¡El Cotorro! Rockabilly y cultura popular mexicana

¡Ya llegó el cotorro al cotorreo! El artista Luis Campillo se apropió de la iconografía de la Lotería Mexicana para realizar su particular percepción de ella y así realizar la Lotería Cubista. Una serie de pinturas donde reversiona cada una de las cartas del tradicional juego de mesa mexicano.

A su vez, el artista gráfico convocó a diversos músicos de diferentes géneros a participar en la dinámica de sortear las tarjetas de la lotería y la que azarosamente seleccionara cada proyecto tendrían que usarla para componer una canción o pieza musical inspirada en la temática de este maravilloso juego.

Fue así como Iván García y Los Yonkis aceptaron la invitación de parte de Luis Campillo y la tarjeta seleccionada por la agrupación poblana en la "tómbola cubista" resultó ser El Cotorro.

El Cotorro es una canción rockabilly sin ninguna pretensión más que la de pasarla bien. La canción lleva en el nombre la penitencia y es un corte donde la finalidad es cotorrear y bailar rock and roll.

La pieza estuvo grabada en Casa Yonki y producida por Carlos Iván Carrillo.

La alineación musical estuvo conformada por:

Iván García – Graznidos y Guitarra

Carlos Iván Carrillo – Guitarra Eléctrica, piano, coros.

Beto Montes – Batería

Ángel Munguía – Contrabajo

Aarón Tápia – Sax

El sencillo de la banda poblana será estrenado a la primera hora del 1 de junio de 2022 en todas las plataformas digitales.

Stevie Wonder: de niño prodigio a artista revolucionario

Call me old fashioned... please! | Por Mónica Castro Lara |

“Just because a man lacks the use of his eyes

doesn't mean he lacks vision”

-Stevie Wonder-

El pasado 13 de mayo, festejamos el cumpleaños número 72 del gran Stevie Wonder, y qué mejor forma de hacerlo que celebrando al mismo tiempo sesenta años de una espectacular carrera música, escuchando sus mejores éxitos que son ufff… ¡UN BUEN! No les miento ni exagero cuando les digo que tiene AÑOS que tenía este artículo en mente y en realidad no sé muy bien por qué no me había animado a escribirlo, pero ahora que sí, es porque tengo tres poderosas razones: 1. Porque me encaaanta Stevie y siento que siempre ha formado parte del soundtrack de mi vida (qué ñoña, qué cursi); 2. Por lo importante que es seguir descubriendo y analizando lo revolucionario de su música y 3. Porque se me ha estado manifestando (del verbo manifestar, wink wink) en todas partes. Su carrera musical es una perfecta ilustración de sus visionarios talentos, por lo que Stevie Wonder es y será por siempre, uno de los artistas más exitosos, aclamados y significativos de todos los tiempos y por ello, es un honor y me enorgullece plenamente regresar a mis artículos musicales con él.

Los highlights y datos duros en la carrera del buen Stevie son vastos y espectaculares, por ejemplo: en 1963, a la tierna edad de 13 años, fue el primer artista joven en encabezar las listas de popularidad de Billboard Hot 100; a partir de ahí, ha tenido 29 hit singles en Estados Unidos, 101 singles en total, 23 álbumes discográficos, 25 Premios Grammy y más de 100 millones de copias vendidas en todo el mundo. Nada mal, naaada mal, Stevie. Iniciando su trayectoria como un niño prodigio, Wonder ha podido disfrutar de una amplia carrera que vio su cúspide creativa entre 1972 y 1976, época conocida como el periodo “clásico de Stevie”; durante este periodo lanzó 5 álbumes que fueron considerados verdaderas obras de arte inmediatamente después de ser lanzados y que, hasta la fecha, siguen siendo indispensables en las estanterías de todos aquellos que amamos su música. El más famoso y legendario de ellos, es el doble álbum de 1976 “Songs In The Key Of Life”. No solo le tomó dos años producir, sino que también contó con la colaboración de 120 músicos, un listado (depurado) de 21 canciones, la exploración e innovación de nuevas armonías y sonidos, y tiene una duración total de 1 hora 45 minutos. Aplausos de pie, ¿cierto? “Songs In The Key Of Life” viéndolo desde una perspectiva actual, funciona perfecto como una especie de álbum recopilatorio de Greatest Hits y es considerado por la reconocida revista Rolling Stone como el 4 mejor álbum dentro de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Fue incluido en el Grammy Hall of Fame en 2002; tres años más tarde, en la National Recording Registry (que es una lista de grabaciones sonoras catalogadas como cultural, histórica y estéticamente significativas) y se mantuvo 82 semanas consecutivas en las listas de Billboard. Mi amigo personal Elton John, (*inserte risitas aquí*) ha declarado en múltiples ocasiones que considera a “Songs In The Key Of Life” como el mejor álbum de la historia y que siempre carga (ya sea de manera física o digital) con una copia cuando viaja.

Stevie Wonder fue un pionero del uso de sintetizadores en los años 70s y el encargado en implementar nuevas técnicas de producción. Uno de sus sintetizadores ocupaba el tamaño de toda una habitación y pesaba literalmente una tonelada (más adelante les hablaré un poquito más de él). Durante su periodo clásico, fue el primero en llevar al R&B, de ser conocido por ser un género que producía exclusivamente singles fugaces, a hacer álbumes completos, cohesionando con el pop, el rock, el jazz y otros géneros musicales, y encima hacer que los temas a tratar en las canciones fueran más allá que solo letras románticas, incluyendo temas sociales, políticos e incluso, espirituales.

Así que vayamos al grano: ¿quién es Stevie Wonder? Un niño prodigio que realmente cumplió con su condena de genialidad (para bien, por supuesto). Su nombre real es Stevland Hardaway Morris y nace en Michigan por allá de 1950; sus padres fueron Lula Mae y Calvin Judkins quien, de acuerdo con la biografía de Lula, era alcohólico, violento y la obligaba a prostituirse. Cuando Stevie cumple 4 años, Lula se divorcia y se lleva a sus seis hijos a Detroit. A partir de los 7 años, Stevie comienza a tocar el piano, la harmónica, la batería y el bajo; también comienza a cantar en el coro de la iglesia y en algunas esquinas para ganar algo de dinero. Seguramente se estarán preguntando si en algún momento su ceguera fue impedimento para su desarrollo musical, pero también creo que saben cuál es la respuesta. Nació seis semanas prematuro lo que, junto con la atmósfera rica en oxígeno de la incubadora del hospital, derivó en una retinopatía prematura, una afección en la que no hay crecimiento de los ojos y provoca el desprendimiento de las retinas, por lo que quedó ciego siendo tan solo un bebé. He leído que existen muchas teorías en donde se le acusa de fingir su ceguera con tal de alcanzar el éxito profesional del cual goza y construirse una especie de personaje. Todo me parece una verdadera estupidez y falta de respeto.

A la edad de 11 años, le cantó una de sus canciones a Ronnie White del grupo “The Miracles” y quedó tan impresionado que lo mandó con Berry Gordy fundador de la legendaria casa discográfica Motown Records, quien lo contrató al instante y le propuso a Clarence Paul como su productor de cabecera, quien lo bautizó con el nombre artístico de “Little Stevie Wonder”. Clarence fue su mentor, productor y ocasional coescritor de canciones. En un año de trabajo, juntos lanzaron dos álbumes y algunos singles que fueron recibidos con muy poco éxito. Con 12 años, se unió a la “Motortown Revue” que hacía tours por todo Estados Unidos con los artistas de la disquera. Una presentación de 20 minutos de uno de esos shows en vivo en junio de 1962 fue grabada y lanzada en mayo del ‘63 en un álbum que se llamó “Recorded Live: The 12 Year Old Genius” que fue un éxito casi instantáneo y sirve como catapulta para la carrera de Stevie. Como dato curioso, Marvin Gaye toca la batería en dicha presentación. ¿SE IMAGINAN LO INCREÍBLEMENTE LEGENDARIO Y ESPECIAL QUE FUE ESO?

Durante el resto de los años 60s y mientras Stevie seguía siendo un adolescente, además de quitarse el “Little” de su nombre artístico, sacó más álbumes y singles como “Up-tight Everything’s Alright”, “I Was Made To Love Her”, “For Once In My Life” (que ingeniosamente incluyeron en la peli “Begin Again” y cuya escena entre Mark Ruffalo y Keira Knightley me fascina y encela al mismo tiempo) y la súper legendaria “Signed, Sealed, Delivered I’m Yours” que siempre relacionaré con otra de mis rom-coms favoritas, “You’ve Got Mail” al formar parte de su soundtrack (sí, a una niña de 9 añitos se le pueden quedar muy grabados ciertos datos inútiles). Todos esos singles, fueron Top 3 en Estados Unidos por semanas enteras. El muy marcado estilo musical de Stevie en esta época tenía toda la influencia de Motown y sus álbumes contenían además muchos covers, casi siempre producidos por alguien más. Algunas de las letras más queridas y populares entre el público (incluso a la fecha) fueron coescritas con su mamá, Lula.

A finales de los años 60s, Stevie ya era uno de los artistas estadounidenses más populares y mientras más maduraba, más quería y necesitaba independencia y libertad profesional. En 1970, a los 20 años, se casa con Syreeta Wright quien era secretaria en Motown Records y con quien formó una dupla creativa y profesional que daría muchos frutos interesantes a ambas partes. Motown tenía prácticamente el control absoluto de los álbumes de Stevie quien, a sus 21 años, buscaba insistentemente que su contrato fuera mucho menos rígido y le cediera más control en todo sentido, adquiriendo poder legal y creativo de todas sus canciones. Es así como el álbum “Where I’m Coming From” es su primer trabajo como productor y donde decide apartarse de su ya consagrado estilo musical. Algunos lo consideran el verdadero inicio de su periodo clásico. En 1972 decide sacar el álbum “Music Of My Mind” enteramente escrito y producido por él, a pesar de no tener un contrato tan concreto con Motown. Es aquí cuando empieza a experimentar con una amplia variedad de géneros musicales: soul, funk, jazz-rock, R&B, reggae, african, etc.  Consigue una colección de sintetizadores que en conjunto se llaman “TONTO”, cuyas siglas significan The Original New Trimbal Orchestra; asesorado y manejado por Malcolm Cecil (experto sintetizador) y Robert Margouleff (bajista de jazz) quienes fueron nombrados ingenieros y productores asociados en tres producciones futuras de Stevie. TONTO fue y sigue siendo considerado como el sintetizador analógico polifónico multitímbrico más grande del mundo y su existencia le permitió al trío experimentar con nuevos sonidos.

En 1972, su álbum “Talking Book” contiene éxitos como “You Are The Sunshine Of My Life” y por supuesto la revolucionaria “Superstition”, originalmente escrita y prevista para otro artista. El sonido de esta canción es totalmente nuevo, utilizando a TONTO y muchas otras técnicas que, sin duda, innovaron la forma de hacer y escuchar música ayudándolo a reproducir exactamente lo que él oye en su cabeza. La batería de Stevie es quien, a pesar de toda esta implementación tecnológica, sobresale de manera indescriptible. Posteriormente, en un estudio construido especialmente para él, crea su álbum “Innervision” alcanzando una madurez musical y de sus letras. Le sigue “Fulfillingness' First Finale” en 1974, siendo mucho más instrumental y hasta sobrio, hablando de temas más profundos como la reencarnación. En ese año, Stevie sufre un terrible accidente automovilístico que lo deja en coma por 4 días e incluso inhibe su sentido del olfato por un tiempo. Pero, a pesar de lo difícil que fue su recuperación, decide invertir todo su tiempo y esfuerzo en crear durante dos años, su magnum opus “Songs In The Key Of Life” de quien ya les hablé anteriormente.

Sus siguientes álbumes fueron mucho más instrumentales con una tendencia muy cargada hacia las baladas sentimentales. “Hotter Than July” de 1980 no consigue el éxito esperado entre la crítica, pero sí con el público, haciéndolo su álbum más vendido y consiguiendo su primer disco de platino. Incluye el tema “Happy Birthday” que, si bien uno pensaría que es una canción cumpleañera más del montón, tiene en realidad una poderosa intención política y social, ya que Stevie luchó porque en Estados Unidos se conmemorara como fiesta nacional el nacimiento de Martin Luther King, y la canción fue escrita precisamente para ello. Cuatro años más tarde, recibe el Golden Globe y el Oscar a la Mejor Canción Original por la sonadísima “I Just Called To Say I Love You” de la película “The Woman in Red” protagonizada por Gene Wilder. Los años 80s son de gran éxito comercial para Stevie, aunque según los expertos, Wonder se estanca y deja de innovar como antes.

En los años 90s y 2000s, no produce álbumes nuevos, sino que se dedica a dar giras, entrevistas, a continuar con su compromiso social, político y altruista, y a vivir enteramente de su legado (qué envidia). Su penúltima producción discográfica fue en 2005 pero, ha sacado singles son artistas modernos como Ariana Grande, Redfoo y Travis Scott. Trabaja en una nueva producción titulada “Through The Eyes Of Wonder” lanzando un par de singles en 2020, pero debido a problemas de salud, aún no se ha podido concretar el lanzamiento del álbum completo.

Gran cantante, excelente letrista, extraordinario productor e instrumentista múltiple (en muchas ocasiones, le hizo de one man band en sus grabaciones). Wonder es reconocido por sus aportes a la música moderna y por ser una constante influencia en artistas del siglo XX y XXI que van desde Michael Jackson, hasta Kanye West. Dudo que muchos de nosotros estemos conscientes realmente de lo increíble de su legado, de lo poderosas que son sus letras y, sobre todo, de lo innovador que fue y es su arte. Por eso las y los invito a escucharlo y dejarse asombrar.

"Mi persona favorita" y la guerra que juegan las niñas de ahora

Por Jaime López |

"La guerra es lo que jugamos las niñas de ahora" es una las frases más contundentes que se escuchan a lo largo de la historia de "Mi persona favorita", obra escrita por Roberto Jiménez y producida por Teatro Escarlata.

La frase mencionada es una alegoría del clima de violencia que rodea a las nuevas generaciones, en donde los sueños parecen ser entes inalcanzables.

Al respecto, Annalu Mendoza Sánchez, una de las protagonistas y artista con 19 años de trayectoria, señaló que "Mi persona favorita" es un reflejo de los tiempos que acontecen, en donde la juventud es la más afectada por las guerras creadas por sus antecesores.

Explicó que la trama gira en torno a dos hermanas que están tratando de romper la cadena de violencia que les heredó su progenitor, un ex guerrillero de Colombia, cuyos actos las marcaron para siempre.

"No nos queda de otra más que jugar este juego y sobrevivir a esta realidad, de eso se trata la obra, de cómo a veces hay sueños que se truncan, no por ellas, sino por el contexto en el que viven", expresó.

Detalló que su personaje, "Andy", sueña con ser astronauta, a pesar del mundo hostil en el que habita.

"Esta historia se puede contar en cualquier lugar, ahora vivimos tiempos muy difíciles, en donde los niños son los más afectados", apuntó.

Relató que su preparación implicó escuchar historias reales de víctimas de violencia, ser empática con el personaje y buscar la corporalidad y voz oportunas de una niña pequeña, esto último sin caer en el cliché infantil.

Destacó que los personajes que ha interpretado a lo largo de su carrera siempre tienen algún elemento con el que se identifica.

Del mismo modo, indicó que una de sus metas como artista es que cada uno de sus roles dejen una huella, algo que los identifique, aunque se trate del estelar de una obra infantil.

Reveló que en las lecturas dramatizadas de la obra no pudo contener las lágrimas por lo doloroso del texto.

En cuanto a su arribo a Teatro Escarlata, indicó que fue gracias a la obra "Mundo y las brujas". Posteriormente, comenzó a apoyar a la compañía en distintas facetas, ya sea manejando sus redes sociales o desempeñándose como gestora cultural.

Señaló que Teatro Escarlata se caracteriza porque sus propuestas tienen un toque mágico, pero también se aderezan con alguna crítica o apunte social.

Con 26 años de existencia y una carrera en ascenso, ya que actualmente es directora y productora de Omnia Teatro, Annalu señaló que hace falta que los poblanos se animen a ver una obra local.

Sostuvo que en el estado hay una enorme diversidad de talentos y de historias para todos los gustos, pero reconoció que en ocasiones las compañías no se apoyan entre sí.

"Mi persona favorita" se ha presentado en espacios como la Sala Luis Cabrera de la Casa de Cultura y también estuvo aproximadamente un mes en el foro de Puro Drama.

El intermitente cansancio de estar vivo: de after con Niño Viejo

Cumbia norteña | Por Antonio León

Foto: Armando Ruiz

Baruch Argil parece estar en todos los sitios de Mexicali, por lo menos en aquellos en que se toca música en vivo. Lo conocí en las filas de Fractals: unos chamacos saltarines que hacen el kamikaze en el escenario a la menor provocación. Hay grandes fotografías de ellos volando por los aires. También lo he visto apoyando a otros músicos y dándolo todo como público. Un buen integrante de la audiencia, de los que bailan y saltan, de los que se saben las canciones.

Con su proyecto personal, Niño Viejo, se embarca en una aventura de azotar la humanidad a punta de canciones que resuman un optimismo tristón, si es que eso existe. En sus presentaciones se puede disfrutar de su encantador repaso al rock de garaje noventero, el shoegaze menos azotado y el power pop. Su música está disponible en distintas plataformas y, en determinado momento, parece no haber escapatoria de este chico. Hace un par de semanas lo encontré en un after y le hice las siguientes preguntas.

¿Quién eres cuando no estás tocando? ¿Qué tan viejo debe ser un niño para ser considerado un niño viejo?

Soy Baruch, un morro de 23 años que vive en Mexicali y le gusta hacer y escuchar música. Siento que siempre seré un niño viejo, todxs tenemos a nuestro pequeño yo dentro de nuestros corazones tomando decisiones por nosotros.

Los síndromes progeroides son enfermedades poco frecuentes que causan envejecimiento prematuro ¿Qué es lo que nació viejo en ti?

Creo que desde pequeño he sido una persona con alma vieja, a veces me siento muy “sabio” pero me doy cuenta que no sé ni madres. Está bonito ese golpe de realidad. En fin, creo que no hay nada viejo en mi salvo el intermitente cansancio de estar vivo: tiene rato que ya no me da, por cierto.

¿Cuándo inicia tu interés por la música?

Tenía unos 10 u 11 años, me la pasaba en casa de mi tía Ana en fiestas familiares y siempre ponía vídeos de rock en la TV, me gustaba ver a Radiohead, Rod Stewart, Los Beatles, etc. Ahí me di cuenta que quería hacer algo como ellos, hacer música, tocar, hacer sentir. Además, ver a mis tías cantando en el karaoke se me hacía muy bonito y divertido.

¿Qué bandas o proyectos musicales son los que más te gustan?

Buena pregunta. Escucho muchísima música, a veces ya no sé ni que es lo que más me gusta. Creo que actualmente mis bandas y artistas favs son Pavement, Sonic Youth, Los Strokes, Velvet Underground, Lou Reed, PULP, Parque de Cometas, Carolina Durante, IDLES, Ola Magenta, Belafonte Sensacional y Diles Que No Me Maten.

Pareces disfrutar tocar en vivo, también he visto que tienes actividad constante en tocadas y pequeñas giras ¿Te consideras mejor en vivo o al interior de un estudio, componiendo, creando tu música?

Me gustan mucho ambas. No soy un músico virtuoso ni sé mucho de teoría, pero creo que en el estudio me puedo desenvolver muchísimo más, ya que hay más chance de equivocarte y de experimentar con todo lo que tengas a la mano. Por otra parte, tocar en vivo siempre va a ser un boost de energía súper bonito: ver a la gente bailar y cantar es lo que me motiva a volver al estudio y repetir el ciclo.

¿Qué opinas de la escena musical en Baja California? ¿Qué bandas no debemos perdernos en un próximo show?

Desde que empecé a adentrarme en la escena de BC a los 14-15 años me di cuenta que hay muchas bandas y proyectos que valen la pena. Actualmente, proyectos como Ola Magenta, Nube Espiral, Curleh, Goeighta, Parque de Cometas, La Texana, Jully, Raticida, Baltasar Sin Dinero y Carlos Leal están haciendo cosas muy bonitas e interesantes. Neta, si alguna vez tienen oportunidad de ir a verles en vivo, no la dejen ir. 

Eres parte de una generación nueva de artistas en la ciudad ¿Qué elementos consideras que aportan las nuevas propuestas musicales?

Siento que mi generación dentro de la escena aporta el hartazgo de siempre escuchar lo mismo, de segmentarse en grupos dentro de la misma escena. Algo que admiro de la gente con la que colaboro es la disposición que tienen a echarse la mano entre todxs: creo que el sentido de comunidad, de juventud y de querer hacer posibles las cosas, son elementos muy importantes que las nuevas generaciones de artistas estamos aportando a la escena de BC.

¿Que sigue para Niño Viejo?

Tengo un par de shows en planeación, espero no pase mucho tiempo para volver a tocar de nuevo en Mexicali. Por lo pronto, me encuentro grabando música nueva. Quiero sacar un álbum antes de que termine el año y, si todo sale bien, en junio podré darles un adelanto de este.

¿Qué consejo les darías a los niños más jóvenes?

Por favor, hagan arte: toquen la guitarra o algún otro instrumento, tomen un lápiz y dibujen, una pluma y escriban. El mundo necesita más arte, gente que deje que sus sentimientos fluyan y se plasmen en una obra. Hagan una banda con sus amigxs y, por favor, no se rindan: no están solxs.

«Doctor Strange 2»: gore, amores imposibles y crossovers bien logrados

Cinetiketas | Por Jaime López |

Probablemente, la mayor virtud de la nueva película producida por Marvel Studios, "Doctor Strange en el multiverso de la locura", es su habilidad para combinar -y equilibrar- elementos que satisfacen a todo tipo de públicos.

Así, hay escenas totalmente complacientes para los fanáticos de "Los Avengers", que si bien no son totalmente fieles a las historietas en los que se basa la cinta, al menos les deja un grato sabor de boca.

Es el caso de un crossover o fusión de superhéroes que los seguidores de Marvel habían estado esperado desde que Disney compró a 20th Century Studios.

Asimismo, la comunidad cinéfila que ha acompañado la carrera del realizador Sam Raimi, no quedará defraudada con su trabajo reciente, pese a estar al frente de un proyecto multimillonario, de aquellos en los que generalmente los inversionistas meten su cuchara, influyendo mucho (para mal) en la edición final.

De ese modo, el gore y humor tétrico que caracterizan al orquestador de "Arrástrame al infierno" y "El despertar del diablo" está presente en gran parte del metraje. Ello evidencia que el sello autoral de Raimi no fue sacrificado por los posibles caprichos de los productores de Disney, sino al contrario, le fue permitido a diestra y siniestra.

Lo anterior ayuda para que "Doctor Strange en el multiverso de la locura" tenga un aura distinta a la de otras películas manufacturadas por Marvel.

Ojo a esa escena en donde aparece un pulpo gigante proveniente de otra dimensión, en la que Raimi no se autolimita para nada, salpicando de sangre la pantalla en cuantiosas cantidades.

Igualmente, el diseño visual en diversas secuencias de "La Bruja Escarlata", interpretada por Elizabeth Olsen, recuerdan los inicios del realizador, que lo convirtieron en una estrella de culto entre los fanáticos del cine de serie B, el humor negro y el terror sobrenatural.

Ahora bien, el guion de "Doctor Strange 2", a cargo de Michael Waldron, se las ingenia para abordar el tema de los amores imposibles, mismos que están condenados a no estar juntos en ningún tipo de universo, lo que indudablemente robara el suspiro de quienes aman el drama o el romanticismo.

De hecho, una de las mejores frases de la cinta se ubica en una escena entre Rachel McAdams y Benedict Cumberbatch (actor que vuelve a mostrar su versatilidad), quienes a pesar de quererse mucho no logran concretar su amor.

Sumado a lo mencionado en párrafos anteriores, "Doctor Strange 2" tiene algunos apuntes feministas en voz de "La Bruja Escarlata", lo que la convierte en una pieza inclusiva y vanguardista. Muestra de ello es la secuencia cuando "Wanda" (el verdadero nombre de la bruja) cuestiona los criterios o convencionalismos de la sociedad al ensalzar a los varones cuando rompen las reglas, pero la condenan a ella cuando hace lo propio.

Sin duda, un discurso de género que se agradece en una película de gran presupuesto, que suele enfocar sus baterías en las escenas de acción y los efectos especiales.

Para concluir, la aparición de la mexicana-estadounidense Xóchitl Gomez-Deines es un gran acierto debido a su frescura y buena química con el protagonista.

Además, puede entenderse como otra de las pistas colocadas por los estudios Marvel para el arranque de su próxima fase, relacionada con los jóvenes "Avengers", lo que sin duda continuará atrayendo la atención de propios y extraños.

Perdidas con la Ola

Cumbia norteña | Por Antonio León | Fotografía: Armando Ruiz |

Nos regalan monedas para poner canciones de Paulina Rubio, Britney Spears y Valentín Elizalde. Las caguamas están frías de verdad y valoran nuestra presencia como parroquianas distinguidas. Nos dejan amontonar tantas sillas como necesiten nuestras bolsas de gatitos y nuestros traseros norteños. La chica de la barra es nuestra homegirl y nos incluyó en el grupo de Whatsapp de habituales del lugar. El Washington es un finísimo bar en el centro de Mexicali, un sitio al que nos hemos mudado en la nueva normalidad buscando espacios con menos gente y baños que no parezcan el de la película Trainspotting.

*

Cuando hablo en plural, es porque fui adolescente en los noventa y me mamaba la onda groupie. En aquel entonces no me dejaban entrar a los bares, pero iba a tocadas infames con músicos de talento medidito que se atascaban de jarabe Benadrex con soda de limón -dicen que otra vez está de moda-. La verdad es que Ola Magenta es una sola morra: Caro Yee, nuestra amiga.

Antes de ser Ola Magenta, Caro estuvo haciendo música con varias bandas de nombres como de estética unisex. Indie pop surferito, como de ir de buenas por la existencia, como si no se estuviera acabando el agua con la que hacen nuestras cervezas. Bandas de veinteañeros que, según lo he visto, mantienen a flote el negocio de los tenis rojos de lona, las camisas hawaianas y las gorritas normiecores de alguna cosa supuestamente irónica de la que no me entero. Será que soy quince o veinte años más grande y estoy llegando a una época en que tanta indolencia juvenil me encabrona.

*

Ola Magenta es la frontgirl de una banda en el fin de cursos de película gringa. Caro Yee nos trae el pop de guitarras con todo el encanto del verano de palmeras con el que la gente sueña en este verano de calor de radiador en la jeta. Es la heredera natural de las Kim Deals, las Liz Phairs y, ya en plan más reciente, las Best Coasts y las DIIVs del mundo.

Ola Magenta llega a un espacio aún dominado por señoros y se hace unas canciones en las que el humor adolescente convive con las vicisitudes de tener que ir a trabajar al día siguiente. Trabajar después de los ensayos, de los novios, de los afters, del perreo oligofrénico y de manejar por horas para hacer cualquier cosa.

Hace un par de días vio la luz Estamos perdidas, el primer EP de Ola Magenta. Es una colección de temas que nacieron entre bromas y referencias al humor de internet. Cinco canciones en YouTube, en Spotify y en cuanta cosa haya disponible para girar.

Ser testigo de la forma en que Caro Yee trabaja nos conmueve y emociona. Hemos ido –otra vez en plural- a bares de señores funados a los que juramos no volver, solo para verla brillar a ella. Nos hemos parado en salones de fiestas como de La risa en vacaciones para escucharla entonar estos temas. Nos sabemos los títulos y la parte en la que la guitarra toma más fuerza. Estar perdidas, Caro y nosotras, sus amigas. Estar perdidas y regresar al Washington por otra caguama. Porque de estos nosotras se compone la vida, y las amigas son la más dulce de las Olas.

Itari Marta, una mujer con causa que pide paro nacional por feminicidios en México

Por Jaime López

Su nombre es sumamente reconocido en el ámbito escénico del país, tanto por su amplia trayectoria en diversas trincheras o modalidades como por su incansable promoción del teatro.

Además, se le identifica como una activista de los derechos de las mujeres, que percibe en la cultura y en el arte una plataforma oportuna para ayudar a disminuir la violencia en contra de ellas.

Es Itari Marta, directora del Foro Shakespeare y creadora de la Compañía del Teatro Penitenciario, cuya finalidad es contribuir a la reinserción social de las personas que se encuentran privadas de su libertad en el penal varonil de Santa Martha Acatitla.

Entrevistada con motivo de su aparición en la nueva temporada de "Mujeres con causa", programa documental transmitido a través de Canal 14, Itari Marta destacó la relevancia de difundir los logros y esfuerzos del sector femenino.

"Qué orgullo que el trabajo de las mujeres se difunda, porque la verdad es terrible lo que pasa en este país con nuestros jóvenes y con nuestras mujeres, entonces, empezar a difundir lo que hacen, empezar a darles un lugar más predominante a las mujeres, creo que es necesario para que el odio que hay contra nosotras se empiece a subsanar y se empiece a equilibrar", dijo.

Aunque admitió que sabía muy poco del programa mencionado, accedió a formar parte de este por el entusiasmo y amabilidad de la productora, Carmen Huete.

Señaló estar orgullosa de su labor, porque, explicó, ha sido ardua, a lo cual agregó que el destino le ha llevado a incursionar en diferentes áreas para sobrevivir.

Cuestionada sobre si el teatro es una herramienta poderosa para ayudar a erradicar la violencia de género en México, apuntó que sí debido a que informa, previene y es un espacio ideal para la denuncia social.

A pesar de lo anterior, precisó que el problema de las artes escénicas es que no tienen el impacto masivo y exprés que poseen otros medios, como por ejemplo, la televisión.

Llamó a realizar un paro nacional debido al preocupante y grave conjunto de cifras de feminicidios y desapariciones registrados en el territorio mexicano.

"Lo que está pasando con las mujeres es para parar el país, para quemarlo todo", refirió.

La creadora dijo que sensibilizar a la población es una de las acciones más urgentes que se tienen que implementar si se desea detener la violencia de género.

"Yo estoy muy conmovida, me parece increíble; creo que las palabras que te pueda decir en este momento son puras palabras que ya hemos escuchado antes. Evidentemente, las cifras no son para sentarse a dormir, las cifras son para parar el país, para hacer paro nacional", expresó.

Si bien resaltó que no es partidaria de la violencia radical, dijo que hay un alto nivel de impunidad en el país que la llevan a cuestionarse diversas cosas.

El programa de "Mujeres con causa", el cual está conformado por 13 emisiones, puede verse todos los lunes a las 19 horas, en tanto, su retransmisión se realiza los sábados a las 20 horas.

Situación del Foro Shakespeare y la descentralización de la cultura

De acuerdo con lo expresado por la conductora de "Diablas", el espacio escénico bajo su cargo, es decir, el Foro Shakespeare, no se encuentra en una situación financiera boyante, producto de la pandemia del nuevo coronavirus y el déficit acumulado en los últimos años.

No obstante, señaló que quienes asisten están respondiendo de manera positiva a varias de las obras y eventos celebrados en el espacio mencionado.

"Sí están respondiendo, no todos los días, no con todas las obras, pero hay eventos que están llenos y ninguno está vacío", apuntó.

 

Agradeció a este espacio editorial por coadyuvar a la difusión del Foro Shakespeare y por hacer que el público se entere que nuevamente está abierto.

En otro orden de ideas, dijo estar de acuerdo con la propuesta de descentralizar las actividades culturales en México, es decir, que muchas de ellas no se limiten a presentarse únicamente en la capital del país.

Lamentó que el actual gobierno federal no está destinando el presupuesto necesario para conseguir tal propósito (la descentralización).

"No es que no haya dinero, lo que pasa es que no hay suficiente y no se está destinando a los lugares adecuados", declaró.

Dijo que, en comparación con otros países, es abismal la diferencia del monto destinado al arte producido en el país.

Acerca de sus proyectos en puerta, comunicó que actualmente está produciendo el ciclo de Dramaturgias de paso, que tiene el objetivo de ayudar a los escritores escénicos para ver montadas sus historias.

Añadió que está terminando la realización de "Hansel y Gretel" y recordó la serie de opciones que tiene el Foro Shakespeare, por ejemplo, el festival de monólogos.

Finalmente, indicó que la Compañía de Teatro Penitenciario está presentando "MacBeth" luego de dos años sin actividades. Invitó a escribir al correo teatroyprisión@foroshakespeare.com a las personas interesadas en acudir a dicho montaje.

Lo que está pasando con las mujeres es para parar el país, para quemarlo todo, refirió @ItariMarta al abordar el tema de los feminicidios y desapariciones que actualmente acontecen en México. La creadora dijo que se requiere sensibilizar a la población @CiriloRivera @DavidCelest pic.twitter.com/CuZlvKVVKe

— Jaime López reportero (@JaimeComunidad3) April 28, 2022

Aunque tú no lo sepas: una charla con Axel Catalán

Axel Catalán es uno de los letristas más emblemáticos de la nueva camada de cantautores mexicanos que vienen desde abajo y ya la están rompiendo por todo el país. En esta entrega de 'Aunque tú no lo sepas' nos habla de rock nacional, Jake Bugg y el Vive Latino.

Para más entrevistas suscríbete al canal de YouTube de Casa Yonki.

"De ovejas y príncipes en un tren", una fábula amorosa sobre el duelo

Por Jaime López |

A lo largo de un mes y medio, el foro de Puro Drama fue sede de la obra titulada "De ovejas y príncipes en un tren", con la que la actriz y directora mexicana, Patricia Madrid, propuso una reflexión empática acerca de temas que podrían resultar espinosos para muchas personas, por ejemplo, la muerte y el duelo.

En entrevista, la creativa enfatizó que el público objetivo principal del montaje fue el infantil, porque consideró que ha sido minimizado por los adultos.

"Los adultos a veces tenemos la idea equivocada de que los niños no deben de saber esas cosas, que a los niños no se les debe de hablar sobre lo qué pasó o creemos que no lo comprenden en su totalidad, y a mí me parece que esa es una idea errónea, porque los niños son sabios", explicó.

Destacó que "De ovejas y príncipes en un tren" también fue una oportunidad para volver a conectar con sus orígenes, porque recordó que ella estuvo alrededor de 20 años sin realizar un montaje en Puebla.

Añadió que, en el marco de la pandemia del nuevo coronavirus, el texto que coescribió con Paula Watson resultó más que pertinente para los connacionales debido a los diferentes tipos de pérdidas que han padecido.

"Me parece que en este momento, en donde estamos todos atravesados por una pandemia, que ya lleva dos años presente en nuestras vidas y que, además, ha dejado pérdidas, duelos, cambios inesperados de circunstancias para muchísima gente, que han perdido familiares, gente querida, gente cercana, pero también duelos que tienen que ver con pérdidas de trabajo o cambio de circunstancias de vida, cambio de ciudades, que a final de cuentas no dejan de ser cambios que generan dolor por cerrar ciclos", acotó.

En cuanto a la decisión de incluir una oveja como protagonista, indicó que es una oda a las personas que no se dejan devorar por la masa.

"Pareciera que las personas que se cuestionan cosas o que sienten un impulso distinto o simplemente sienten la intuición de no avanzar o de no caminar hacia donde van todos, pareciera que están equivocadas o las tachan de ovejas negras, entonces, de ahí nos vino el personaje de la oveja que a final de cuentas es leal a sí misma, se obedece a sí misma", declaró.

Acerca del personaje del príncipe, apuntó que éste es abordado desde una perspectiva diferente a la clásica, pues lo expone como un ser que tiene disposición a aprender de sus errores y conectar con sus emociones.

"Quisimos retomar un elemento de algo a lo que estamos acostumbrados, pero darle la vuelta, que no fuera una princesa, sino una oveja que toma decisiones y hacer un príncipe que no es títere, que es genuino, que habla desde el corazón, que contacta con sus emociones", expresó.

En cuanto a contextualizar todo el relato en un tren, mencionó que se trata de una analogía del viaje natural que emprenden los seres humanos, que incluye distintas paradas.

"El tren definitivamente tiene que ver con el viaje, con el trayecto, una vez que llegamos a la vida y que nacemos emprendemos un viaje que no para hasta que para, y muchas veces tenemos la sensación que vamos a la deriva", dijo.

Sobre la selección del elenco, respondió que tuvo la fortuna de coincidir con una de sus protagonistas, Lisha Montaño, en un taller de dramaturgia impartido en la Ciudad de México.

Abundó que ella fue quien le empezó a presentar actores poblanos y contactarse con ellos.

"Para mí fue muy grato, fue muy lindo, conocer a todas estas personas que yo no conocía, fue muy grande que se sumaron al proyecto sin conocerme", apuntó.

En otro orden de ideas, estuvo de acuerdo en la descentralización de la cultura, pero aclaró que ello no significa que debe de frenarse toda la actividad artística desarrollada en la Ciudad de México.

Finalmente, remarcó su sorpresa de haber regresado a la Angelópolis y encontrar un movimiento teatral más activo y sólido en comparación con el que existía hace 20 años.

"Dale gas", adrenalina y traiciones al límite

Cinetiketas | Por Jaime López

En las últimas semanas, la popular plataforma de streaming de la n mayúscula roja estrenó la serie de acción "Dale gas", que retrata la historia de dos jóvenes mecánicos y la abuela de uno de ellos, los cuales deben de huir de su lugar de residencia al verse involucrados en el homicidio accidental de un corredor de autos, que es hijo de un poderoso mafioso de Monterrey.

Contada muy al estilo de la saga fílmica "Rápidos y Furiosos", debido a que abundan los cortes frenéticos de edición, la música urbana de moda y las escenas de carreras clandestinas, la producción en cuestión sirve para posicionar a las nuevas promesas de la industria audiovisual mexicana, entre ellas, el ganador del premio Ariel, Benny Emmanuel ("Chicuarotes"), y la prestigiada cantante-actriz-youtuber, Renata Vaca ("Clases de historia").

Asimismo, la audiencia podrá descubrir a talentos emergentes como los de Andrés Delgado ("Cosas imposibles") y Tania Niebla ("La casa de las flores"), que cada vez están teniendo mayor presencia en los seriados nacionales.

Aunque "Dale gas" tiene como principal finalidad brindar altas dosis de adrenalina a los espectadores, su argumento también ofrece interesantes apuntes sociales, porque cuestiona el sistema de clases y el fanatismo religioso.

Sumado a lo anterior, uno de los elementos temáticos más destacados de la serie es el referente al conflicto familiar que padecen los protagonistas, porque abarca traumas del pasado, así como envidias o traiciones entre personas que tienen la misma sangre.

Eso último recuerda, en mayor o menor medida, la pluma de William Shakespeare, quien indagaba o profundizaba en las dinámicas y claroscuros filiales.

Otro elemento a resaltar son las oportunas interpretaciones de Sylvina Pasquel ("El diablo entre las piernas"), Silverio Palacios ("Matando cabos") y Gerardo Taracena ("El violín"), quienes, sin lugar a dudas, aportan un alto nivel de credibilidad y profesionalismo a cada capítulo.

Además, los histriones en cuestión dan vida a seres apegados a la realidad, que no son totalmente buenos o malos, sino que buscan sobrevivir conforme sus creencias y circunstancias personales.

Pasando al lugar en donde se desarrollan los eventos principales de la historia, la colonia Buenos Aires en la Ciudad de México, se corre el riesgo de que la audiencia estereotipe a los residentes o vecinos de dicha demarcación debido a que se les muestra como seres marginados con pocas opciones para salir adelante.

Finalmente, la dirección de escena es irregular en los episodios comandados por Alejandro Fernández y Edgar Nito, pero tiene mayor solidez cuando se pone al frente del proyecto Ernesto Contreras, quien sabe sacarle el mejor provecho a todo su elenco.