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«Alza la Vista» y la introspección de Daniel Dennis

Por Erick Araujo
TW @iamaraujo10

Un sector de la música independiente mexicana ha venido a la alza gracias a propuestas que han dado de qué hablar en todo el país (Ed MaverickBrattyDRIMS); con sonidos, letras y fórmulas muy específicas que les han permitido sobresalir en la nueva industria musical. 

Entre esas propuestas encontramos el folk rock de Daniel Dennis, originario de Tijuana, con dos LP’s en su baraja: “Corre el Tiempo” y “Alza la Vista”. Éste último le ha permitido encontrarse a sí mismo en un viaje lleno de paisajes armónicos, melódicos y reflexivos.

“Alza la Vista” es un álbum donde encontramos que el inicio de este viaje es “Al Horizonte” para hacernos saber que no estaremos perdidos mientras mantengamos la vista hacia el lugar donde queremos llegar. Al Horizonte no sólo representa el inicio del viaje, sino el camino por el cual nos llevarán los acordes de Daniel Dennis.

El segundo track “Lo que tenga que pasar” destaca mucho en principio con percusiones que a lo largo de la canción nos llevan a un punto de algarabía musical y que pase lo que tenga que pasar. El tema concepto “Alza la Vista” es una oda a la vida, muchas guitarras, rock y una lírica que alude a la esperanza en tiempos desoladores, uno de los mejores paisajes de un álbum lleno de vaivenes, pues inmediatamente viene “Ciclo”, que deja atrás la electricidad y con cuerdas más acústicas nos recuerda que es en los ciclos lo natural es volver a empezar.

La introspección es una virtud que está presente en cada una de las letras para el oyente, en lo que fuimos y somos, encontrando “Reflejo de mi Ser” y “Pensando en Hoy”, dos canciones intermedias que mantienen esa elegía intuitiva.

Hace unas semanas, Daniel Dennis estrenó el video oficial de “Otra Noche Sin Dormir”, quizá la canción más destacada del disco y que es imposible dejar pasar por alto.




El final del viaje sólo es el comienzo de algo nuevo… Daniel Dennis cierra este material con un “Día Nuevo” tras haber recorrido paisajes armónicos y otros llenos de contrastes, la historia se renueva al empezar el día con una taza de café y una guitarra acústica, o en nuestro caso, con una buena playlist.

Sin duda alguna esta producción tiene el potencial para situarse como una propuesta fresca en el espectro musical de nuestros días con un estilo folk rock que, entre tanto ruido comercial, siempre se agradece escuchar. Daniel Dennis nos regala “Alza la Vista” no sólo como su viaje en solitario de introspección, sino también nos invita a ser pasajeros de una travesía con caminos que seguramente nos parecerán familiares o cruciales en nuestra vida; ideal para tomarnos un tiempo, pensar y serenar nuestras emociones y, comenzar una nueva historia.

Un rol con La Trola y su nuevo material «Inmortal»


La banda poblana de rocanrol "La Trola" ha anunciado el lanzamiento de su segundo material, titulado "Inmortal", que en palabras de los integrantes es una creación su propio entorno, "por muy hostil que este parezca".


“Saludos desde el Mictlán, desde las barricadas de esta ciudad, de unos parecidos a un maldito animal que no soportan más las insignias del oficial, porque todos los gobiernos se las gastan igual, somos testigos de que este mundo fue parido desde el infierno". 


Tras un lustro de la publicación de su primer álbum (La Trola, 2014), la agrupación regresó al estudio de grabación para entregar un disco que pretende llevarnos a dar un rol junto a un personaje autodenominado Inmortal, quien, valiéndose de dichos como "lo que no te mata te hace más fuerte", empieza a abusar de lo que algunos llamarían buena suerte, pero más bien se da cuenta de que todo es parte del mismo sistema, que no quiere matarle y cuelga de su teta.



Y es que La Trola, y la banda que nos escucha, somos eso: gran parte de la sociedad y clase chambeadora somos inmortales (incluso los que han colgado los Panam y se les han puesto sobre ellos las coronas heladas), pues hemos de aguantar las jornadas laborales impuestas de ocho horas (pero si dobleteas, ganas más, no seas güey), jubilarnos hasta los casi 70 añicos sin más pensión que la retribución que te dé un cliente de la comercial por empacarle su despensa, o sobrevivir con los salarios de mierda que asignan nuestros políticos (de izquierda o de derecha) enajenados siempre por el poder.


Podremos escuchar "Inmortal" de La Trola a partir de este 1 de febrero en las principales plataformas musicales y en formato físico en la presentación oficial del disco el próximo 14 de marzo en el Foro Hilvana de la Ciudad de México.

Audry Funk: libertad y resistencia deslenguada

Call me old fashioned… please! | Por Mónica Castro Lara |


Para una mujer que insiste y asegura tener un alma vieja –en muchos sentidos-, me resulta complicado acercarme e identificarme con música nueva, pero en cuanto escuché ‘Autogestión y resistencia’ de mi coterránea poblana Audry Funk, de inmediato hallé conexiones e inquietudes que hicieron que me ‘devorara’ el álbum y quisiera repetirlo cuantas veces fuera necesario para poder apreciar con más detalle su arte disidente. Compuesto de once canciones y un track introductorio, ‘Autogestión y resistencia’ es un recorrido, de más de 40 minutos, por las experiencias personales y profesionales de la cantante, el empoderamiento femenino y la compleja situación social, política y económica que atravesamos en el mundo quienes nacimos fuera del orden bio-político, generacional y territorial dominante. Si bien el disco fue lanzado en 2017, sus letras son atemporales, así como la excelente música que las acompaña: una combinación sugerente entre reggae, hip hop, soul y funk latinoamericano.

Pero antes de continuar escribiendo sobre el segundo material discográfico, es imprescindible que les comparta un poco de su trayectoria. Desde siempre, Audry Bustos Díaz ha estado rodeada de música gracias a los melómanos de sus padres (que yo quéeee); paralelo a este contexto, buscaba formas distintas de expresión, por ende no es extraño que dicha necesidad transmutara en canciones y poemas a muy corta edad. A los 15 años, forma su propia banda de reggae y comienza a hacer música independiente, al mismo tiempo que descubre poco a poco la escena hip hopera y rapera de Puebla. Tras concluir la licenciatura en Filosofía y Letras en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, toma la decisión de dedicarse al trabajo social y al activismo formando parte del colectivo ‘Mujeres Trabajando’ fundado en el año 2009, proyecto destinado a promover cultura a través de conciertos, mesas de discusión, talleres, exposiciones, entre otros.

En 2012 publica su primer álbum titulado ‘Verso… luego existo’ con trece temas y colaboraciones de DJs chilenos y dominicanos. Asimismo, inicia su consolidación como artista presentándose en distintos festivales y proyectos locales y nacionales, sin hacer de lado la lucha que implica ser mujer en un medio predominantemente masculino y sobre todo, la convicción de tener y mantener un proyecto independiente, autogestionando sus propios recursos para lograr afirmarse exclusivamente a través de su arte: “Yo entendí que el hip hop cambia vidas cuando me la cambió a mí”, expresa Audry en una entrevista del podcast “Ellas Ahora”, en donde plantea el impacto que ha tenido el escenario en su vida, quizá como el espacio para ejercer con autenticidad su activismo, un lugar de interlocución con el otro, de visibilización de la memoria, en donde la música se torna una forma de libertad, de pensamiento y de resistencia.


Es durante una gira por Estados Unidos que conoce a quien se convertiría en su actual esposo y por ello reside ahora en Nueva York, hecho que le ha permitido conocer la escena musical independiente del Bronx pero donde también se ha enfrentado con la resignificación de la palabra migrante, lo que indudablemente ha influido en sus letras y en su cosmovisión. En una entrevista para un medio poblano, aseguró que “[…] llegué a un lugar donde primero soy migrante, no artista, ni licenciada en Filosofía y Letras”. El idioma no ha sido barrera para generar nuevos seguidores a su movimiento urbano y lograr que conecten con su música, gracias a la apertura de la gente para escuchar cosas nuevas y a que de por sí, el Bronx, cuenta con una considerable población latina.

El reto para su segundo material discográfico era grande. Pasaron cinco años para su realización (2017), y en él Audry se deconstruye como mujer y como artista. Con frases ´deslenguadas´ como “haciendo poesía declaro mi independencia” y “a través del arte resistimos”, rápidamente nos hace parte de su sentir y de la política de sus inquietudes; nos enlaza –a través de beats contagiosos y trompetas estridentes- con temas como la sororidad, la desaparición forzada en México, la migración, el subdesarrollo disfrazado de progreso, la autogestión y la resistencia y, el amor propio, que podemos entender también como un acto disruptivo.

La extraordinaria voz y el valioso arte de Audry Funk, han llegado hasta Chile, Bolivia, El Salvador, República Dominicana, Ecuador y por supuesto, Nueva York. Uno de sus mayores logros, ha sido el presentarse en la prestigiosa Universidad de Harvard en 2018, en donde participó en un concierto en contra de la anulación del programa DACA (Deferred Action for Childhood Arrivals). A inicios de marzo del presente año, estuvo representando a México en Bélgica, París y en San Sebastián, en España. A través de su cuenta de Instagram, fuimos testigos de la excelente recepción de sus presentaciones en dichas ciudades y que, como bien predica, “el hip hop es crear comunidad”. Actualmente encabeza ‘Somos Guerreras’ un colectivo feminista de raperas latinoamericanas, junto con Nakury de Costa Rica y Rebeca Lane de Guatemala, cuyo objetivo principal (además de la gira musical del trío), es visibilizar y potencializar el trabajo de otras raperas y hip-hoperas latinas. En este mes de junio, se les puede ver de gira por Europa y, si a mí se me enchina la piel cuando escucho cómo corean sus letras, no me imagino qué es lo que sienten ellas.

Además de su poesía, lo más fascinante ha sido descubrir el trayecto de Audry; el reconocer sus ideales y la forma en que los representa a través de su música, su imagen, su feminismo y su autenticidad. Audry no sólo está rompiendo esquemas, sino que está construyendo sus propios paradigmas. Estemos pendiente del éxito de Audry Funk y seamos testigos de su influencia en el hip hop latinoamericano, al mismo tiempo en que apoyamos a otros artistas locales, ya que talento y compromiso hay y de sobra. Pueden descargar ‘Autogestión y resistencia’ en Spotify, así que… ¡háganlo ya!



[1] Los intérpretes o artistas de rap son conocidos como MC o, en plural, MC’s que significa “Maestro de Ceremonias”. El MC produce rimas sobre un tema en concreto encima de una base musical realizada por un DJ o un Beatmaker. 
Fuente: rap.fandom.com

Iván Montoya en directo y “Feliz”

Por Sergio Martínez


Iván Montoya Salazar (Aguascalientes, 1978) inició su carrera musical en la adolescencia, “teníamos que cubrir la materia de Artísticas y gracias a eso, conocí al profesor Fernando Edréhira, creador y fundador de un grupo legendario de música folclórica y rescate cultural llamado Ketzal. Gracias a ello, me inicié en este rollo de la música, logrando incursionar en muchos géneros musicales antes de llegar donde ahora estoy. Anduve en la onda folclórica, andina, sonera, pasé por el rock, hasta que agarré el camino de la música acústica que es donde he estado ya mucho tiempo moviéndome como músico de compañeros, o bien, con proyectos propios o en conjunto con gente del mismo medio. Básicamente el conocer al profe Edréhira fue la puerta hacia la melomanía y el adentrarme en este mundito; cabe decir que, gracias a él, tuve la fortuna de tocar en dos ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, así como acudir a un Encuentro Internacional de Música y Danza en Italia. Ha sido maravilloso ser músico, la verdad”. Con más de 27 años de trayectoria musical, Iván Montoya nos presenta su primer disco llamado: Feliz.


Cuéntanos tres momentos que hayan marcado tu trayectoria musical
El primero sería haber tocado en el mayor recinto cultural del país que es el Palacio de Bellas Artes; otro es haber viajado al viejo continente y que la música costeara andar un mes y medio por allá, y la tercera es, sin duda, tener por fin mi material de canciones propias.


¿Cuál ha sido tu mejor momento como músico?
Sin lugar a dudas es ahora. Antes trabajaba de diferentes maneras cuando tocaba para otras personas, ahora tomo las decisiones yo, así que en este barco puedo ser el marino, el polizón, pero también el capitán.

¿Cuál ha sido tu peor experiencia como músico?
No sé si sean malas experiencias o no, simplemente hay tocadas que no son tan certeras como quisieras, pero al día siguiente analizas desde una perspectiva diferente y te das cuenta que cada error son áreas de oportunidades para crecer, encuentras los detalles y tiras pa’lante. Esta es una carrera de tirar mucho la cuerda más nunca de aflojarla.


¿Cuáles son tus influencias musicales?
Me gusta un poco de todo, es necesario saber cómo se compone musicalmente un tango para poder intentar crear uno; así sucede con todos los géneros. Me encanta el bolero, José Alfredo Jiménez, me llama mucho la atención un cantautor español llamado Luis Ramiro, y bueno, también están esos grandes monstruos como Sabina, Serrat, Silvio, Fito, Calamaro y todos esos que ya sabemos quiénes son y de quienes todos mamamos. Me he aferrado también a Chava Flores, Tin-Tán y, últimamente, ando escuchando los proyectos locales, me he encontrado muchas buenas sorpresas.


¿Cómo nace el proyecto de tu disco Feliz?
El proyecto se va gestando desde mucho tiempo atrás, incluso podría decirse desde que estaba en La Ralea, pero un detonante fue el Instituto de Cultura de Guanajuato, que me invitó a participar en Encuentros de Cantautores y para mi sorpresa, me vi tocando en el Teatro Juárez unos meses después de haber sido invitado, todo ese movimiento me alentó a ponerme las pilas y decidirme a hacer Feliz. A la par, mis cercanos, no dejaban de decirme que grabara algo, que ya era momento de dejar un testigo del trabajo propio que muy pocas personas conocían, así es como nace Feliz, después la suma de talentos fueron los que hilaron todo el disco que ahora me cobija.


Varias canciones del disco son de tu autoría, otras las firmas con otros compositores, y un par son de Agustín López Velarde; un corrido, varias baladas, historias de amor, de reproches, estampas urbanas, un homenaje a un cantautor español ¿de dónde viene las historias de tus canciones?
Las canciones nacen de muchas cosas, soy muy voyeur, me gusta observar todo, prácticamente mis canciones vienen cargadas de vivencias más o menos reales, obviamente con sus dosis de inventiva, otras son totalmente invenciones que nacen a partir de una frase, por ejemplo, en Feliz hay una canción que se llama “El ranchero desvielao” y es de las pocas canciones que escribí al hilo cuando ya estaba produciendo el disco, salió de una sentada y es una historia creada de la nada, curiosamente me hacía falta un tema en tono de broma para el disco y al  momento de irla escribiendo se fue dado ese tenor. Las canciones se cargan de historias, reales o no, pero siempre con el sello distintivo de quien las crea. Como dices, hay coautorías y se notarán los lápices de las manos que intervienen.


En estos tiempos tan violentos donde parece que el mundo se derrumba y deshumaniza hay una canción para tus hijas, hay una estrofa que me gusta mucho, dice: “cómo les digo que en sus venas, ahí me llevan a vivir en su futuro”, incluso en esa canción tu voz se escucha completamente diferente a las otras canciones del disco, ¿Qué te supuso escribir y cantar esa canción?
Esta canción no estaba prevista ni creada cuando estaba grabando el disco, pero algo me decía que tenía que dedicarles una canción a mis hijas por el simple hecho de que ellas son mi mejor creación, son mis mejores canciones. La canción la escribí para tratar de legarles algo más allá de educación a mis hijas, es una manera de comprometerme en su futuro a que yo voy a seguir siempre a su lado y es una manera de decirles que las amo. En la canción se toca el tema de la permanencia eterna, de estar con ellas hasta el fin, y metafóricamente la canción hace eso, es simplemente una promesa de que iré con ellas al futuro, aunque ya no estemos su mamá y yo físicamente. También conlleva una bendición diaria por decirles que vivan al 100 y que tengan siempre un gran día. Supongo que es mi manera de serles eterno.




En el horizonte musical en el que has desarrollado tu carrera musical, se te identifica por tu estilo de tocar la guitarra, específicamente tu requinto; las canciones de tu disco imbrican eficazmente letra y música, incluso hay unas segundas voces muy sutiles que se escuchan deliciosas, las cuerdas, las percusiones… ¿por qué tu requinto solo se escucha en la primera canción? y ¿cómo lograste darle este sonido multicolor y brilloso a tu disco?
Se escucha más, solo que muy veladamente. El estilo es algo que se ganan con los años, no lo digo yo por ser bueno o malo, lo dice la gente que te escucha, hay veces que va sonando una canción y la gente dice, ese es tu requinto Iván, y en efecto lo es, supongo que eso se gana con los años y es algo muy bueno, pero para mi disco no quería eso, no quería que sonara todo a Iván, yo quería un universo musical multisonoro, no quería una misma línea y es por eso que me hice un poco a un lado, no de la producción, pero sí de la ejecución y quise que mis amigos le dieran ese otro color que por naturalidad no le podía dar yo, si te fijas en los coros, el color sutil que dices lo hace especial, al igual que los otros requintos, o la armónica de Pel, la trompeta de Fercho o el acordeón mismo, yo quise que el disco funcionara con una gama de colores diferentes a los que yo estoy acostumbrado a darles. Supongo que esa fue la magia de que suene tan bien.


¿Qué fue lo más difícil durante la grabación del disco?
Lo complicado fue juntar a tantos músicos, no por las ganas o fuera de ellas, sino por los tiempos tan apretados de todos. No se si sepas, pero todos son músicos reconocidos de aquí (Aguascalientes) y de la república y, por ende, todos andan con mil actividades. Yo les agradezco su tiempo y su creatividad, la verdad es que hicieron de Feliz un disco que ni siquiera yo lo hubiese soñado.


¿Qué fue lo que más disfrutaste durante la grabación del disco?
Lo mejor fue cuando mezclamos Agustín López Velarde y yo, entre ambos producimos el disco, salvo el tema “Y sí” que lo hizo Luis Miguel Aguilar; pero ir armando y empezar a detallar donde colocar los sonidos fue un deleite, y es que las posibilidades se generaban por los gustos y entonces entre las pláticas con Agus y la manera de resolverlas, ¡uy!, es un agasajo, no me lo vas a creer Sergio, pero me gusta más estar produciendo, grabando, quitándole, poniéndole que estar tocando en un escenario,  estar tras los aparatos y comenzar a sumar o restar ejecuciones es lo que más me agrada.


¿Por qué se llama Feliz?
Se llama así no por algún tema del disco sino por un estado de ánimo. Tengo cuatro años de mi vida viviendo en ese estado, mi vida ha cambiado para bien y es algo que agradezco y supongo que mis cercanos lo hacen también. Antes era más aprensivo en muchas cosas, ahora ando de liviano por la vida, he dejado de desvelarme como antes, ya no me reviento dos días de juerga, vamos, me he guardado para ser feliz, descubrí que perder gloriosamente mis horas de sueño en bares hablando pelotudeces era algo que era necesario hacer en la vida, pero no eternamente. Ahora disfruto a mis hijas, vivo de día, me encanta dormir, vamos, ando en un modo light y andar así es estar Feliz. El disco no lo pude haber sacado antes de abrevar todo lo que te platico, era necesario envenenarme para luego curarme en salud y poder decir con franqueza que vivo Feliz y que mi trabajo musical me acompaña.


¿Cuándo lo presentas en sociedad?
El disco se presentará en Peña El Sur, el próximo 29 de junio de 2019. Estaré acompañado de prácticamente todos los músicos que grabaron, así que será una reunión o comitiva especial para quienes vayan a escucharnos. Trataré de narrarles los porqués de las canciones y haremos una noche entre amigos donde cantaremos las canciones del disco y celebraremos con un par de copas la dicha de estar vivos y de ser felices. En la apertura tendremos a un chavito que anda con todo, se llama Alex Márquez. El costo del boleto por el show es de 60 pesitos y si quieres llevarte aparte el CD, el costo del show más el CD es de 120 pesos, bastante módico para que toda la gente tenga acceso a él.


¿Algo que quieras agregar y no haya preguntado?
Que los invito a que me escuchen por las principales plataformas digitales, ya estamos presentes ahí y que toda la gente trate de apoyarnos a quienes somos autogestivos, hay mucho talento y mucha música hidrocálida que vale la pena, hay que darse un clavado a las propuestas y ver que las cosas se hacen bien, llevan corazón y sobre todo son honestas. Gracias a ti Sergio por esta entrevista, pero sobre todo por contribuir para la cultura, para Aguascalientes y para las letras. Abrazos amigo.

De vita beata


Por Sergio Martínez | 

Según la Real Academia Española, la felicidad es un estado de grata satisfacción espiritual y física. Para Séneca los hombres aspiran y quieren ser felices, cada quien a su manera debe descubrir qué es y cómo obtenerla. Otros filósofos la relacionan con la búsqueda, el placer, el autoconocimiento, el deber, la superación, la ubican dentro y no fuera del ser humano.

Iván Montoya, músico con larga trayectoria en diferentes proyectos musicales donde su guitarra fue la huella digital de su colaboración, lanza Feliz; placa con 15 cortes musicales, algunas de las letras son de su inspiración, otras son firmadas en coautoría con: Silo Montañez, Agustín López Velarde y Héctor Cantú; y un par más de rolas son de pluma de Agustín López Velarde. Si hacemos caso a la teoría, Feliz es un disco que nos ubica en la definición de Henry David Thoreau para la felicidad: “es la única riqueza del ser humano y proviene de vivir intensamente el momento”.

El disco brilla sonoramente, cada canción imbrica de manera precisa letra y música, resultando en un dardo certero que da en el centro de la felicidad que quien canta y aspira a compartir con quien escucha. El primer corte es: No la dejaré partir: reseña de un alguien que encuentra su otra mitad y aspira a quedarse juntos hasta que el cuerpo aguante; la ruta musical continúa con Negando el sacramento: historia de un amor malogrado, puestos a perder, que se pierda todo, incluso la dignidad. Que vivan: no todo está perdido, alegorías hechas a medida (muy a la Sabina) para subrayar todo eso que vale la pena y pocos valoran. Por siempre: bolero sabrosón, reminiscencias de quien busca, encuentra y pierde a la chica de sus sueños, inasible, le compone una canción para retenerla siempre. Ranchero desvielao: Ingeniosa letra de un amor breve donde la muy ingrata lo deja literalmente desplumado después de jurarle amor. Moraleja, no beber mezcal en exceso. Te fuiste: Canto a la despedida, pareciera que duele, al contrario, la ausencia es un remanso de paz. Qué sería Madrid sin ti: dedicada a cierto personaje que vive cerca de la plaza Tirso de Molina, cuentan las malas lenguas que algún día el tal Iván Montoya se emborrachó con él una noche en Guadalajara… cariño y admiración por el protagonista que en la canción nunca se menciona por su nombre. Tengan un buen día (Sofía y Julieta): amor puro hecho canción, testimonio y testamento para sus herederas… “como les digo que en sus venas, ahí me llevan a vivir en su futuro…” Y sí: historia de dos cuerpos que se funden en uno infinitamente, una vez, otra vez y otra vez, ad libitumVocho azul: estampa urbana del mítico D.F. a ritmo de blues, él la sigue esperando, deseando. Quizá aparezca, anuncie su presencia mediante una llamada telefónica… si es que regresa a la vida. Sur: del otro lado del río Bravo, al dirigir la vista hacia el Sur las cosas se ven distintas, se extraña lo que no se tiene, mientras en el Norte se busca la fortuna que en la propia tierra se negó: “De donde soy, a donde voy, es más que una latitud…”. Al disco lo completan las canciones: Mate sin morir, Que no mueran, Canción de cuna y Soñar para caminar.

Entre otros músicos participaron: Carlos de Luna, Lalo Plus, Mariano Leyva, Juan Carlos Kano, Felipe Pel, Fernando Cortez, Édgar García, Agustín López Velarde y Luismiguel Aguilar. El disco fue grabado en Sur Estudio entre octubre y diciembre de 2018 en la ciudad de Aguascalientes, la producción y los arreglos estuvieron a cargo de Iván Montoya y fue masterizado por Agustín López Velarde.

No queda más que convocar a Talia, Aglaya y Eufrósine, servirse un vaso del licor y escuchar: Feliz de Iván Montoya.


Tormenta: Expresionismo poblano Yonki

Por Sergio Martínez | Foto: Dyan Ibargüen


La ciudad puede ser un desierto de asfalto, un oasis de licor, o un ecosistema donde indiferentemente cohabitan, vivos, muertos, fantasmas, parias, vampiros, malevos, zombis o moribundos que transmutan entre lo real y lo irreal para burlar su cotidianidad. La ciudad y sus lugares se transforman, el tiempo, sus habitantes y sus costumbres van impregnado su esencia para lograr esa transformación. Cada habitante elije su lugar, trinchera o guarida, su ruta de entrada y salida al laberinto que representa ir y venir por su metrópolis. Algunos elijen vivir de día en las calles, escuelas, mercados, centros de trabajo, parques públicos, escuelas; con la carga que eso representa. Otros optan por guarecerse en la noche y cobijarse en los bares, moteles, congales, panteones, cantinas, o cualquier calle donde la banqueta será la mesa para departir el elixir del Dios Baco, las risas, las penas, las preocupaciones, las añoranzas, el tabaco y otras yerbas. 

Tormenta el más reciente disco de Iván García y Los Yonkis son finas estampas musicales que describen y enumeran las inquietudes, añoranzas, deseos, viajes, desamores y experiencias desde la óptica de quien canta y toca; los mismos que viven y sufre su ciudad, la realidad social y la problemática de un mundo caótico que parece derrumbarse sobre la sociedad que lo construyó. Canciones bordadas con farlopa y seda negra, ríos de ajenjo, sombras, angustia, deseo, humareda de hachís y cantinas, historias que apelan a cambiar la mirada; lo tangible y real está desgastado, mirémonos hacia dentro, quizá podemos navegar entre tinieblas, ir al inframundo, pernoctar de vez en vez en el infierno, brindar con un whisky sulfuroso a las llamas, descubrir el truco para no caer en el juego pueril de la vida que sistematiza al humano; quizá es mejor esconderse del sol, irse a vivir a Transilvania, calentar el corazón con fuego fatuo, aullar a la luna y gritar de terror al vernos en el espejo de una sociedad decadente.

Iván García y Los Yonkis lanzan un “Grito” de terror


Como parte de las festividades mortuorias en nuestro país, Iván García y Los Yonkis han lanzado el primer sencillo de lo que será su nueva producción discográfica.

Se trata del single "Grito", una mezcla de rockabilly y psicobilly con algunos elementos del rocanrol de los años 50, como lo son los coros a cargo de Esmeralda Guillén y Diana Lara.

El arte del sencillo -que acompaña esta nota- es una obra hiperrealista al óleo del artista Alberto Ibañez Cerda; aunque se ha dado a conocer que el arte del disco estará a cargo de otro artista y llevará otro estilo.

La rola es un adelanto del nuevo álbum de la agrupación que será presentado oficialmente el próximo 7 de diciembre con un concierto en Beat 803 de Puebla y con la presencia de varios invitados especiales. El disco se grabó en San Pedro Cholula y es producido por Carlos Iván Carrillo.

"Tenemos altas expectativas del próximo álbum, tomando en cuenta que contará con colaboraciones de figuras importantes del rock nacional que pronto daremos a conocer".

Puedes escuchar el nuevo "Grito" de Los Yonkis en las principales plataformas musicales y redes sociales de la banda. Los Yonkis son Iván García, Jhu Camero, Isaac Rivera y Carlos Iván Carrillo. 



Carlos Arellano y Carcará presentan "La Calle y la Alcoba"



Los cantautores Carlos Arellano y Arturo Muñoz “Carcará”, presentarán su producción La Calle y la Alcoba, el próximo viernes 9 de marzo a las 20:43 horas en el Multiforo Cultural Alicia. Pertenecientes a diferentes generaciones, reúnen sus talentos para proponer un trabajo conjunto.

Arellano con una trayectoria de más de 30 años en la escena de la canción independiente, y Carcará, compositor y cantante de “La Trola”, banda poblana de rock. La amistad, la mutua admiración y el rock, los lleva plantearse este proyecto que iniciaron en 2014.

La historia arrancó en un cruce de versos por internet que terminó en canción (“La calle y la alcoba”), y la musicalización de Arturo de un texto de Carlos: “Jódete”. Unos pocos conciertos en Puebla y en la ciudad de México los llevó a plantearse la grabación de un disco que fue fondeado a principios de 2017.

A partir de ahí escribieron textos por separado, canciones completas juntos, aportaron algunas otras de su inéditas y escribieron el bonus del disco en el estudio de grabación.

Dos guitarras acústicas y dos voces son el centro musical de este disco, apoyados por la guitarra eléctrica de Rocko Arroyo, el bajo y el piano de Jaco Arroyo, la guitarra acústica de Gustavo Spíndola, Federico Schmucler en la guitarra de pedal y Daniel Cruz en el violín. Para las presentaciones en vivo se incorpora Chario Mánez en la batería.

El disco fue grabado en el estudio “Cuarto Ruido Producciones” por Rocko y Jaco Arroyo. El arte del CD, es cortesía del talento de Erick Arellano Troncoso, y la maquila artesanal es de Anahí García Reyes y Antonio Mújica Aguilar del taller “Chiras pelas”.

Arellano tiene 7 discos en su haber y muchos años de rolar por todo el país y varias ciudades de EU y España. Arturo Muñoz “Carcará” nace en Puebla y lleva dieciocho años rolando con su guitarra y haciendo canciones. Ha caminado de los camiones a los cafés troveros, de los hoyos jipis a los hoyos fonkis. Sus canciones lo han llevado a presentarse en los foros más representativos del movimiento alternativo en México, así como a actuar en otros países: Argentina, Uruguay, Cuba, y una gira a mediados del 2016 en Alemania, República Checa y España.








Fb. La Calle y la Alcoba: Arellano Carcará (fan page)
Fb. Carlos Arellano y Carlos Arellano II (perfiles)
Carlos Arellano Músico/Compositor (fan page)
Twitter. @arellanocar
Instagram. @carlosarellano57

Mayor información. 5527368391 Atn. Mara García

Los Yonkis lanzan lo más 'Frik' del rock nacional

Por Chaneke Correa | Fotos: Alex Carrillo |

 'Frik' es el nombre de la nueva producción discográfica de Iván García & Los Yonkis, banda de rock caracterizada por retomar los sonidos eléctricos y oscuros -propios de los años ochenta- en perfecta comunión con letras profundas y melancólicas, íntimamente ligadas a cuestiones filosóficas e incluso podemos encontrar entre las estrofas de sus canciones un sinfin de referencias literarias.

El nuevo álbum es la gran apuesta de la banda poblana para cruzar la frontera del rock nacional con un disco 'elegante' y muy versátil, con rolas nuevas y muy bien cuidadas que van de la introspección a la catarsis con muchos sonidos thecurezcos y smithsonianos, pero también trastocando ritmos contemporáneos, rockabillezcos y hasta surfeteros. 'Frik' es el tercer disco de 'Los Yonkis' después de 'Espantapajaros' y el 'Acústico en Vivo', y contiene las mejores versiones de rolas clásicas como 'La Cita', 'Soundtrack para un cuento de terror' y 'Sempiterno'. El disco fue grabado completamente en la Ciudad de México, firmado con el sello de 'Discos Peligro' y 'La Milagrosa Producciones' y bajo la dirección de Víctor Hurtado.

El lanzamiento oficial del disco será este sábado 29 de noviembre en Puebla -.ciudad de origen de la banda- y se espera que Iván García & Los Yonkis realicen una gira por diferentes ciudades del país para llevar lo más 'Frik' a nivel nacional con un rock maniaco-depresivo lleno de poesía y literatura. 


"Si viviera Arthur Rimbaud tocaría la Telecaster de Los Yonkis"


Les dejamos 10/06 el primer sencillo de 'Frik' y una galería de fotos del concierto del inicio de la preventa en la Ciudad de México. Chida la banda.





Que no te hagan bruto estos putos

Music In a Coma-
Por Iván Carrillo-

Hace tiempo, más morro, recuerdo que rondando los nueve o diez años, junto a mi jefe y su eterna solidaridad izquierdosa, asistí a una fiesta de trabajadores de la vocho o alguna otra fábrica de autopartes de cuyo nombre no puedo acordarme, con workingclassheroes en la colonia Tepeyac, famosísima por estos lares poblanos. Nos chingamos unos mixiotitos con su respectivo arroz y mi padre procedió con una cervecita; de tener un par de años más seguramente también le hubiera entrado, pero no era la ocasión, total que después de unas cuatro o cinco soles de media, mi viejo dejó de cuidarme y tuve la libertad de empezar a fisgonear en la vecindad.

Después de armar un par de desmadritos por el lugar, me estremeció un fenómeno físico-sensorial-enigmático donde todo a mi alrededor estaba bloqueado y mis sentidos no lograban percibir nada, excepto una grabadora Sony de casetes que a través de sus defectuosos altavoces escupía un “… para que nadie se quede sin chingar, para que todos chinguemos igual, chingo yo, chingas tú, chinga tu madre.” Me acerqué en chinga al reproductor y apañé de inmediato la caja del casete que en la portada mostraba las piernitas de una escolapia de secundaria general con las braguitas a medio bajar y junto un cuadrito que pasó desapercibido en aquel momento y que, entre otras cosas dibujaba en letras altas “ADVERTENCIA”. Por supuesto mi padre y sus colaboradores acabaron hasta el huevo, mientras yo repetía una y otra vez el casete, alguno de ellos se dio cuenta de mi fascinación por estas rolas y tuvo a bien obsequiarme este tesoro del rock. De regreso a casa tomé por asalto el autoestéreo Mitzu que mi jefe había instalado unas semanas antes en su vochito color verde avispón y sin pedir permiso ensarté el pedazo de plástico.

Era un escuincle caguengue y baboso pero esa era ya mi primera vez. Mi primera aproximación consciente al rock mexicano. En honor a la verdad, debo confesar que mi jefe me había presentado ya algunas tonadas del Real de Catorce, el Rockdrigo o los Caifanes, y seguramente yo hasta las bailaba mientras servía tragos a mis tíos en alguna de las tantas pedas familiares que sucedían en mi casa, pero los Molotov habían creado en mí una revelación o mejor dicho, una revolución. Y así pasé un buen rato, queriendo rocanrolear con los grandes. Recuerdo a mi tío el “Pollo” cargándome en hombros para entrar a un concierto de los molochos en algún recinto bravo cercano a la CAPU o al “Flaco” comprándome una Pepsi en otro recital de estos en un rodeo de Cholula mientras yo cantaba “Puto” a todo pulmón.

Es evidente que estos cuatro culeros fueron la voz de una generación y que tuvieron los huevos de decir “Gimmethepower”, aconsejar “Que no te haga bobo, Jacobo” y mentarle la madre a los gringos puñeteros, además de realizar exorcismos sin olvidar que estás en tu casa tan triste y tan sola y que el mundo se va a acabar. Todavía pataleaban cuando presentaron el “Con todo respeto”, producción de covers que, si bien apuntaba que habían perdido un poco de imaginación, les alcanzó para hacer un disco bien logrado. Después nos llegaron con la mamada de su separación y el “Eternamiente” y fue ahí cuando supimos que todo había valido madres, todos vestiditos de Adidas tocando en foros fresas o en festivales mamones, y se la han ido campechaneando sacando discos en vivo o su documental. No se dejan morir.

Es bien sabido que estos cabrones son unos juniors fresones; con el hecho de saber que Jay de la Cueva fue de los primeros integrantes de esta banda nos podemos dar una idea de su círculo social, aunque ese no es un tema en el que deba profundizar mucho. Qué hueva.

Aquí está el gran pedo. Hace poco fue lanzado su nuevo álbum de estudio y además tuvieron el valor de presentar sus primeros sencillos que no nos dan nada nuevo. Musicalmente presenta unos riffs de guitarra que no parecen tener forma o intentar llegar a algún lado, línea de batería bien marcada y juego de bajo -algo que les conocemos desde el “Dónde jugarán las niñas”-, y el mismo discurso de siempre. Encontramos expresiones tan risibles como “…Si las balas tuvieran ojos, verían perfectamente el desmadre insensato, que impacta a la gente…” ¿las balas? ¿ojos? ¡Qué pedo! Y por si fuera poco presentaron de lado B una rola llamada “La Verga” que trae la misma fórmula que les ha funcionado, mentar madres y polemizar con groserías. Lo que no se han dado cuenta es que los tiempos están cambiando y ya no sorprenden a nadie con un “… estás que te lleva la verga, ni tú ni nadie, podrán detenerla…”.

Es difícil descifrar el nuevo disco, evidentemente con una producción de miles de pesos, los mejores instrumentos y los más caros ingenieros, pero, según lo mostrado en las rolas de adelanto, pocas ideas y ninguna novedad. Habrá que esperar. Seguramente este texto ustedes -los más fervientes fans- se lo pasan por los huevos, pero alguien tiene que decirlo y eso que soy de esos que piensan que los nuevos discos siempre son más chingones.

Ya ustedes juzgarán.


'El Arte de Paul McCartney' interpretado por Bob Dylan, B.B. King, The Cure y muchos más

Publicado en El Fanzine

Es difícil enumerar todas las aportaciones que ha hecho Paul McCartney al mundo de la música popular contemporánea. Sus innovaciones estéticas con los Beatles, en la producción, y sus incursiones en diversos géneros lo han colocado como uno de los compositores más completos de los últimos 50 años. No por nada, él y John Lennon son considerados la dupla de autores más prolífica del siglo XX. Jimi Hendrix, The Who, los Rolling Stones, Kurt Cobain, Brian Wilson, Jeff Beck y Stevie Wonder son algunos de los músicos que han aceptado la huella que los Beatles y Macca tuvieron en sus carreras.

Ahora le toca al de Liverpool recibir los aplausos por su larga carrera de más de 40 álbumes en grupo y en solitario. El beatle es celebrado con un tributo por parte de decenas de músicos de primer nivel: Bob Dylan, Roger Daltrey, el mencionado Wilson, Jeff Lyne, The Cure e incluso B.B. King, y más de 30 músicos y grupos. El trabajo resultante es el disco The Art of McCartney, que aborda todas las épocas del cantante y bajista. Será lanzado a mediados de noviembre.

El proyecto lleva tiempo cuajándose: fue ideado por el ex productor de McCartney, Ralph Sall, desde 2003. Luego que el ex Beatle dio su visto bueno, comenzaron las grabaciones. El primer sencillo es una versión que hacen The Cure y el hijo de Sir Paul a “Hello Goodbye”.




Aquí la lista completa:

1. Billy Joel – “Maybe I’m Amazed”
2. Bob Dylan – “Things We Said Today”
3. Heart – “Band on the Run”
4. Steve Miller – “Junior’s Farm”
5. Yusuf Islam – “The Long and Winding Road”
6. Harry Connick, Jr. – “My Love”
7. Brian Wilson – “Wanderlust”
8. Corinne Bailey Rae – “Bluebird”
9. Willie Nelson – “Yesterday”
10. Jeff Lynne – “Junk”
11. Barry Gibb – “When I’m 64″
12. Jamie Cullum – “Every Night”
13. Kiss – “Venus and Mars”/”Rock Show”
14. Paul Rodgers – “Let Me Roll It”
15. Roger Daltrey – “Helter Skelter”
16. Def Leppard – “Helen Wheels”
17. The Cure, featuring James McCartney – “Hello Goodbye”
18. Billy Joel – “Live and Let Die”
19. Chrissie Hynde – “Let It Be”
20. Cheap Trick’s Robin Zander and Rick Nielsen – “Jet”
21. Joe Elliott – “Hi Hi Hi”
22. Heart – “Letting Go”
23. Steve Miller – “Hey Jude”
24. Owl City – “Listen to What the Man Said”
25. Perry Farrell – “Got to Get You Into My Life”
26. Dion – “Drive My Car”
27. Allen Toussaint – “Lady Madonna”
28. Dr. John – “Let ‘Em In”
29. Smokey Robinson – “So Bad”
30. The Airborne Toxic Event – “No More Lonely Nights”
31. Alice Cooper – “Eleanor Rigby”
32. Toots Hibbert with Sly & Robbie – “Come and Get It”
33. B.B. King – “On the Way”
34. Sammy Hagar – “Birthday”

Bonus Tracks:

1. Robert Smith – "C Moon”
2. Booker T. Jones – “Can’t B y Me Love”
3. Ronnie Spector – “P.S. I Love You”
4. Darlene Love – “All My Loving”
5. Ian McCulloch – “For No One”
6. Peter, Bjorn and John – “Put It There”
7. Wanda Jackson – “Run Devil Run”
8. Alice Cooper – “Smile Away”

Café Tacvba festeja 20 años del disco 'Re' con gira mundial



Este año los 'Tacvbos' estarán festejando 25 años rocanroleando y 20 años del lanzamiento del disco 'Re' -segunda producción de Café Tacvba y uno de los más icónicos del rock nacional-, por lo que recientemente anunciaron una gira por México y América Latina como parte de los festejos de la chilanga banda.

"¡Muchachos! ¡Muy gustosos de poder por fin anunciarles la nueva gira para festejar los XX años del Re y los XXV del Café Tacvba! Usemos todos y movamos el nuevo hashtag: #20ReCT25 en redes sociales!", expresaron en su página oficial.

De acuerdo con la periodista Gisela Orozco, '“Re”, fue y es un disco que ofrece descubrimientos y lecturas nuevas constantemente. Lo puedes escuchar ahora y no ha perdido, ni su frescura en los ritmos, ni deja de ser novedoso y sorprendente.' En este enlace podemos acabar por comprender las razones por las que 'Re' es un disco necesario para los amantes del rock nacional.

La gira mundial inicia en Querétaro y México DF para después volar hacia Sudamérica con presentaciones en Argentina, Chile y Ecuador. Dentro del territorio nacional se han anunciado conciertos en Puebla, León, Morelia y Monterrey, y también se tiene planeado un tour por los Estados Unidos. Les dejamos aquí el cartel de la Gira 20RecCT25 con fechas ya confirmadas.


Calle 13 presenta “Ojos color sol” junto Silvio Rodríguez y Gael García


Publicado en sonandoenpuertorico.com

Calle 13 continúa armando una carrera musical llena de triunfos y grandes logros musicales. El éxito en el mundo de la música no siempre está marcado por la cantidad de discos que se venden o las veces que sales en televisión y en la radio. La satisfacción de un carrera artística muchas veces crece en el agradecimiento del público, así sean diez personas o miles de fanáticos que habitan un espacio para escuchar tu música.

Otro muestra de cariño, que nos hace vibrar el corazón, es el reconocimiento de tus compañeros músicos. Las colaboraciones entres artistas, de cierta manera es la consumación de un abrazo musical, dónde los mismos se unen ya sea en el escenario o en el estudio de grabación como una muestra de afecto y respecto del trabajo de ambos.

Calle 13 se ha coronado en la cima de la colaboraciones compartiendo escenario y discos con grandes figuras de la escena musical latinoamericana. La lista de artistas que han trabajado con el grupo boricua incluyen a Shakira, Café Tacuba, Maria Rita, Vicentico, Los Tigres del Norte, Mercedes Sosa, Susana Baca y Andrés Calamaro, entre otros.

Sin minimizar la trayectoria de todos estos grandes artistas, existe una colaboración que figura en el imaginario de todos los creativos musicales de esta y muchas otras generaciones. Silvio Rodríguez, es sin lugar a dudas el cantautor más importante de la música de autor en Latinoamérica. Grandes canciones inundan su repertorio y múltiples generaciones se han movido con sus creaciones sonoras. Su trayectoria, dentro y fuera de los escenarios, ha influenciado cientos de compositores a lo largo de más de 45 años de carrera. Una colaboración con Silvio es una joya en el repertorio de cualquier proyecto musical.

El junte de Calle 13 con Silvio surge después que el compositor cubano dijera en una rueda de prensa que tenía interés de colaborar con René y Eduardo, “no sólo por sus posturas ideológicas, sino también por la creatividad que demuestran en sus discos”, dijo el compositor de “Ojalá” en México.

Estas expresiones dieron paso a la creación de “Ojos color sol”. El tema, incluido en el más reciente disco de la agrupación, forma parte de un puñado de canciones que representan hasta la fecha uno de los mayores triunfos de Eduardo Cabra como productor y arreglista. La canción no es la excepción en este puñado de temas. Escuchamos una visión sonora de Silvio muy pocas veces explorada en las pasadas décadas. Su reconocida guitarra se mezcla en un ritmo moderno, cubierto de matices de cuerdas y acompañada de geniales líneas del cantautor cubano que concluyen los coros con este hermoso junte de palabras, “ya nadie saber ser feliz a costa del despojo, gracias a ti y a tus ojos”.

El video dirigido por Kacho López y el mismo René, narra el encuentro de dos enamorados en un espacio mágico dónde con un beso se consuman elementos que viajan por el realismo mágico y subrayan imágenes del texto de la canción. Dan vida a los protagonistas los aclamados actores Gael García Bernal y María Valverde.

Una gran propuesta visual y sonora marcan el junte de Calle 13 con Silvio Rodríguez, un encuentro mágico que da vida a una de las canciones más interesantes del repertorio del grupo boricua.

Sale a 'la Luz' lo nuevo de Manuel García



Por Alex Guarro-

Hace un par de días se dio a conocer el nuevo sencillo de 'Retrato Iluminado', la producción más reciente de Manuel García -cantautor chileno poco conocido en México pero multipremiado y reconocido en el cono sur como uno de los artistas más escuchados de los últimos años-.

El single 'La Luz' viene a acompañar a 'Medusa' -rola que nos sitúa en alguna cantina mexicana o algún filme de Tarantino- como las cartas de presentación del quinto disco de Manuel García, editado en esta ocasión por Chilevisión y producido por Ángel Parra y Ángel Parra (hijo) -ambos referentes de la música chilena contemporánea-. En los acordes de 'La Luz' encontramos la historia de un antihéroe o héroe del submundo y la vida real -ese lugar en donde no siempre hay sol y uno ya no es uno, sino otro más- que como la mayoría de mortales mira hacia atrás como esperando algo -o alguien- que nunca llegará.

Manuel García alguna vez fue considerado el sexto de Los Bunkers, y en este tema en especial se ve la mano de Ángel Parra (hijo) y nos remite a ese Manuel García eléctrico que encontramos en el disco 'Sin Título' con letras frescas y rockeras con riffs sencillos y bien logrados; y contrasta con el más reciente 'Acuario' -a mi parecer el disco más ecléctico de todos- en donde encontramos a un Manuel García explorador y poeta en la búsqueda de sonidos secuenciales y progresivos -más electrónico que eléctrico-.

'Retrato Iluminado' se lanzará oficialmente el 29 de agosto y promete ser un material muy versátil, probablemente el más ambicioso de la carrera de Manuel García, ya que hablamos de un disco doble que rocanrolea pero no deja de lado el folclor latinoamaericano que el público siempre le pide al 'Manu' en sus conciertos.

El cantante chileno ha manifestado la intensión de presentar el disco en tierras aztecas y quizá lo tendremos en México y en Revista Sputnik con su 'Retrato Iluminado' para fines de este año o inicios del próximo. Les dejamos pues el single 'La Luz', lo último del comandante del folk-rock chileno. Chau.


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