de la puesta, cuando en la cruz de Jesús se proyectan imágenes de víctimas de guerras o genocidios a lo largo de todo el mundo.

Mario Zaragoza y «Finitud»: el dolor es opcional


Jaime López |


Una pareja está varada en medio de un punto geográfico desconocido, que pudiera ser cualquier parte del país o del mundo. El extravío físico de ambos es una metáfora del limbo emocional en el que se encuentran tras sufrir la pérdida de un ser querido. 

Ese es el punto de partida de "Finitud", la obra escrita y dirigida por Víctor Weinstock, que tuvo su reestreno el pasado 18 de abril en el Teatro Sergio Magaña, localizado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz 114, en la colonia Santa María la Ribera, Delegación Cuauhtémoc (CDMX).

Protagonizada por Mario Zaragoza, Patricia Blanco y Gastón Yanes, explora temas como la culpa, lo efímero de la existencia humana, el enojo y los cambios obligados de la vida.

Del mismo modo, "Finitud" representa un ejercicio catártico para sus protagonistas (Zaragoza y Blanco), que en enero de 2022 tuvieron que afrontar la muerte de su hijo Ángel Fernando. 

En entrevista con Sputnik, el ganador del premio Ariel sostuvo que la puesta de Weinstock les sirve como vehículo para liberar la amalgama de sentimientos de la que son dueños desde la pérdida de su vástago.

Al ser cuestionado sobre si el dolor es algo finito, dijo que "es un sentimiento opcional" y lo distinguió de otro tipo de tragedias como la desaparición de un familiar.

"Saber que es eso, que es un sentimiento que tiene que salir, que se tiene que expresar, entonces, es muy sencillo; el dolor verdadero es algo que yo no se lo deseo a nadie", expresó.

Acerca de su personaje, que viene a cuestionar a la pareja protagonista atrapada en un bucle de dolor, mencionó que un principio no sabía que se trataba de un homenaje a su hijo.

Relató que lo asociaba con la figura de Dios, pues lo definió como un ser ambivalente, que también representa al Diablo. Agregó que su rol es la persona "sabia" que ayuda a los protagonistas a encontrar las respuestas para sus incertidumbres.

"Más que venir a decir qué deben de saber, viene a preguntar para que ellos encuentren lo que necesitan, es una forma muy inteligente de enseñar, esa es la belleza de este personaje", manifestó.

Zaragoza abundó que su rol en "Finitud" no tiene filtros de ninguna clase, ni de género, ni de edad, ni de moral, ni cívicos, porque respeta o le falta al respeto a todas las cosas establecidas.

A pesar de tratarse de un reestreno con una temporada breve, al que le restan un par de funciones los días 27 y 28 de abril, subrayó su alegría de reponerla, porque señaló que ahora tuvo más representaciones a lo largo la semana. 

"Creemos que esta obra tiene para mucho tiempo, para muchos años de presentarse, se ha ido mejorando...", añadió el también ganador de los premios Manolo Fábregas y la Diosa de Plata.

Los costos de los boletos pueden consultarse en el ESTE LINK.

"La pena de muerte no es la solución", coinciden Huarte y Estrella, protagonistas de Réquiem


Cinetiketas | Jaime López


A propósito del regreso de la obra "Réquiem" a escenarios nacionales, Mónica Huarte y Alberto Estrella, los ahora protagonistas del texto escrito por Reynolds Robledo, coincidieron en que la pena de muerte no es la vía para la consecución de justicia.

Cabe recordar que ese tipo de sentencia es el eje central de la puesta dirigida por Enrique Singer, en la que se confrontan dos visiones sobre el caso de un hombre condenado a morir por sus crímenes.

En entrevista para Revista Sputnik, Huarte sostuvo que "matar no es la solución", aunque explicó que su personaje, una férrea abogada, defiende la postura opuesta.

Abundó que la delincuencia debe ser combatida desde los factores que la provocan, es decir, mediante el acceso a una buena educación y la trasmisión de valores positivos para la sociedad.

"Yo creo que si cometes un asesinato, que te maten no es la solución para acabar con el problema, creo que viene del principio, que es la educación, las familias", expuso. 

En cuanto a la preparación de su rol, dijo que no tuvo que platicar con personas sentenciadas a muerte, aunque sí con juristas o especialistas en leyes. 

La recién ganadora de la Diosa de Plata por su papel en "Señora influencer" aseguró que su personificación en "Réquiem" ha sido bien acogida entre abogadas y abogados.

En otro orden de ideas, estuvo de acuerdo en que la camaradería que tiene con su coprotagonista ayuda al buen desarrollo de la obra y destacó la ola de aplausos que han recibido en sus primeros tres días de funciones. 



Por su parte, Alberto Estrella también rechazó la pena de muerte como castigo ejemplar contra aquellas personas que cometan delitos de lesa humanidad, por ejemplo, feminicidios, infanticidios, abuso sexual o violencia ácida.

Ello, explicó, porque sostuvo que la práctica denominada "ojo por ojo" y "diente por diente" solo genera un círculo vicioso infinito.

"Hace apenas unos días me llegó una invitación para el reestreno de un documental que se llama 'Presunto culpable'; es una llamada de atención porque me parece que la justicia de pronto puede ser muy extraña en un país donde no se respetan muchas garantías, por lo tanto, creo que sería muy peligroso establecer la pena de muerte", manifestó. 

A decir del creativo nacional, más allá de condenar a alguien por sus delitos, lo importante es que las y los imputados realmente se arrepientan de sus crímenes.

La obra "Réquiem" se presenta de viernes a domingo en el Foro Shakespeare y tiene una cuota de recuperación de 500 pesos por persona.

Cinetiketas: entrevista con Daniel Giménez Cacho

El gran Daniel Giménez Cacho nos habla de la puesta en escena "El hijo de puta del sombrero", obra de la cual es director y se presenta por temporada especial en el Teatro Shakespeare de la Ciudad de México. 

También nos contó sobre "Familia", filme que protagoniza y se encuentra disponible en la plataforma Netflix.

 

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La gente que no ha visto teatro musical, no ha sido totalmente feliz: María León



Jaime López |


Desde el pasado 10 de abril, la cantante y actriz mexicana María León forma parte del elenco de "Mentiras el musical", la prestigiada obra que lleva más de una década en cartelera.

En el marco de la presentación de su personaje, "Lupita", indicó que el teatro es un elemento imprescindible para la ciudadanía, porque le puede ayudar de distintos modos.

Así, refirió que las artes escénicas pueden ser un reflejo de los estados de ánimo del espectador, un espacio para desahogarse o, inclusive, una oportunidad para analizar un discurso político.

"Si la gente no ha visto teatro musical, creo que no están siendo totalmente felices en su vida. El teatro es un acto de generosidad y un acto de fe, en donde se genera o se comulga con el público", expresó.

La intérprete reviró la opinión de aquellas voces que no son adeptas al teatro musical, subrayando que este tipo de manifestación cultural toca fibras sensibles e importantes.

"Es un espejo, pero también a veces es un discurso político y también una relajación emocional del estrés que vivimos en la semana. Le puedes dar la función que tú quieras al teatro, pero no nos perdamos la oportunidad de vivir esa experiencia irrepetible", sostuvo.

Acerca de la responsabilidad afectiva en las relaciones de pareja, que es una de las temáticas abordadas de manera indirecta en "Mentiras el musical", María León destacó la relevancia de poner límites.

Ello, en especial, cuando las personas se caracterizan por ser complacientes y no decir directamente lo que sienten o piensan. Si bien reconoció que se trata de un tema complejo, que puede variar dependiendo la idiosincrasia de cada individuo, dijo que una posible solución para evitar dañar a otro ser humano es la honestidad.


"Yo soy una persona complaciente, por ejemplo, entonces, yo estoy trabajando la permisibilidad: qué permito, cuánto permito, hasta dónde, límites, entonces, depende de cada quien", declaró.

La artista aprovechó el cuestionamiento en cuestión para describir a su personaje, manifestando que es una mujer que no tiene filtros y que trata de ser plena y libre, pero que ha padecido violencia.

"Es una mujer dolida que vive su vida con una plenitud y con una libertad, sin filtros, también te habla mucho de hasta dónde es su feminismo y responsabilidad".

Por otra parte, María León reveló que su primer acercamiento con el teatro musical lo tuvo cuando acudió a las obras protagonizadas por Lolita Cortés, una de sus ídolos.

También manifestó que su rol en "Mentiras el musical" ("Lupita") es un reto actoral debido a que la hace incursionar en el género de la comedia.

La puesta referida se exhibe de vienes a domingo en el Teatro Aldama, en distintas funciones. Tiene una duración aproximada de 150 minutos y es apta para adolescentes y adultos. La cuota de recuperación va desde los mi 170 pesos hasta los mil 950. Los accesos se pueden adquirir tanto en la taquilla del recinto como en Ticketmaster.

Llega "Siete veces adiós" al teatro del CCU, la obra más exitosa del momento



Jaime López



Considerado como el montaje más exitoso de la actual cartelera escénica nacional, "Siete veces adiós" será presentado a las y los poblanos en el teatro del Complejo Cultural Universitario (CCU) de la BUAP.

La puesta en cuestión estará del 2 al 5 de febrero, en un total de seis funciones distribuidas durante esos cuatro días.

Es producida por Ola Ke Ase Creativos, así como por Alan Estrada, Jannette Chao, Vince Miranda, Salvador Suárez, Playhouse Entertainment, Daniel Delgado y Carlos Mtz Vidaurri.

La historia sigue a una pareja, conformada por "ella" y "él", que después de siete años de relación empiezan a ser alejados por la costumbre o la rutina.

Aunque al principio acuerdan darse una pausa, a "él" se le ocurre recrear siete momentos claves de la relación con la finalidad de reavivar el amor que todavía puede existir entre ambos.

Cabe destacar que en sus exhibiciones en la capital poblana, "Siete veces adiós" contará con la presencia de su elenco original, incluyendo a la actriz Fernanda Castillo.

Bajo el slogan "Un musical hecho con el corazón roto", la dramaturgia corre a cargo de Alan Estrada y Salvador Suárez, quienes convierten a la música y el amor en la columna vertebral de su relato.

Asimismo, el montaje intenta hacer una radiografía de las relaciones que se viven en el siglo XXI y, además, cuestiona el concepto romántico del amor perfecto.

Sumado a ello, genera reflexiones sobre otros tópicos universales, por ejemplo, la fidelidad, el deseo de tener hijos o no, la relación con nuestros padres y cómo su ejemplo de pareja influye en nuestras expectativas.

¿El amor es para siempre? ¿Existe el “amor de mi vida”? ¿Cuántos “amor de mi vida” caben en una sola vida? ¿Somos un cúmulo de historias en lugar de una sola historia “para toda la vida”?

Las localidades para "Siete veces adiós", obra apta para mayores de 15 años, se pueden encontrar en Superboletos, desde 640 hasta mil 340 pesos.

La primera función será el día 2 de febrero a las 20 horas; posteriormente, el 3 del mismo mes se presentará a las 18 y 21 horas.

En tanto, el 4 de febrero tendrá funciones a las 17 y 20 horas, mientras que el 5 de febrero, será exhibida a las 17 horas.



"Papito querido", obra que muestra la devoción de los padres hacia sus hijos


Por Jaime López 
Como parte de su gira en el interior de la República Mexicana, la obra "Papito querido", protagonizada y dirigida por Humberto Zurita, se presentará este jueves en la ciudad de Puebla, con la finalidad de mostrar, en clave de comedia, las cosas que los padres están dispuestos a hacer por la felicidad de sus hijos.
Así lo refirió Jesús Ortiz de Pinedo, productor del montaje, quien también mencionó que la audiencia se pasará un rato agradable, porque se trata de una divertida propuesta.
"Es una muy buena comedia, deliciosa; lo que pretendemos es que el público en Puebla venga a reírse, olvidarnos por un momento de lo que está pasando, de la política", expresó.
Destacó la reactivación de las actividades culturales y de entretenimiento en el país, así como el que ya no haya medidas tan restrictivas como el uso del cubrebocas.
En su intervención, la actriz Aylín Mujica, que forma parte del elenco, subrayó el profesionalismo y talento de su colega, Humberto Zurita, quien da vida a dos personajes y se viste de mujer en la historia.
Cabe mencionar que en "Papito querido" la intérprete de origen cubano representa a una esposa que no es feliz con su matrimonio, pero se mantiene en él debido a los señalamientos de la sociedad, al "qué dirán". 
El montaje ya fue presentado hace décadas por Alberto Rojas, pero ahora tiene algunas actualizaciones; además, significa el regreso de Zurita a las tablas escénicas, tras varios años de ausencia.
"Papito querido" se presentará en dos funciones, a las 19 y 21 horas, en el Teatro Principal; los boletos pueden adquirirse en la taquilla del recinto o a través de la plataforma de Superboletos.
La premisa se centra en "Luis", personificado por Zurita, quien en la dramaturgia crea otro personaje, la supuesta madre de su hija, a fin de que esta sea aceptada por sus suegros, los cuales se caracterizan por su vena conservadora y debido a que no admiten que su vástago se relacione con alguien que tiene padres divorciados.

«Mentiras el musical», Carlos Fonseca y la responsabilidad afectiva



Por Jaime López | 


A propósito de la gira 2022 de Mentiras el Musical, es oportuno hablar sobre su protagonista masculino, "Emmanuel", interpretado por el actor, cantante y conductor, Carlos Fonseca, que sin quererlo puede ser una excusa para revisar el tema de la responsabilidad afectiva de los varones en las relaciones de pareja.

Y es que, dentro de la historia, el personaje mencionado anda con cuatro mujeres al mismo tiempo, aunque ellas lo ignoran hasta que un evento las reúne y las hace descubrir la verdad.

En ese sentido, el intérprete mencionó a esta casa editorial que el teatro puede ser un espejo de tópicos políticamente incorrectos, pero que ocurren en la realidad.

Aunque en tono de broma indicó que "Emmanuel" es un ser enamoradizo e incomprendido, que no supo decirle que no a cada persona con la que se involucró sentimentalmente, reconoce que es culpable del conflicto que desencadena la trama.

De acuerdo con algunos especialistas, la responsabilidad afectiva implica tener conciencia sobre el impacto de nuestras acciones hacia los demás, en donde además debe haber consenso, cuidado y diálogo.

Esas características son las que "Emmanuel" no procura con ninguna de las mujeres a las que enamora, aunque una cosa es cierta, la época en la que se ubica la obra es otra, los años ochenta, cuando las dinámicas sociales no tenían nada que ver con las actuales y el concepto aludido no existía.

Al respecto, Carlos Fonseca expresó que las artes escénicas pueden ayudar a comprender situaciones que a veces no son admitidas por muchos.

En otro orden de ideas, señaló que la puesta escrita por José Manuel López Velarde ha permanecido muchos años en cartelera por la calidad de su dramaturgia, la cual definió como "inteligente" y bien armada, que se las ingenia para concatenar diferentes éxitos musicales de la época ochentera sin que se siente forzada o poco natural.

Añadió que la audiencia se divierte de principio a fin, además de que puede sentirse identificada con alguna de las cuatro protagonistas femeninas que aparecen en escena, que en la versión actual son interpretadas por Paola Gómez, Paloma Cordero, Lorena Vignau y Georgina Levin.

Acerca de la creencia de que el público poblano es uno de los más exigentes del país, el histrión respondió que Mentiras, el musical, es dueña de una gran escritura que lo dejará satisfecho.

Comunicó que el autor le da "una refrescada" a su propia trama tras varios años de representaciones, a lo que se suma una producción renovada y canciones icónicas que no habían estado en montajes anteriores.

Carlos Fonseca es originario de Guadalajara, Jalisco, y ha participado en diversas producciones televisivas, novelas, series, como Los Rey, Soy tu doble, Esta historia me suena o El Señor de los cielos.

En años recientes, ha enfocado su carrera al teatro musical, donde destacan participaciones en proyectos como Ayolante y Billy Elliot; por su participación en este proyecto fue acreedor a un premio como mejor actor por la ACPT.

"Mi persona favorita" y la guerra que juegan las niñas de ahora



Por Jaime López |


"La guerra es lo que jugamos las niñas de ahora" es una las frases más contundentes que se escuchan a lo largo de la historia de "Mi persona favorita", obra escrita por Roberto Jiménez y producida por Teatro Escarlata.

La frase mencionada es una alegoría del clima de violencia que rodea a las nuevas generaciones, en donde los sueños parecen ser entes inalcanzables.

Al respecto, Annalu Mendoza Sánchez, una de las protagonistas y artista con 19 años de trayectoria, señaló que "Mi persona favorita" es un reflejo de los tiempos que acontecen, en donde la juventud es la más afectada por las guerras creadas por sus antecesores.

Explicó que la trama gira en torno a dos hermanas que están tratando de romper la cadena de violencia que les heredó su progenitor, un ex guerrillero de Colombia, cuyos actos las marcaron para siempre.

"No nos queda de otra más que jugar este juego y sobrevivir a esta realidad, de eso se trata la obra, de cómo a veces hay sueños que se truncan, no por ellas, sino por el contexto en el que viven", expresó.
Detalló que su personaje, "Andy", sueña con ser astronauta, a pesar del mundo hostil en el que habita.

"Esta historia se puede contar en cualquier lugar, ahora vivimos tiempos muy difíciles, en donde los niños son los más afectados", apuntó.

Relató que su preparación implicó escuchar historias reales de víctimas de violencia, ser empática con el personaje y buscar la corporalidad y voz oportunas de una niña pequeña, esto último sin caer en el cliché infantil.


Destacó que los personajes que ha interpretado a lo largo de su carrera siempre tienen algún elemento con el que se identifica.

Del mismo modo, indicó que una de sus metas como artista es que cada uno de sus roles dejen una huella, algo que los identifique, aunque se trate del estelar de una obra infantil.

Reveló que en las lecturas dramatizadas de la obra no pudo contener las lágrimas por lo doloroso del texto.

En cuanto a su arribo a Teatro Escarlata, indicó que fue gracias a la obra "Mundo y las brujas". Posteriormente, comenzó a apoyar a la compañía en distintas facetas, ya sea manejando sus redes sociales o desempeñándose como gestora cultural.

Señaló que Teatro Escarlata se caracteriza porque sus propuestas tienen un toque mágico, pero también se aderezan con alguna crítica o apunte social.

Con 26 años de existencia y una carrera en ascenso, ya que actualmente es directora y productora de Omnia Teatro, Annalu señaló que hace falta que los poblanos se animen a ver una obra local.

Sostuvo que en el estado hay una enorme diversidad de talentos y de historias para todos los gustos, pero reconoció que en ocasiones las compañías no se apoyan entre sí.

"Mi persona favorita" se ha presentado en espacios como la Sala Luis Cabrera de la Casa de Cultura y también estuvo aproximadamente un mes en el foro de Puro Drama.



Itari Marta, una mujer con causa que pide paro nacional por feminicidios en México


Por Jaime López


Su nombre es sumamente reconocido en el ámbito escénico del país, tanto por su amplia trayectoria en diversas trincheras o modalidades como por su incansable promoción del teatro.

Además, se le identifica como una activista de los derechos de las mujeres, que percibe en la cultura y en el arte una plataforma oportuna para ayudar a disminuir la violencia en contra de ellas.

Es Itari Marta, directora del Foro Shakespeare y creadora de la Compañía del Teatro Penitenciario, cuya finalidad es contribuir a la reinserción social de las personas que se encuentran privadas de su libertad en el penal varonil de Santa Martha Acatitla.

Entrevistada con motivo de su aparición en la nueva temporada de "Mujeres con causa", programa documental transmitido a través de Canal 14, Itari Marta destacó la relevancia de difundir los logros y esfuerzos del sector femenino.

"Qué orgullo que el trabajo de las mujeres se difunda, porque la verdad es terrible lo que pasa en este país con nuestros jóvenes y con nuestras mujeres, entonces, empezar a difundir lo que hacen, empezar a darles un lugar más predominante a las mujeres, creo que es necesario para que el odio que hay contra nosotras se empiece a subsanar y se empiece a equilibrar", dijo.

Aunque admitió que sabía muy poco del programa mencionado, accedió a formar parte de este por el entusiasmo y amabilidad de la productora, Carmen Huete.

Señaló estar orgullosa de su labor, porque, explicó, ha sido ardua, a lo cual agregó que el destino le ha llevado a incursionar en diferentes áreas para sobrevivir.

Cuestionada sobre si el teatro es una herramienta poderosa para ayudar a erradicar la violencia de género en México, apuntó que sí debido a que informa, previene y es un espacio ideal para la denuncia social.

A pesar de lo anterior, precisó que el problema de las artes escénicas es que no tienen el impacto masivo y exprés que poseen otros medios, como por ejemplo, la televisión.

Llamó a realizar un paro nacional debido al preocupante y grave conjunto de cifras de feminicidios y desapariciones registrados en el territorio mexicano.

"Lo que está pasando con las mujeres es para parar el país, para quemarlo todo", refirió.

La creadora dijo que sensibilizar a la población es una de las acciones más urgentes que se tienen que implementar si se desea detener la violencia de género.

"Yo estoy muy conmovida, me parece increíble; creo que las palabras que te pueda decir en este momento son puras palabras que ya hemos escuchado antes. Evidentemente, las cifras no son para sentarse a dormir, las cifras son para parar el país, para hacer paro nacional", expresó.

Si bien resaltó que no es partidaria de la violencia radical, dijo que hay un alto nivel de impunidad en el país que la llevan a cuestionarse diversas cosas.

El programa de "Mujeres con causa", el cual está conformado por 13 emisiones, puede verse todos los lunes a las 19 horas, en tanto, su retransmisión se realiza los sábados a las 20 horas.


Situación del Foro Shakespeare y la descentralización de la cultura

De acuerdo con lo expresado por la conductora de "Diablas", el espacio escénico bajo su cargo, es decir, el Foro Shakespeare, no se encuentra en una situación financiera boyante, producto de la pandemia del nuevo coronavirus y el déficit acumulado en los últimos años.

No obstante, señaló que quienes asisten están respondiendo de manera positiva a varias de las obras y eventos celebrados en el espacio mencionado.

"Sí están respondiendo, no todos los días, no con todas las obras, pero hay eventos que están llenos y ninguno está vacío", apuntó.

 

Agradeció a este espacio editorial por coadyuvar a la difusión del Foro Shakespeare y por hacer que el público se entere que nuevamente está abierto.

En otro orden de ideas, dijo estar de acuerdo con la propuesta de descentralizar las actividades culturales en México, es decir, que muchas de ellas no se limiten a presentarse únicamente en la capital del país.

Lamentó que el actual gobierno federal no está destinando el presupuesto necesario para conseguir tal propósito (la descentralización).

"No es que no haya dinero, lo que pasa es que no hay suficiente y no se está destinando a los lugares adecuados", declaró.

Dijo que, en comparación con otros países, es abismal la diferencia del monto destinado al arte producido en el país.

Acerca de sus proyectos en puerta, comunicó que actualmente está produciendo el ciclo de Dramaturgias de paso, que tiene el objetivo de ayudar a los escritores escénicos para ver montadas sus historias.

Añadió que está terminando la realización de "Hansel y Gretel" y recordó la serie de opciones que tiene el Foro Shakespeare, por ejemplo, el festival de monólogos.

Finalmente, indicó que la Compañía de Teatro Penitenciario está presentando "MacBeth" luego de dos años sin actividades. Invitó a escribir al correo teatroyprisión@foroshakespeare.com a las personas interesadas en acudir a dicho montaje.


"De ovejas y príncipes en un tren", una fábula amorosa sobre el duelo


Por Jaime López |


A lo largo de un mes y medio, el foro de Puro Drama fue sede de la obra titulada "De ovejas y príncipes en un tren", con la que la actriz y directora mexicana, Patricia Madrid, propuso una reflexión empática acerca de temas que podrían resultar espinosos para muchas personas, por ejemplo, la muerte y el duelo.

En entrevista, la creativa enfatizó que el público objetivo principal del montaje fue el infantil, porque consideró que ha sido minimizado por los adultos.

"Los adultos a veces tenemos la idea equivocada de que los niños no deben de saber esas cosas, que a los niños no se les debe de hablar sobre lo qué pasó o creemos que no lo comprenden en su totalidad, y a mí me parece que esa es una idea errónea, porque los niños son sabios", explicó.

Destacó que "De ovejas y príncipes en un tren" también fue una oportunidad para volver a conectar con sus orígenes, porque recordó que ella estuvo alrededor de 20 años sin realizar un montaje en Puebla.

Añadió que, en el marco de la pandemia del nuevo coronavirus, el texto que coescribió con Paula Watson resultó más que pertinente para los connacionales debido a los diferentes tipos de pérdidas que han padecido.

"Me parece que en este momento, en donde estamos todos atravesados por una pandemia, que ya lleva dos años presente en nuestras vidas y que, además, ha dejado pérdidas, duelos, cambios inesperados de circunstancias para muchísima gente, que han perdido familiares, gente querida, gente cercana, pero también duelos que tienen que ver con pérdidas de trabajo o cambio de circunstancias de vida, cambio de ciudades, que a final de cuentas no dejan de ser cambios que generan dolor por cerrar ciclos", acotó.

En cuanto a la decisión de incluir una oveja como protagonista, indicó que es una oda a las personas que no se dejan devorar por la masa.

"Pareciera que las personas que se cuestionan cosas o que sienten un impulso distinto o simplemente sienten la intuición de no avanzar o de no caminar hacia donde van todos, pareciera que están equivocadas o las tachan de ovejas negras, entonces, de ahí nos vino el personaje de la oveja que a final de cuentas es leal a sí misma, se obedece a sí misma", declaró.

Acerca del personaje del príncipe, apuntó que éste es abordado desde una perspectiva diferente a la clásica, pues lo expone como un ser que tiene disposición a aprender de sus errores y conectar con sus emociones.

"Quisimos retomar un elemento de algo a lo que estamos acostumbrados, pero darle la vuelta, que no fuera una princesa, sino una oveja que toma decisiones y hacer un príncipe que no es títere, que es genuino, que habla desde el corazón, que contacta con sus emociones", expresó.

En cuanto a contextualizar todo el relato en un tren, mencionó que se trata de una analogía del viaje natural que emprenden los seres humanos, que incluye distintas paradas.

"El tren definitivamente tiene que ver con el viaje, con el trayecto, una vez que llegamos a la vida y que nacemos emprendemos un viaje que no para hasta que para, y muchas veces tenemos la sensación que vamos a la deriva", dijo.

Sobre la selección del elenco, respondió que tuvo la fortuna de coincidir con una de sus protagonistas, Lisha Montaño, en un taller de dramaturgia impartido en la Ciudad de México.

Abundó que ella fue quien le empezó a presentar actores poblanos y contactarse con ellos.

"Para mí fue muy grato, fue muy lindo, conocer a todas estas personas que yo no conocía, fue muy grande que se sumaron al proyecto sin conocerme", apuntó.

En otro orden de ideas, estuvo de acuerdo en la descentralización de la cultura, pero aclaró que ello no significa que debe de frenarse toda la actividad artística desarrollada en la Ciudad de México.

Finalmente, remarcó su sorpresa de haber regresado a la Angelópolis y encontrar un movimiento teatral más activo y sólido en comparación con el que existía hace 20 años.

Construarte crea experiencias que alimentan el espíritu y la imaginación: Víctor Rubén


Por Jaime López |


Para las personas que residen en la capital poblana y que buscan actividades artísticas alternativas, el Centro Cultural Construarte es una oportuna opción debido a la variedad de montajes y talleres que tiene a su disposición. 
Definido por su director Víctor Rubén como un espacio que fomenta la creatividad y produce un gozo emocional, Construarte cumple más de dos décadas de existencia en una nueva sede, ubicada en la calle Citlaltépetl número 15, en la colonia La Paz. 
En ese lugar, el público encontrará distintas representaciones escénicas, además de talleres para todo tipo de edades, por ejemplo, actuación y coro infantil, o esgrima deportiva. 
En entrevista, Víctor Rubén señaló que la nueva etapa de Construarte abarca una oferta más amplia de actividades. 

"La oferta volvió a crecer, ya no son solamente obras de teatro y talleres, ahora también son obras de teatro por Internet, grabaciones cinematográficas, una sala de cine, en fin, empezamos a crecer y Herencia 911 (su anterior sede) nos quedó chiquita", expresó. 

 

Abundó que, además de La Rekámara, una nueva compañía local se ha sumado a sus filas para enriquecer el abanico de propuestas, Faramalla Teatro. 

"Somos una asociación civil que se dedica principalmente a difundir y a crear experiencias que alimenten el espíritu y la imaginación de las personas", apuntó. 

 

Subrayó que Construarte toma en cuenta la equidad de género, así como la diversidad de disciplinas artísticas, ya que se conforma por cineastas, locutores, cantantes, actores y actrices. 
En cuanto a uno de sus cursos permanentes más llamativos, destaca el referente a esgrima artística y deportiva, que incentiva la disciplina y el control corporal. 


Al respecto, el creativo explicó que el taller en turno ayuda a los histriones a no lastimarse en producciones en donde tienen que recrear escenas de peleas. 
Del mismo modo, recordó que, a principios del siglo XX, era una actividad sumamente relevante para el gremio periodístico, porque servía para resolver confrontaciones entre reporteros y políticos. 

"Por ahí de 1907, más o menos, en México era bien importante que los reporteros supieran esgrima, porque muchas veces de quienes escribían los demandaban y tenían que dirimir su querella a través de una lucha, a primera sangre, no se morían, el primero que salía herido era el que perdía. Si perdía el reportero no sacaba la nota, pero si ganaba el reportero sacaba la nota con la anuencia de la persona aunque fuera afectada", acotó. 

 

En otro orden de ideas, el protagonista de "Monogamia" señaló que ha ido en aumento la audiencia de las obras locales. Ello en virtud de que cada vez son menos los montajes foráneos que arriban a la Angelópolis. 

"Afortunadamente para nosotros, la oferta de obras de teatro de fuera está baja y entonces el público necesitado del contacto, necesitado de una experiencia, viene, se acerca. Vamos creciendo, lento, pero el público afortunadamente está buscando más teatro", declaró. 

 

No obstante, reconoció que todavía hay gente que le da miedo salir y acudir a un foro escénico en el marco de la pandemia del nuevo coronavirus. 
En ese sentido, indicó que Construarte acata todas las medidas de salud preventivas a fin de cuidar a sus espectadores. 

"Lo que le podemos ofertar al público que tiene miedo o se reserva es ser muy estrictos en lo que son las disposiciones de higiene de Covid-19, por ejemlplo, toma de temperatura, toma de oxiginación, el gel,  todas las habitaciones diariamente se sanitizan y todos los actores tienen su esquema completo de vacunación", sostuvo. 

 

Entre las obras que, actualmente, Construarte ofrece a su público se encuentran "Terapia de pareja", "Monogamia" y "Corazón delator". 
Esa última es donde el público entra con los ojos vendados a percibir una representación teatral. 
Para mayor información acerca de los montajes y talleres de Construarte los interesados deben llamar al 2222126634 ó 2224569655.
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